John Petrucci interview

When Dream Theater, the inimitable spearhead of progressive metal, release a live album, it’s to give fans of heroic songs a severe beating. With a triple live set in New York, the Berklee alumni offer us a rather busy aperitif before the release of their next studio album. Interview with John Petrucci, guitarist by trade, to set the record straight.

Reading Dream Theater’s biography, I realized that when you were studying at Berklee, you made a name for yourself by sporting Iron Maiden T-shirts at a jazz-oriented school. Was it a good time after all?

Yes, of course it was. It was fantastic to see all those musicians with their guitars, trumpets and saxophones. There was a mixture of relaxation and extreme tension on campus. Musicians terribly focused on what they were listening to on their Walkman, busy picking out solos, breaks, fills, outs. It’s a great school because the level of the teachers is gigantic. The lessons and theories of each of them are almost philosophical.

Which exercises did you work on the most?

At first, I worked conscientiously and in honorable proportion on the scales, i.e. the ascents, descents, all the cariassions and inversions. I worked on a number of chromatic exercises. I worked on exercises to master fingering, dexterity and velocity, but the most horrifying things for me to work on were the classical music pieces I tried so hard to reproduce. I really had a hard time of it.

Every time a Dream Theater album or side project is released, the specialized press is in a race for interviews. How do you explain this media enthusiasm for the band?

I have no explanation to give. I’m still surprised by the attention the public and the media pay to our band, and maybe that’s a source of pride for me.

Don’t you feel that Dream Theater is finally filling the void left by the musical heroes of the ‘80s?

Well, we became popular because we were able to play well. But I think that was the extreme limit. If we’d appeared a few months later, things would have been totally different. Playing well, technically and intricately was totally out of fashion. We knew how to be there at the right time.

What do you have to say to people who criticize Dream Theater’s music as straightforward, soulless and ultra-technical?

It’s a criticism I often hear, and one I can’t accept. I think that as soon as a piece of music emanates from a band, there’s bound to be a soul in it.

But do you understand this kind of criticism?

I think they imply that our music is too technical to arouse emotion. But I don’t agree with that. Pop music is simple. Pop music has to do with basic emotions, basic subjects, that everyone can easily understand. Classical music and jazz deal more with deep, complex emotions, more elusive metrics, melodies and chords that require more effort to retain. I don’t think pop music has any monopoly on emotion. I’d much rather read authors who drive me forward, whose writing forces me to rise to them, than authors who are more complacent with mass. It’s all a matter of choice. But I’m tired of pointing out that there are people who impose the dictatorship of simplicity as an essential source of musicality or emotion.

In any case, the result is tracks like ‘A Change Of Seasons.’ How do you work on your songs?

We try to write down preliminary ideas that have no definitive form, so as not to create limits. In this way, everyone can contribute their own parts and develop harmonic or rhythmic lines without frustration. We try to work together as much as possible so that, step by step, the piece takes on the most “natural” form possible. Even if they seem complex, with many breaks, our pieces are not incoherent. But most of the writing is done by Jordan [Rudess on keyboards] and myself.

I read that the release of this album was delayed due to an unfortunate coincidence...

To say the least. In fact, our album was released in September, just before the United States was attacked. We had developed a cover featuring New York in flames, and as you said, it was a very, very bad coincidence. Naturally, we decided to suspend distribution of the record in order to rethink the cover design. But it wasn’t a provocation on our part. We’re used to playing with a certain type of symbol. In this case, to characterize our concerts, fire is the one we like best.

Can you tell me a little more about the next studio album, due out at the end of January 2002?

It’s going to be a very instrumental double album, with just six songs. The eponymous track, ‘Six Degrees Of Inner Turbulence,’ is over forty minutes long.

Forty minutes? But that’s a marathon. Does this way of developing such long pieces come from the progressive pieces of the ‘70s?

Of course it does. Bands like Yes, but also classical music. When you hear a symphony, you can distinguish the different parts, each of which can last over twenty minutes. So you can find four twenty-five minute movements.

How do you feel about the whole Motown or Stax production, with its two-and-a-half-minute tracks? Do you think they’re crooks?

No, it’s just music that isn’t based on the technical quality of the musicians. The intensity lies elsewhere. What I like about listening to a lot of music is that it forces me to understand what works in this or that music.

You had a lot of trouble finding the right singer in LaBrie. Is it that your music is too complex to be sung, or simply that it’s not meant to be sung?

No, James LaBrie is excellent in his role, which proves that our music can be sung. Having said that, it’s true that our music is very complex for a singer. It’s true that the very particular metrics and the sudden changes led us to spend a long time without a singer and to play instrumental music. I’m well aware of how lucky we were to find a singer like James, with such power and such a wide voice.

Where do you stand on the “seven-string guitar to boost the market” debate that Jeff Beck started for us?

[laughs] I think the seven-string is revolutionary. I use it a lot, and I like the idea that technology offers guitarists innovations that extend the range of a guitar. Bass guitars have evolved with five- and six-string models. Keyboardists can go really low, and I’m happy to be able to play really deep or dark lines thanks to the addition of a seventh string. I think it’s fantastic that technology can allow us to respond to our imagination.

Do you think there are now two generations? The seven-string generation and the six-string generation?

It’s hard to say. The seven-string isn’t that young. I think it was George Benson who first tinkered with a guitar of this type in the ‘60s. People who think that there are two worlds at war between grandpas who play on six-strings and youngsters who play on seven are complete idiots. This type of guitar is nothing less than an extension of a guitar’s harmonic capabilities, period.

Finally, I have the impression that there is too much passion around the instrument, and less around the main subject of the instrument, which is music. How do you explain that?

You’re absolutely right, and I’d say that in the end, the seven-string symbolizes a kind of sound that isn’t very musical, like in the music of Korn or Limp Bizkit, where the guitar is used as a source of noise. But I don’t think that’s true. If we focus too much on the instrument, if we raise false debates, we end up losing touch with reality. In this case, the reality is that the guitar is an object used to make music, and I think that even if they only had two or three strings on their guitar, Korn would get the same kind of sound. It has less to do with the guitar than your attitude.

J. B. Méchernane

Original text

Quand Dream Theater, inénarrable fer de lance du métal-progressif, sort un album live, c’est pour mettre une sévère dérouillée aux adeptes de morceaux héroïques. Avec une triple live à New York, les anciens de la Berklee nous proposent un apéro plutôt chargé avant la sortie de leur prochain album studio. Entretien avec John Petrucci, guitariste de son état, pour remettre quelques pendules à l’heure.

En lisant la biographie de Dream Theater j’ai réalisé que dès vos études à la Berklee, vous avez su vous faire remarquer en arborant des T-shirts Iron maiden dans une école tendance jazz. C’était une bonne période malgré tout ?

Oui, bien sûr. C’était fantastique de vois tous ces musiciens portant leur guitare, leur trompette, leur sax. Il y avait une ambiance mêlée de détente et d’extrême tension dans l’enceinte du campus. Des musiciens terriblement concentrés sur ce qu’ils écoutaient dans leur walkman, affairés à relever des soli, des breaks, des fills, de out. C’est une école géniale parce que le niveau des profs est gigantesque. Les cours, les théories de chacun d’eux sont presque philosophiques.

Quels ont été les exercices que tu as le plus travaillé ?

Au début, j’ai travaillé consciencieusement et en proportion honorable les gammes, c’est à dire les montées, les descentes, toutes les cariassions et renversements. J’ai travaillé quantité d’exercices chromatiques. J’ai travaillé des exercices pour bien maîtriser les doigtés, la dextérité, la vélocité, mais les trucs les plus horribles à travailler furent pour moi les pièces de musiques classique que je me suis évertué à reproduire. Là, j’en ai vraiment bavé.

A chaque sortie d’un album ou d’un side project d’un membre de Dream Theater, c’est la course à l’interview pour tout la presse spécialisée. Comment expliques-tu cet engouement médiatique pour le groupe ?

Je n’ai aucune explication à donner. Je reste surpris par l’attention que le public ou les médias prêtent à notre groupe, et c’est peut-être ma source de fierté.

Est-ce que tu n’as pas l’impression que Dream Theater comble finalement le vide laissé par les musiciens héros des années 80 ?

En tous cas, nous sommes devenus populaires parce que nous étions capables de bien jouer. Mais je pense que c’était l’extrême limite. Si nous étions apparus quelques mois plus tard, les choses auraient été totalement différentes. Jouer bien, technique et complexe était passé totalement de mode. Nous avons su être présents au bon moment.

Qu’as tu envie de répondre aux personnes qui critiquent la musique de Dream Theater en la qualifiant de droite, sans âme, et ultra technique ?

C’est une critique que j’entends souvent, et que je ne peux pas admettre. Je pense qu’à partir du moment où une musique émane d’un groupe, il y a forcément une âme qui s’y glisse.

Mais est-ce que tu comprends ce genre de critique?

Je pense qu’ils insinuent que notre musique est trop technique pour susciter de l’émotion. Mais je ne suis pas d’accord avec ça. La pop-music est simple. La pop-music est en rapport avec des émotions basiques, des sujets basiques, que tout le monde peut comprendre aisément. La musique classique et le jazz traitent plus avec des émotions profondes et complexes, des métriques plus insaisissables, des mélodies et des accords qui nécessitent plus d’efforts pour être retenues. Je ne pense pas que la pop-music détienne une quelconque monopole sur l’émotion. Je préfère de loin lire des auteurs qui me font avancer, dont l’écriture me force à me hisser jusqu’à eux, plutôt que des auteurs plus complaisants avec la mass. Ce n’est qu’une question de choix. Mais je suis las de rélargir qu’il existe des personnes pour imposer la dictature de la simplicité comme source essentielle de musicalité ou d’émotion.

En tous cas le résultat c’est des morceaux comme Change Of Seasons. Comment travaillez-vous vos morceaux ?

Nous essayons d’écrire des idées préalables qui n’ont pas de formes définitives pour ne pas créer de limites. Chacun peut ainsi apporter ses propres parties et développer des lignes harmoniques ou rythmiques sans frustration. Nous essayons de nous concerter au maximum pour que, pas à pas, le morceau prenne la forme la plus « naturelle » possible. Même si ils sembles complexes, avec de nombreuses ruptures, nos morceaux ne sont pas incohérents. Mais la majeure partie de l’écriture est le fruit de Jordan (Rudess aux claviers NDJ) et de moi-même.

J’ai lu que la sortie de cet album a été retardée à cause d’une malheureuse coïncidence...

C’est le moins que l’on puisse dire. En fait, notre album est sorti en septembre, juste avant que les Etats-Unis ne soient attaqués. Nous avions développé une pochette où figurait New York en flammes, et comme tu l’as dit, c’était une très très mauvaise coïncidence. Nous avons bien évidemment décidé de suspendre la distribution du disque afin de repenser le design de la pochette. Mais ce n’était pas une quelconque provocation de notre part. Nous avons pour habitude de jouer avec un certain type de symbole. En l’occurrence, pour caractériser nos concerts, le feu est celui qui nous plaît le plus.

Peux-tu me parler un peu plus du prochain album studio prévu pour la fin janvier 2002 ?

Ce sera un double album très instrumental, ne comportant que six chansons. Le morceau éponyme, « Six Degrees Of Inner Turbulence » dure plus de quarante minutes.

Quarante minutes ? Mais c’est un marathon. Cette façon de développer des morceaux aussi longs vient-elle des morceaux progressifs des années 70 ?

Bien sûr. Par des groupes comme Yes, mais aussi par la musique classique. Quand tu entends une symphonie, tu peux distinguer les différentes parties, qui peuvent durer chacune plus de vingt minutes. Tu peux ainsi trouver quatre mouvement de vingt cinq minutes.

Quel est ton point de vue finalement sur tout la production du Motown ou de Stax, avec des morceaux de deux minutes trente. Tu te dis que ce sont des escrocs ?

Non, c’est juste une musique qui n’est pas basée sur la qualité technique des musiciens. L’intensité est ailleurs. Ce qui me plaît dans l’écoute d’un grand nombre de musiques, c’est qu’elle m’oblige à comprendre ce qui marche dans telle ou telle musique.

Vous avez eu beaucoup de problèmes pour trouver le bon chanteur en la personne de LaBrie. Est-ce que ta musique est trop complexe pour être chantée ou plus simplement que ta musique n’est pas faite pour être chantée.

Non, James LaBrie est excellent dans son rôle, cela prouve bien que notre musique peut être chantée. Cela dit, il est certain que notre musique est très complexe pour un chanteur. C’est vrai que les métriques très particulières, les changements brusques nous ont amenés à passer un long moment sans chanteur et à jouer de la musique instrumental. Je suis conscient de la chance que nous avons eu de trouver un chanteur comme James, avec une telle puissance et une voix aussi étendue.

Par rapport au débat « sept-cordes, guitare pour relancer le marché » qu’avait lancé pour nous Jeff Beck quelle est ta position ?

(Rires). Je pense que la sept cordes est révolutionnaire. Je l’utilise souvent, et j’aime l’idée que la technique offre aux guitaristes des innovations qui permettent d’étendre le champ d’action d’une guitare. Les basses ont évolué avec les modèles cinq ou six cordes. Les claviéristes peuvent descendre vraiment bas et je suis satisfait de pouvoir jouer des lignes vraiment profondes ou très sombres grâce au rajout d’une septième corde. Je trouve ça fantastique que la technique puisse nous permettre de répondre à notre imagination.

Penses-tu qu’il existe à présent deux générations. La génération sept et la génération six cordes ?

C’est difficile à dire. La sept cordes n’est pas si jeune. Je crois que c’est George Benson qui a été le premier à avoir bricolé une guitare de ce type dans les années 60. Les personnes qui s’imaginent qu’il existerait deux mondes en guerre entre les papys qui jouent sur six cordes et les jeunots qui jouent sur sept sont des cons finis. Ce type de guitare n’est rien de moins qu’une extension des capacités harmoniques d’une guitare, un point c’est tout.

Pour finir, j’ai l’impression qu’il y a une trop forte passion autour de l’instrument, et moins autour du sujet principal de l’instrument qui est la musique. Comment l’expliques-tu ?

Tu as tout à fait raison, et je dirais que finalement, la sept cordes symbolise une genre de son qui en définitive n’est pas très musical, comme dans la musique de Korn ou Limp Bizkit, où la guitare est utilisée comme une source de bruit. Mais je ne pense pas que ce soit vrai. Si on se focalise trop sur l’instrument, si on soulève de faux débats, on finit par perdre un pu la notion des réalités. En l’occurrence, la réalité c’est que la guitare est un objet qui sert à faire de la musique, et je pense que même s’ils n’avaient que deux ou trois cordes sur leur guitare, Korn obtiendrait le même type de son. Cela a moins à voir avec la guitare que ton attitude.

J. -B. Méchernane