John Petrucci – the guitar, style and history of Dream Theater

Editing, Valentino Iovino

For over a decade, Dream Theater have represented one of the greatest expressions of instrumental technique and classical music that no one can fail to recognize as having played a leading role in the evolution of modern rock. John Petrucci represents the guitarist's soul, which combines the melodic tradition and talent of the great virtuosos of the last two decades. On the occasion of the release of the American band's new album, Train Of Thought, we retrace all the stages of their career and analyze their style.

In the fall of 1985, students John Petrucci (guitar) and John Myung (bass) left New York for Boston to enroll in the prestigious Berklee School of Music and specifically in the jazz course. Petrucci took up the guitar for the first time at the age of eight and then taught himself from the age of 12; for his part, Myung (originally from Chicago) played the violin since preschool age but later, also on the advice of his neighbors, opted for the bass. The first band was called Centurion and it was during those months that the two met eighteen-year-old Mike Portnoy, a heavy metal drummer who had also recently enrolled at Berklee. The three became friends, discovering that they had many things in common: first of all, an interest in British prog and metal, with particular attention to Yes and Black Sabbath. All three also had an eye on American musical realities such as Rush and Journey and Mike, whose father was a famous DJ, broadened his horizons to U2, Keith Moon and Frank Zappa. Furthermore, Mike has already played in local bands such as Intruder and Rising Power (with whom he recorded some demos in 1984) and helped Inner Sanctum in the interregnum between two drummers in 1985, participating in the recording of the album 12 A.M.

For his part, Petrucci has great admiration for people like Yngwie Malmsteen, Steve Morse (of whom he will follow some seminars), Randy Rhoads, Steve Vai, Steve Ray Vaughan and Al Di Meola, leading exponents of genres quite distant from each other, confirming a musical eclecticism that will be very useful in the future. Even the tastes of bassist John Myung range from Chris Squire (Yes) to Geddy Lee (Rush) to classical music (Beethoven above all) and blues, with a preference for John Lee Hooker and Muddy Waters. As you can see, a rich substrate of humus and solid foundations on which to build an important musical history.

"We played six hours a night, every single day that God sent to earth", Mike will explain. "This was while we were attending school. After about a year, we had to choose one of two things: either we continued studying or we became a real band". At the end of the second semester of 1986, they decided to leave Boston and return to New York. "We survived by doing odd jobs and giving music lessons", Petrucci recalls. "Then it happened that we recruited the keyboardist Kevin Moore, who came from Centurion (Myung's band) and was then enrolled at the Fredonia College of Music in NY. It was he who suggested Chris Collins as vocalist and, at that moment, Majesty was born".

A few months of rehearsals and the harmony is already excellent, to the point of recording a demo tape of six songs on a four-track, sold at concerts and sent to various labels (it will appear in 1991 on a double CD German label Reborn Classics). The songs, in perfect techno rock style, attract the attention of Mechanic, an MCA affiliate, who decides to give the group a chance but insists on changing the name because it had already been adopted by a jazz band. It is Mike's father who suggests Dream Theater (from the name of a cinema in Monterey) while the band decides to get rid of Collins because his voice is not well suited to the group's repertoire. The burden falls for a certain period to Petrucci and Portnoy, but it is clear that it is a stopgap solution. So Charlie Dominici, voice and rhythm guitar, is contacted, co-opted just in time for the recording of the debut album When Dream And Day Unite (1989). Charlie’s abrasive voice is well suited to John’s riffs and Mike and Myung’s percussive carpet, especially in songs like ‘A Fortune In Lies’ and the adrenaline-pumping ‘Ytse Jam’. The album earns the respect and support of American rock radio and industry magazines but the minimal promotion and the small budget, together with a non-existent distribution, prevent it from being properly recognized. With poor sales and finances almost in the red, the situation is far from rosy. “It was clear that something had to be done,” comments Petrucci, “Charlie did not correspond to our musical vision, we needed a more powerful and incisive frontman.”

For a short time the place is Steve Stone's but it takes a voice of much greater caliber. Among those who show up at the subsequent auditions, John Arch (Fates Warning) must be mentioned, who, however, decides to stay with his band. Disappointed by the result, Dream Theater provisionally continue as an instrumental band, presenting a repertoire that includes Led Zeppelin, Van Halen and the Beatles. The search, however, continues and it seems that the Canadian Chris Cintron is the right one but just in those days another Canadian, Kevin James LaBrie, comes forward and is immediately hired. James LaBrie (after two Johns, two Kevins were really too many) has sung in half a dozen Toronto groups including Winter Rose, the year before supporting the queen of metal Lee Aaron. It is thanks to her that he comes into possession of a Dream Theater demo, listens to it and flies to buy a plane ticket to New York. The musical tastes are very similar to those of the band and a great feeling is immediately established between the parties. Finally Dream Theater are complete.

The group is very popular with industry insiders, especially journalists from the specialized press and it is one of them who introduces them to the A&R manager of the Atco label, getting them a contract. As a first result, the group closes itself in the recording studio for the new album Images And Words, which comes out in 1992. Compared to the previous work, the sound is harder, more powerful and direct, with decisive guitar phrases, a great percussive A-list and precise vocal interventions, as clearly demonstrated by the song 'Pull Me Under', a single that climbs the charts in the USA. The only flaw is the imperfect production but this does not prevent the album from doubling the half million copies sold mark in the United States alone and the group from embarking on a long tour with stops in Europe and Japan (as evidence of this tour, a video will be released in 1994). Of course, apart from the indisputable technical ability, not everything is memorable but not for long. In April '93 the band recorded Live At The Marquee, and this time superlatives are a must. Petrucci will write in the liner notes: "all this was possible thanks to you, our fans, and yet you still have to shell out money to listen to us. How ironic". Between March and July 1994, Dream Theater released Awake in California while in June Kevin Moore decided to pass the baton to focus on a solo career and a repertoire closer to the Tori Amos-style sound. The separation happened amicably and without friction between the parties. "It was a strange time", recalls Portnoy, "we contacted the keyboardist Jordan Rudess (Vinnie Colaiuta and Jan Hammer) who, however, declined the invitation for family reasons, business and not least the possibility of joining the Dixie Dregs so we fell back on Derek Sherinian". Derek is a former student of Berklee College who has already played with Kiss, Alice Cooper and Buddy Miles but the thing that most impressed the others in the band is the pink ostrich feather boa he wears on stage. Fans are bitter, Moore is regretted and Sherinian himself admits that "maybe Kevin was more suited to the band's music. For my part, I tried to bring a breath of fresh air and fun". A breath of fresh air, however, that does not suit the seriousness of the Dream Theater concept. In January 1995, a surprise appearance at Ronnie Scott's in London is recorded and published with the title A Change Of Seasons while Mike writes a book and signs an instructional video on the drums, imitated by John Myung on the use of the bass. The live setlist includes, among others, covers of Led Zeppelin, Pink Floyd and Genesis plus the title track, a suite of over 20 minutes that has been the group's live workhorse for some time. It seems that everything is going well but it is not so. "At the beginning of '96, not everything was going right", admits Petrucci, "there were serious communication problems between the management and the label while some collaborators within our entourage kept us away from the studios. Not to mention the problems that the business throws at you. In short, a period to be erased".

In addition, both John and Mike lost loved ones in those months (their father and grandmother). An already heavy atmosphere to which, in April 1997, Mike suffered a severe contusion to one of his arms during a concert in Munich; the encores were performed with only one hand and then a rush to the hospital. In July of the same year, however, they were back in New York ready to record Falling Into Infinity, with the intervention of producer Desmond Child and under the artistic direction of Kevin Shirley. The result was controversial, full of apparently opposed motifs and sound directions, from the melodic vocal interventions of Doug Pinnick of King’s X to the oriental arrangements, from Sting-style phrasing (‘Hollow Years’) to compositional surprises in Mansun style like ‘Peruvian Skies’. 78 minutes with epic but not cloying twists. During the summer of 1997, Mike finishes his new recording studio just before the band embarks on a long tour (116 dates in 20 countries). In June 1998, Dream performs in Rotterdam and Paris, shows that are recorded and destined for a video and a double album entitled Once In A LIVEtime. There are also rumors of the live EP Metropolis part 2 that Petrucci himself defines as "the craziest song we've ever recorded". But the thing, for the moment at least, is shelved. In the meantime, the group does not sit idle, realizing some important collateral projects. Mike Portnoy tours the States and Europe organizing very popular clinics, John Myung gives life to his Platypus (with Derek Sherinian, King’s X guitarist Ty Tabor and Dixie Dregs drummer Rod Morgenstein) and enters the scene with Trent Gardner’s Explorer Club (Magellan) which also includes singer DC Cooper, bassist Billy Sheehan and drummer Terry Bozzio. Then there are the Liquid Tension Experiment, produced by Kevin Shirley and including Portnoy, Petrucci, Jordan Rudess and bass maestro Tony Levin. All this while Derek Sherinian tours with Alice Cooper and plans the work of his Planet X, together with bassist Tony Franklin and guitarist Tony MacAlpine. Times have changed so Jordan Rudess is invited to join Dream while Derek takes the blow well and leaves without a fight. With the addition of Jordan, the desired lineup is completed and, as Mike will say, "now Dream Theater are a real band again". Refreshed and full of adrenaline, in February '99 we find them in the studio recording their fifth album. "The record company didn't know what to do with us", Petrucci recalls, "so we looked each other in the eye and said: f*** them! Let's record the best album possible and screw them".

First they resurrect ‘Metropolis Part 2’, which develops the story of two brothers who live a diametrically opposed approach to life, a concept already present in Images And Words, and they start working on it. After five months of work, the result is something absolutely different from "part 1", travelling along the lines of the best works of Pink Floyd, The Who, Genesis and Marillion. Petrucci and Portnoy develop the story together with LaBrie and write the lyrics while Rudess takes care of almost all the musical part.

The result is fascinating, even shocking. Scenes From A Memory: Metropolis Part 2 is a single flow of almost 80 minutes of authentic creative frenzy, an unprecedented success that sold over a million copies in Europe and the same number in the USA, giving the group a popularity that knows no bounds. The album was released in October 1999, but it was with the Live Scenes From New York version (2001) that the group reached the peak of their career. It is an absolutely unmissable triple CD; "when we recorded the material for the DVD, the amount available exceeded three hours and listening to it again we decided to present it in another guise", Petrucci will say, "by pure coincidence the release was due on September 11, 2001 and, second coincidence, the cover design depicted New York in flames. We were therefore forced to change the image, that of a heart-shaped apple in flames with the Twin Towers in the background". Alongside the CD is a DVD: "Of course this format offers the possibility to go into more depth", continues John, "so it is accompanied by a commentary by the band and a documentary behind the scenes of this project". The concert is in New York, the last date of the American tour, but on the evening of the show the band still does not know that it will become an album. "In fact, we decided it later, listening to the tapes again. Plan A was to release only the live DVD. The CD was only discussed as an emergency plan". In the meantime the band is already working on the new album Six Degrees Of Inner Turbulence (2002). "It was quite a hectic period," John confesses, "between the tour, the DVD, the triple album and the new one we didn't have a free moment. The result was a double CD, where the first contained 5 songs while the second only contained the title track of about 40 minutes. With the term 'inner turbulence' we mean a sort of mental illness: six different aspects of this syndrome, as many as the protagonists, each of which is dedicated to a song. The music is mine and John Myung's while the lyrics are by me, Mike and James". Equally important is the first CD, even if the songs, by Petrucci's admission, are not linked to each other: "in fact, they are songs in their own right. For example, ‘The Glass Prison’ is about a glass prison in which we are all more or less prisoners while ‘Misunderstood’ is about the temptation of Christ". The most interesting aspect, however, remains the background from which the idea of ​​the concept album was born: "we talked at length about emotional stress, stress related to the most intimate and personal sphere, mental disorders and other syndromes inherent to human feelings and impulses taken to excess. Then, once we had decided on the topic, we did some research. A fascinating job". In the meantime Portnoy plays in Transatlantic, a prog super-group without too many stylistic constraints formed by members of Spock's Beard, Marillion and Flower Kings while Petrucci and Rudess appear as a couple for some semi-acoustic dates (documented in An Evening With, available only on the internet). Finally, Platypus evolve into Jelly Jam and record the self-titled album for Inside Out. Petrucci is still in action with G3 (together with Steve Vai and Joe Satriani), perhaps the most fun experience outside the band.

"It was actually very engaging, especially on an emotional level. First of all because I really admire Steve and Joe and secondly because we played in New York, that is, at our home: a sort of family reunion in the best Italian tradition. Why did they call me? Because my origins, like theirs, are Italian, and it is known that in certain environments... mob rules".

And we come to today, precisely to Train Of Thought. It is a heavier album than the previous ones, which enjoys a very thick sound, which comes from inside and spreads, enveloping everything and everyone like a shroud. A damned effective work, with the guitar and the drums dominating the scene in a sort of frenetic dance that opens with the last note of the previous album, almost as if to underline a time consequence that is almost an imprinting for Dream Theater. The band is in great shape for an album that especially gives the best of itself live. "It was a work born in particular conditions, with the war in Iraq at the gates and a whirlwind of thoughts crowding the mind", explains Petrucci, "we recorded it in Manhattan, a perfect mirror of this situation: a seething of people with the desire to start again, to react to a situation that is in some ways extraordinary. The evolution of a way of life". The first song, ‘As I Am’, seems to want to refer to the spirit of Metallica’s Black Album, even if it has a much more current resonance. In its almost eight minutes of duration, Petrucci traces the path of the entire work, building a sort of cheat sheet to tackle the sequel. "I wanted to obtain an aggressive and direct sound. For this reason I spent hours and hours overdubbing the guitar parts, until I obtained that particular result: a fat and powerful sound that fills the entire album". A sense of rhythm that continues with ‘This Dying Soul’, with John’s Musicman/Ernie Ball in full evidence (the divorce from Ibanez was sanctioned a couple of years ago). "You can clearly hear sudden changes in tempo, to signify the advance of the militias of evil, the horror of weapons of mass destruction and not only in Iraq, mind you. Also near us, here in New Jersey, or with you in Europe. An impending danger. Souls who are about to die without a reason and without having to reproach themselves for anything."

An image, that of the band today, that is quite different from the one dear to the fans of the first hour. Petrucci, however, specifies: "the sound has become more complicated, the stories have been enriched with new elements and the global vision may not be immediately understandable but it is the natural evolution of the group. In particular, my role as guitarist has now changed, the result of long and meticulous work that has kept me busy for months at home and in the studio". Evolutionary stages that are reflected in 'Endless Sacrifice', one of the most intense moments of the entire work; "the aggression here reaches its peak, combined with a crystalline sound output thanks to the multiple overlapping of tracks, not only of the guitar. A purity absent in previous works. Technique at the service of music". For its part, 'Honor Thy Father' recalls here and there Metallica's 'Battery' with the voice and the orchestra in evidence; "we wanted to explore that certain type of music, adapting it to the group: a vocal melody that marries orchestral sounds, complex but clear". After songs lasting over ten minutes, the real surprise comes with ‘Vacant’, just over three minutes without the sound of the guitar but only the clear sound of the piano. The calm after the storm, a sort of watershed to catch your breath. But it is, in fact, only a moment. The following ‘Stream Of Consciousness’ is a white-hot instrumental, a real tour de force for John's guitar. The song is impressively powerful, one of the highlights of the album and it is easy to predict its effect live. "The rhythmic part is my favorite of all. I literally love it. It is a difficult piece, therefore more interesting; a real challenge and I love challenges. The basic score was composed on the piano but I would say that the entire band manages to express itself at excellent levels, starting with the rhythm section".

It is in songs like this that you have the clear feeling that Dream Theater come straight from another planet. A feeling supported by the performances on stage, where the old songs are subjected to a regenerating treatment and covered in new light. "Being improved from a technical point of view has meant that even our past successes can be rearranged and re-proposed in versions that sometimes have little to do with the original". An evident leap in quality, especially if you listen to 'In The Name Of God', the song that ideally closes Train Of Thought. A grand finale that reveals itself as a 14-minute-plus finale that enchants the listener, a true comet of Good News from the beginning of the millennium. "A gigantic and exciting finale", concludes John, "with the presence of God that dominates everything. An album difficult to understand, perhaps, but of rare quality. We dedicated a lot of time to its transposition on stage but the result was beyond all expectations". Seeing is believing, while waiting for Petrucci's solo album, finally on the way.

Original text

John Petrucci – la chitarra, lo stile e la storia dei Dream Theater

Di Paolo Battigelli

Editing, Valentino Iovino

Da oltre un decennio, i Dream Theater rappresentano una delle massime espressioni della tecnica strumentale e della musica colta a cui nessuno può non riconoscere un ruolo di primo piano nell'evoluzione del rock moderno. John Petrucci ne rappresenta l'anima chitarristica, che onde la tradizione melodica e il talento dei grandi virtuosi delle ultime due decadi. In occasione della pubblicazione del nuovo album della band americana, Train Of Thought, ne ripercorriamo tutte le tappe de la carriera e ne analizziamo lo stile.

Nell'autunno del 1985, gli studenti John Petrucci (chitarra) e John Myung (basso) lasciano New York alla volta di Boston per iscriversi alla prestigiosa Berklee School of Music e precisamente al corso di jazz. Petrucci ha imbracciato la chitarra per la prima volta a otto anni per poi studiare da autodidatta dall'età di 12; dal canto suo, Myung (originario di Chicago) suona il violino già in età prescolare ma in seguito, anche su consiglio dei vicini, opta per il basso. La prima band è battezzata Centurion ed è in quei mesi che i due fanno la conoscenza del diciottenne Mike Portnoy, batterista heavy metal anche lui da poco iscritto al Berklee. I tre fanno amicizia, scoprendo di avere molte cose in comune: prima fra tutte l'interesse per il prog britannico e il metal, con particolare riguardo agli Yes e ai Black Sabbath. Tutti e tre, inoltre, strizzano l'occhio anche a realtà musicali americane come i Rush e i Journey e Mike, il cui padre è stato un rinomato dj, allarga i suoi orizzonti agli U2, Keith Moon e Frank Zappa. Per di più Mike ha già militato in band locali come gli Intruder e i Rising Power (con i quali incide alcuni demo nel 1984) e aiutato gli Inner Sanctum nell'interregno tra due batteristi nel 1985, partecipando alla registrazione dell'album 12 A.M..

Da parte sua, Petrucci nutre grandeammirazione per gente come Yngwie Malmsteen, Steve Morse (del quale seguirà alcuni seminari), Randy Rhoads, Steve Vai, Steve Ray Vaughan e Al Di Meola, esponenti di spicco di generi alquanto lontani tra loro, a conferma di un eclettismo musicale che tornerà assai utile in futuro. Anche i gusti del bassista John Myung spaziano tra Chris Squire (Yes) a Geddy Lee (Rush) sino alla musica classica (Beethoven su tutti) e il blues, con predilezione per John Lee Hooker e Muddy Waters. Come si vede, un substrato ricco di humus e di fondamenta solide su cui costruire una storia musicale importante.

"Suonavamo sei ore a notte, tutti i santi giorni che dio mandava in terra", spiegherà Mike. "Questo mentre frequentavamo la scuola. Dopo circa un anno, dovevamo scegliere delle due l'una: o continuavamo a studiare o diventavamo una vera band". Alla fine del secondo semestre del 1986, decidono di lasciare Boston e tornare a New York. "Si sopravviveva facendo lavori saltuari e dando lezioni di musica", rammenta Petrucci. "Poi avvenne che reclutammo il tastierista Kevin Moore, che proveniva dai Centurion (la band di Myung) e allora era iscritto al Fredonia College of Music di NY. Fu lui a suggerire come vocalist Chris Collins e, in quel momento nacquesro i Majesty".

Pochi mesi di prove e l'affiatamento è già ottimo, al punto di incidere un demo tape di sei brani su un quattro piste, venduto ai concerti e spedito alle varie etichette (apparirà nel 1991 in un doppio CD tedesco su etichetta Reborn Classics). Le canzoni, in perfetto stile techno rock, attirano l'attenzione della Mechanic, affiliata dell'MCA, che decide di dare una chance al gruppo insistendo però sul cambio del nome perché già adottato da una jazz band. E' il padre di Mike a suggerire Dream Theater (dal nome di un cinema di Monterey) mentre la band decide di disfarsi di Collins perché la voce mal si adatta al repertorio del gruppo. L'onere tocca per un certo periodo a Petrucci e Portnoy, ma è chiaro che si tratta di una soluzione di ripiego. Così viene contattato Charlie Dominici, voce e chitarra ritmica, cooptato giusto in tempo per la registrazione dell'album di debutto When Dream And Day Unite (1989). La voce abrasiva di Charlie ben si adatta ai riff di John e al tappeto percussivo di Mike e Myung, soprattutto in brani come ‘A Fortune In Lies’ e l'adrenalinica ‘Ytse Jam’. L'album si guadagna la stima e l'appoggio delle rock radio americane e di giornali di settore ma la minima promozione e l'esiguo budget, unitamente ad una distribuzione inesistente, ne impediscono un giusto riconoscimento. Con vendite esigue e finanze quasi in rosso, la situazione è tutt'altro che rosea. "Era evidente che qualcosa andava fatto", commenta Petrucci, "Charlie non corrispondeva alla nostra visione musicale, ci voleva un frontman più potente e incisivo".

Per un breve lasso di tempo il posto è di Steve Stone ma ci vuole un'ugola di ben altro spessore. Tra coloro che si presentano alle successive audizioni, va menzionato John Arch (Fates Warning) il quale, però, decide poi di rimanere con la sua band. Delusi dal risultato, i Dream Theater continuano provvisoriamente come band strumentale, presentando un repertorio che include Led Zeppelin, Van Halen e Beatles. La ricerca, comunque continua e pare che il canadese Chris Cintron sia quello buono ma proprio in quei giorni si fa avanti un altro canadese, Kevin James LaBrie che viene immediatamente ingaggiato. James LaBrie (dopo due John, due Kevin erano davvero troppo) ha cantato in una mezza dozzina di gruppi di Toronto tra cui i Winter Rose, l'anno prima supporter della regina del metal Lee Aaron. E' grazie a lei che viene in possesso di un demo dei Dream Theater, lo ascolta e vola a comprare un biglietto aereo con destinazione New York. I gusti musicali sono molto simili a quelli della band e tra le parti s'instaura subito un ottimo feeling. Finalmente i Dream Theater sono al completo.

Il gruppo piace molto agli addetti ai lavori, soprattutto giornalisti della stampa specializzata ed è uno di loro che li presenta all'addetto A&R dell'etichetta Atco, procurandogli un contratto. Come primo risultato, il gruppo si chiude in sala di registrazione per il nuovo lavoro Images And Words, che esce nel 1992. Rispetto al lavoro precedente, il suono è più duro, potente e diretto, con fraseggi decisi di chitarra, un grande la oro percussivo e precisi interventi vocali, come dimostra chiaramente il brano ‘Pull Me Under’, singolo che scala le classifiche negli USA. Unico neo, la produzione non perfetta ma ciò non impedisce all'album di doppiare la boa del mezzo milione di copie vendute solo negli Stati Uniti e al gruppo di imbarcarsi in un lungo tour con tappe in Europa e Giappone (a testimonianza di tale tournee, uscirà un video nel 1994). Certo, a parte l'indiscutibile abilità tecnica, non tutto ha del memorabile ma ancora per poco. Nell'aprile del '93 la band registra Live At The Marquee, e stavolta i superlativi sono d'obbligo. Scriverà Petrucci nelle note di copertina: "tutto ciò é stato possibile grazie a voi, ai nostri fan, e tuttavia dovete ancora sborsare dei soldi per ascoltarci. Che ironia”.

Tra il marzo e il luglio del 1994 i Dream Theater realizzano in California Awake mentre in giugno Kevin Moore decide di passare la mano per concentrarsi su una carriera solista e un repertorio più vicino a sonorità in stile Tori Amos. La separazione avviene amichevolmentee senza attriti tra le parti. "Fu un periodo strano", rammenta Portnoy, "contattammo il tastierista Jordan Rudess (Vinnie Colaiuta e Jan Hammer) che, però, declinò l'invito per motivi di famiglia, d'affari e non ultima la possibilità di unirsi ai Dixie Dregs perciò ripiegammo su Derek Sherinian". Derek è un ex studente del Berklee College che ha già suonato con i Kiss, Alice Cooper e Buddy Miles ma la cosa che più resta impressa agli altri della band è il boa di piume di struzzo rosa che indossa palco. I fan ingoiano amaro, Moore è rimpianto e lo stesso Sherinian ammette che "forse Kevin si adattava più alla musica del gruppo. Da parte mia ho cercato di portare una ventata di freschezza e divertimento". Ventata, però, che mal si addice alla seriosità del concept dei Dream Theater. Nel gennaio del '95, un apparizione a sorpresa al Ronnie Scott di Londra viene registrata e pubblicata con il titolo di A Change Of Season mentre Mike scrive un libro e firma un video didattico sulla batteria, imitato da John Myung sull'uso del basso. Della scaletta live fanno invece parte, tra le altre, cover dei Led Zeppelin, dei Pink Floyd e dei Genesis più la title track, una suite di oltre 20 minuti già da diverso tempo cavallo di battaglia live del gruppo. Sembra che tutto vada bene ma non è così. "All'inizio del '96 non filava tutto per il verso giusto.", ammette Petrucci, “c'erano seri problemi di comunicazione tra il management e l'etichetta mentre alcuni collaboratori all'interno del nostro entourage ci tennero lontani dagli studi. Per non dire dei problemi che il business ti getta addosso. Insomma un periodo da cancellare".

In più, sìa John che Mike perdono in quei mesi delle persone care (il padre e la nonna). Un'atmosfera già pesante cui, nell'aprile del 1997, si aggiunge la forte contusione ad un braccio di Mike durante un concerto a Monaco; gli encores vengono eseguiti con una sola mano e poi una corsa all'ospedale. Nel luglio dello stesso anno, comunque, sono nuovamente a New York pronti ad incidere Falling Into Infinity, con l'intervento del produttore Desmond Child e sotto la direzione artistica di Kevin Shirley. Il risultato è controverso, denso di motivi e direzioni sonore apparentemente opposti tra loro, dagli interventi vocali melodici di Doug Pinnick dei Kìng’s X agli arrangiamenti orientalieggianti, dai fraseggi alla Sting (‘Hollow Years’) a sorprese compositive in stile Mansun come Peruvian Skies. 78 minuti dai risvolti epici ma non stucchevoli. Durante l'estate del 1997, Mike termina il suo nuovo studio di registrazione poco prima che la band si imbarchi in un lungo tour (116 date in 20 nazioni). Nel giugno 1998, i Dream si esibiscono a Rotterdam e Parigi, show che vengono registrati e destinati ad un video e un doppio album intitolato Once In A LIVEtime. Si vocifera anche del live EP Metropolis part 2 che lo stesso Petrucci definisce "la canzone più folle che abbiamo mai inciso". Ma la cosa, per il momento almeno, è accantonata. Nel frattempo, il gruppo non resta con le mani in mano, concretizzando alcuni importanti progetti collaterali. Mike Portnoy gira gli States e l'Europa organizzando seguitissime clinic, John Myung dà vita ai suoi Platypus (con Derek Sherinian, il chitarrista dei King’s X Ty Tabor e il batterista dei Dixie Dregs, Rod Morgenstein) ed entra in scena con gli Explorer Club di Trent Gardner (Magellan) a cui partecipano anche il cantante DC Cooper, il bassista Billy Sheehan e il batterista Terry Bozzio.

Poi ci sono i Liquid Tension Experiment, prodotti da Kevin Shirley e comprendenti Portnoy, Petrucci, Jordan Rudess e il maestro di basso Tony Levin. Il tutto mentre Derek Sherinian gira in tour al seguito di Alice Cooper e pianifica il lavoro dei suoi Planet X, insieme al bassista Tony Franklin e il chitarrista Tony MacAlpine. I tempi sono cambiati ecosì Jordan Rudess viene invitato ad unirsi ai Dream mentre Derek incassa bene il colpo e abbandona senza colpo ferire. Con l'inserimento di Jordan, si completa la lineup sempre desiderata e, come dirà Mike, "ora i Dream Theater sono di nuovo una vera band". Rinfrancati e adrenalinici nel febbraio del '99 li ritroviamo in studio ad incidere il loro quinto album. "La casa discografica non sapeva cosa farsene di noi", ricorda Petrucci, "così ci guardammo negli occhi e dicemmo: fan culo! Incidiamo il miglior album possibile e che si fottano".

Per prima cosa resuscitano Metropolis Part 2, che sviluppa la storia di due fratelli che vivono un approccio alla vita diametralmente opposto, concept già presente in Images And Words, e iniziano a lavorarci sopra. Dopo cinque mesi di lavoro, il risultato è qualcosa di assolutamente diverso dalla "part 1", viaggiante sulla falsariga delle opere migliori dei Pink Floyd, Who, Genesis e Marillion. Petrucci e Portnoy sviluppano la vicenda insieme a LaBrie e ne scrivono i testi mentre Rudess si incarica di quasi tutta la parte musicale.

Il risultato è affascinante, addirittura shockante. Scenes From A Memory: Metropolis Part 2 è un’unico flusso di quasi 80 minuti di autentica frenesia creativa, un successo senza precedenti che vende oltre un milione di copie in Europa e altrettante negli USA, dando al gruppo una popolarità che non conosce confini. L'album esce nell'ottobre del 1999, ma è con la versione Live Scenes From New York (2001) che il gruppo tocca l'apice della carriera. Si tratta di un cd triplo assolutamente impedibile; "quando registrammo il materiale per il dvd, la quantità a disposizione superava le tre ore e riascoltandolo decidemmo di presentarlo anche in altra veste", dirà Petrucci, "per pura coincidenza la pubblicazione doveva avvenire il 11 settembre 2001 e, seconda coincidenza, il disegno di copertina raffigurava proprio New York in fiamme. Fummo dunque costretti a cambiarle l'immagine, quella di un cuore a forma di mela in fiamme con le Twin Towers sullo sfondo". Accanto al cd un dvd: "Naturalmente questo formato offre la possibilità di approfondire il discorso", continua John, "perciò è accompagnato da un commento della band e un documentario dietro le quinte di questo progetto". Il concerto è quello di New York, ultima data del tour americano, ma la sera dello show la band ancora non sa che diverrà un album. "In effetti, lo decidemmo in un secondo tempo, riascoltando i nastri. Il piano A era di pubblicare solo il live dvd. Del cd se ne parlò solo come piano d'emergenza". Nel frattempo la band è già al lavoro sul nuovo album Six Degrees Of Inner Turbulence (2002). "Fu un periodo abbastanza frenetico", confessa John, “tra il tour, il dvd, l’album triplo e quello nuovo non avevamo un attimo libero. Ne venne fuori un doppio CD, dove il primo conteneva 5 brani mentre il secondo la sola title track di circa 40 minuti. Con il termine 'inner turbulence' (turbo lenza interiore) intendiamo una sorta di malattia mentale: sei diversi aspetti di questa sindrome, quanti sono i protagonisti ad ognuno dei quali è dedicata una canzone. La musica è mia e di John Myung mentre i testi sono firmati da me, Mike e James". Ugualmente importante è il primo cd, anche se i brani, per ammissione di Petrucci, non sono legati tra loro: "in effetti, si tratta di canzoni a se stanti. Ad esempio, ‘The Glass Prison’ parla di una prigione di vetro in cm siamo tutti più o meno prigionieri mentre ‘Misunderstood’ è incentrata sulla tentazione di Cristo". L'aspetto più interessante resta però il background dal quale è nata l'idea del concept-album: "abbiamo parlato a lungo di stress emozionale, di stress legati alla sfera più intima e personale, di disordini mentali e altre sindromi inerenti i sentimenti e pulsioni umane portate all'eccesso. Poi, una volta deciso l'argomento, ci siamo documentati. Un lavoro affascinante". Nel frattempo Portnoy suona nei Transatlantic, super-gruppo prog senza troppi vincoli stilistici formato da membri di Spock's Beard, Marillion e Flower Kings mentre Petrucci e Rudess si presentano in coppia per alcune date semiacustiche (documentate in An Evening With, disponibile solo tramite internet). Infine, i Platypus si evolvono nei Jelly Jam e incidono l'album omonimo per la Inside Out. Ancora Petrucci in azione con i G3 (insieme a Steve Vai e Joe Satriani), forse l'esperienza più divertente al di fuori della band.

"In effetti é stato molto coinvolgente, soprattutto a livello emotivo. In primis perché ammiro molto Steve e Joe e in secondo luogo perché abbiamo suonato a New York, cioè a casa nostra: una specie di riunione di famiglia nella migliore tradizione italiana. Perché hanno chiamato proprio me? Perché le mie origini, come le loro, sono italiane, e si sa che in certi ambienti... mob rules".

Ed arriviamo all'oggi, precisamente a Train Of Thought. E' un album più heavy dei precedenti, che gode di un suono molto spesso, che arriva da dentro e si sparge avvolgendo come un sudario tutto e tutti. Un lavoro dannatamente efficace, con la chitarra e la batteria a dominare la scena in una specie di ballo frenetico che si apre con l'ultima nota dell'album precedente, quasi a voler sottolineare una consecutio temporum che è quasi un imprinting per i Dream Theater. La band è in grande spolvero per un album che soprattutto dal vivo dà il meglio di sé. "E' stato un lavoro nato in condizioni particolari, con la guerra in Irak alle porte ed una ridda di pensieri che affollano la mente", spiega Petrucci, "lo abbiamo inciso a Manhattan, specchio perfetto di questa situazione: un ribollire di gente con la voglia di ricominciare, di reagire ad una situazione per certi versi straordinaria. L'evoluzione di un modo di vita". La prima canzone ‘As I Am’ sembra voler rifarsi allo spirito del Black Album dei Metallica, anche se manifesta una risonanza ben più attuale. Nei suoi quasi otto minuti di durata, Petrucci traccia la strada dell'intero lavoro, costruendo una sorta di bigino per affrontare il seguito. "Volevo ottenere un suono aggressivo e diretto. Per questo ho passato ore ed ore a sovraincidere le parti di chitarra, sino ad ottenere quel particolare risultato: un suono grasso e potente che rimpie tutto il disco". Senso del ritmo che prosegue con ‘This Dying Soul’, con la Musicman/Ernie Ball di John in bella evidenza (il divorzio dalla Ibanez è stato sancito un paio d'anni fa). "Si avvertono distintamente repentini cambi di tempo, a significare l'avanzata delle milizie del male, l'orrore delle armi di distruzione di massa e non solo in Iraq, si badi bene. Anche vicino a noi, qui nel New Jersey, o da voi in Europa. Un pericolo incombente. Anime che stanno per morire senza un perché e senza doversi rimproverare nulla".

Un'immagine, quella della band di oggi, che si discosta non poco da quella cara ai fan della prima ora. Petrucci, però, precisa: "il suono si è complicato, le storie si sono arricchite di nuovi elementi e la visione globale può risultare di non immediata comprensione ma si tratta della naturale evoluzione del gruppo. In particolare del mio ruolo di chitarrista ora è cambiato, frutto di un lavoro lungo e certosino che mi ha tenuto occupato per mesi a casa e in sala". Stadi evolutivi che si specchiano in ‘Endless Sacrifice’, uno dei momenti più intensi dell'intera opera; "l'aggressività qui raggiunge il suo apice, unita ad una resa sonora cristallina grazie alle molteplici sovrapposizioni di piste, non solo di chitarra. Una purezza assente nei lavori precedenti. La tecnica al servizio della musica". Dal canto suo ‘Honor Thy Father’ (onora il padre) ricorda qua e là ‘Battery’ dei Metallica con la voce e l'orchestra in evidenza; "volevamo esplorare quel certo tipo di musica, adattandola al gruppo: una melodia vocale che si sposa a suoni orchestrali, complessi ma nitidi". Dopo brani di oltre dieci minuti, la vera sorpresa arriva con ‘Vacant’, poco più di tre minuti senza il suono della chitarra ma solo quello limpido del piano. La calma dopo la tempesta, una specie di spartiacque per riprendere fiato. Ma è, appunto, solo un attimo. La successiva ‘Stream Of Consciousness’ è uno strumentale al calor bianco, vero tour de force per la chitarra di John. Il brano è di una potenza impressionante, uno dei momenti clou del disco ed è facile prevedere il suo effetto dal vivo. "La parte ritmica è quella che preferisco in assoluto. L'adoro letteralmente. E' un pezzo difficile, per questo più interessante; una vera sfida e io amo le sfide. La parti tura base è stata composta al pianoforte ma direi che l'intera band riesce ad esprimersi a livelli d'eccellenza, a cominciare dalla sezione ritmica".

E' in brani come questo che si ha la netta sensazione che i Dream Theater vengano direttamente da un altro pianeta. Sensazione avvalorata dalle performance sul palco, dove i vecchi brani vengono sottoposti ad un trattamento rigenerante e rivestiti di luce nuova. "L'essere migliorati sotto l'aspetto tecnico ha fatto sì che anche i nostri successi passati possano venire riarrangiati e riproposti in versioni che a volte hanno poco a vedere con l'originale". Un evidente salto di qualità, soprattutto se si presta orecchio a ‘In The Name Of God’, brano che idealmente chiude Train Of Thought. Un gran finale che si rivela una chiosa di oltre 14 minuti che incanta l'ascoltatore cometa vera Buona Novella d'inizio millennio. "Un finale gigantesco ed eccitante", conclude John, "con la presenza di dio che sovrasta tutto. Un album difficile da comprendere, forse, ma di rara qualità. Abbiamo dedicato molto tempo alla sua trasposizione sul palco ma e il risultato è stato superiore ad ogni aspettativa". Vedere per credere, in attesa dell'album solista di Petrucci, finalmente in dirittura d'arrivo.