Mike Mangini – Like in a Dream

Being the drummer of Dream Theater could be compared to high-wire act. With the ambitious double album The Astonishing, our drummer had to push his limits once again. There’s no question of false modesty for him, not hesitating to highlight the apparent simplicity of his playing, his extraordinary kit, and his ability to play faster than anyone else. Some will be offended by this almost provocative interview. Others (those who know him well) will agree. This man deserves this little excess of vanity, having worked the instrument with a level of relentlessness bordering on furious madness!

Batteur: Mike, you joined Dream Theater in 2011. More than five years later, is everything going as you hoped?

Mike Mangini: First of all, I’ll tell you that in life, there’s nothing worse than pinning all your hopes on other people. Of course, I like to dream, but I avoid going beyond that. Well, to be completely honest, in the case of Dream Theater, yes, I really hoped to get the job. If I take stock today, I realize that I have evolved enormously alongside my companions. I have never been happier as an artist because for the first time, I am allowed to fully express myself. You know, before that, I taught at Berklee College of Music. The more my reputation as a teacher grew, the more I felt trapped. At one point, I was tied hand and foot, unable to take time off to carry out other projects. I was even formally forbidden to travel. I hated this feeling of imprisonment. That’s why I couldn’t hold back my tears when I learned I was joining the band [you can watch this emotional moment in the film The Spirit Carries On – Ed.]. Don’t get me wrong, I love my students. I miss them so much! But I had to do something else with my life.

B: What did you enjoy most about joining Dream Theater?

MM: At the risk of surprising anyone, I won’t mention any specific composition or dwell on my drum sound. What first attracted me was the solid brotherhood I joined, a real family where all the members support each other with genuine joy, and unconditionally. It’s crazy! Here, everyone takes care of each other. I’ve never experienced such generosity within a band.

B: You’ve studied the instrument so thoroughly that only a band like Dream Theater could reveal Mike Mangini’s true nature! What do you think?

MM: I totally agree! But even in the context of Dream Theater, people don’t realize everything that lies behind my playing, the layout of my set being as strange as it is unique in the world. I’ve baffled more than one producer with this symphonic approach to my kit. Sometimes people would ask me, “But why do you arrange these elements like that?” I’d reply, “But what does that matter to you? You can hear them, right? So just pick them up!” [laughs] I challenge anyone to understand what I play just by listening, having difficulty doing so myself! If you want to get a more accurate picture, you’d have to watch me too. In short, yes, I express myself with greater freedom, but I still have just as much difficulty explaining and showcasing my playing.

B: It must have been no easy task memorizing the parts of a piece as elaborate as The Astonishing...

MM: Oh yes, it took me more than four months, especially since most of the passages were improvised. I had to dissect everything at a slow pace. On this album, a simple “bass drum/snare drum” rhythm sounds superficial to the average person, while behind it lie monstrous licks requiring some serious ambidexterity skills.

B: Isn’t it frustrating to see part of your playing disappear in the mix?

MM: No, because you have to think about the music as a whole. If everything I did were perceptible, it would come at the cost of heavy sacrifices, as The Astonishing features hundreds of tracks. That’s why I expected the final mix to be different from my idea of ​​it as a drummer. Our engineers have an overall artistic vision that I don’t, and I trust them completely. That said, all those hits that you don’t hear are still important because they contribute to the groove. In such a busy context, I reach people in a different way, through the feeling I create.

B: Why does your set consist of a small tom centered on you, with larger toms on either side?

MM: It’s an idea that came to me during my collaboration with guitarist Nuno Bettencourt, when I was playing in Extreme [in 1995]. Always driven by the idea of ​​a symphonic kit, I wanted to reproduce his neck strokes as faithfully as possible.

B: So you play around tuning your toms to the guitar’s tuning?

MM: No! I did it once with Steve Lynch [Autograph guitarist – Ed.] and it was a mistake. At the time, I only played with rototoms, which were capable of producing real notes. At one point, he stopped and said to me, “Mike, your tuning is off the charts. What you’ve managed to do is fantastic, but I can’t play at all anymore. You just hit your third tom tuned to D, while I’m playing an A. It’s driving me completely crazy!!” Today, I continue to tune my drums like a symphonic instrument, but I’ve completely banned rototoms.

B: When we last met at the Bag’Show, you were wearing a strange leather strap with a sort of ball as a fulcrum. What was the reason for this?

MM: Hmm, you’re bringing up one of my worst memories. I had seriously damaged the tendons in my left wrist in several places. This happened to me at home while I was preparing for my very first concert for Dream Theater. Given the confidentiality I was required to maintain, I had to handle the move and installation of the kit on the top floor of my house myself. After setting up so much of the equipment, my wrist suffered. I consulted seven surgeons, some of whom are considered the best in the world. All of them refused to operate! So I finally accepted it, believing that only rest and caution would get me out of this predicament. When I first joined the band, I refused to shake hands, settling for fist bumps. Some people must have been thinking, “Who the hell does he think he is?” The truth is, I was in too much pain to make that oh-so-common gesture. I fought the pain for almost three years, but I’m fine now, having adapted my playing to avoid painful gestures. I still avoid shaking hands today, so if you ever meet me, don’t be offended!

B: You use a lot of suspended elements like octobans. Everyone agrees that elements placed in high positions promote chronic pain. Are you also aware of this?

MM: Oh yes! Every time I’m on stage, I talk to myself, the goal being to adopt the right gestures at the right time, things like: “Mike, soon there will be a big gong strike, take the time to rotate your whole body gently...” You know, aside from my wrists, I suffer from countless aches and pains. Drums use every part of the body. We metal drummers are a little crazy, banging like crazy all day long. Physical trauma is inevitable. But I’ve been lucky enough to practice the right gestures for each situation, starting in my twenties. That’s how I limit the damage!

B: Jeff Waters [guitarist of Annihilator – Ed.] told us about your studio session for the album Set The World On Fire [1993]. He mentioned your difficulty in ensuring a simple rhythm on the track ‘Knight Jumps Queen’. What was the problem?

MM: Oh dear! I remember it very well. I managed to put together neat tracks like ‘Brain Dance’ in no time. The problem with ‘Knight Jumps Queen’ was that I couldn’t figure out the placement. It was millisecond-by-millisecond. It was crazy! I thought I was good, but it was a lie. Fortunately, Jeff and producer Max Norman took the time to explain the movement to me, and I got it. It’s thanks to them that I got the hang of it, and I will be eternally grateful. It was all about awareness. By dint of playing complicated licks full of notes, my brain only worked by subdividing the beat. In an AC/DC-style rhythm, I was completely lost, only spotting the beat of the kick and snare drums, unable to manage so much space between the hits. If this type of inconvenience had occurred today, we would have proceeded by retiming on Pro Tools. But back then, there was no computer editing. Everything we played was reproduced as is.

B: You’ve won several world speed records. How do you prepare for such an ordeal?

MM: There’s no secret. It’s not the kind of thing you prepare for six months in advance, even with the best training. The fact is, I’ve practiced night and day since childhood! Even when I didn’t have sticks within reach, I practiced with my hands on pillows. In terms of speed, my hands are still among the fastest in the world. What I just said will get people talking, that’s for sure! But it’s the truth. Anyway, I’m used to gossip, these speed competitions have a knack for hurting people’s egos. How many times have I heard: “Speed ​​doesn’t make you a better drummer!” The goal isn’t musicality but the pleasure of learning, improving technically, testing yourself, surpassing yourself! We’re not here to put each other down, so stop these damn ego problems. Following these competitions, some people came to me to ask for coaching. Others also coached me on my weaker points [footwork]. Drums are an exchange. If someone knows something that the other doesn’t, you have to share that knowledge. I understand that not everyone is into this taste for a challenge, but that’s no reason to criticize me!

Original text

Mike Mangini – Comme dans un rêve

Etre le batteur de Dream Theater pourrait être comparé à de la haute voltige. Avec l’ambitieux double album « The Astonishing », notre batteur a dû de nouveau repousser ses limites. Il n’est donc pas question pour lui de faire dans la fausse modestie, n’hésitant pas à mettre en avant l’apparente simplicité de son jeu, son kit hors normes, ainsi que son aptitude à jouer plus vite que quiconque. Certains prendront la mouche à la lecture de cette entrevue presque provocante. Les autres (ceux qui le connaissent bien), ne pourront qu’acquiescer. Cet homme mérite ce petit excès de vanité, ayant travaillé l’instrument a un niveau d’acharnement relevant de la folie furieuse !

Batteur : Mike, tu as été engagé dans Dream Theater en 2011. Plus de cinq ans après, tout se déroule-t-il tel que tu l'espérais ?

Mike Mangini : Dans un premier temps, je vais te dire que dans la vie, il n'y a rien de pire que de fonder tous ses espoirs envers d'autres personnes. Bien sûr, j'aime rêver, mais j'évite d'aller au-delà. Bon, pour être tout à fait honnête, dans le cas de Dream Theater, oui j'ai vraiment espéré décrocher le job. Si je fais un point aujourd'hui, je m'aperçois que j'ai énormément évolué aux côtés de mes compagnons. Je n'ai jamais été aussi heureux en tant qu'artiste car pour la première fois, je suis autorisé à m'exprimer pleinement. Tu sais, avant cela, j'enseignais au Berklee College Of Music. Plus ma réputation de professeur grandissait, et plus je me sentais enfermé dans un carcan. A un moment, j'étais pieds et poings liés, ne pouvant plus m'absenter pour réaliser d'autres projets. On m'avait même formellement interdit de voyager. J'ai détesté ce sentiment d'emprisonnement. C'est la raison pour laquelle je n'ai pu retenir mes larmes lorsque j'ai appris mon engagement dans le groupe (on peut revoir ce moment fort en émotions dans le film « The Spirit Carries On », ndlr). Il ne faut pas se méprendre, j'adore mes étudiants. Ils me manquent tant ! Mais il fallait que je fasse autre chose de ma vie.

B : Qu'est-ce qui t'a le plus plu en entrant dans Dream Theater ?

MM : Au risque de surprendre, je ne citerai aucune composition en particulier et ne m'étendrai pas non plus sur mon son de batterie. Ce qui m'a séduit en premier est cette solide confrérie dans laquelle je suis rentré, une vraie famille où tous les membres s'épaulent avec un plaisir authentique, et ce de manière inconditionnelle. C'est dingue ! Ici, tous prennent soin les uns des autres. Jamais je n'avais connu une telle générosité au sein d'un groupe.

B : Tu as étudié l'instrument de manière si poussée, que seule une formation comme Dream Theater pouvait révéler la véritable nature de Mike Mangini ! Qu'en penses-tu ?

MM : Je suis tout a fait d'accord ! Mais même dans le contexte de Dream Theater, les gens ne réalisent pas tout ce qui se cache derrière mon jeu, la disposition de mon set étant aussi étrange qu'unique au monde. J'ai dérouté plus d'un producteur avec cette approche symphonique de mon kit. Parfois, on me disait : « Mais pourquoi disposes-tu ces éléments ainsi ? ». Je répondais alors : « Mais qu'est-ce que ça peut te faire ? Tu les entends, non ? Alors contente-toi de les capter ! ». (Rires) Je mets au défi quiconque de comprendre ce que je joue lors d'une simple écoute, ayant moi-même des difficultés à le faire ! Si l'on veut avoir une vision plus juste, il faudrait aussi me regarder. En bref, oui, je m'exprime avec une plus grande liberté, mais j'ai toujours autant de difficultés à expliquer et valoriser mon jeu.

B : Cela n'a pas dû être une sinécure de mémoriser les parties d'une pièce musicale aussi élaborée que "The Astonishing"...

MM : Oh oui, cela m'a demandé plus de quatre mois, d'autant plus que la plupart des passages étaient improvisés. Il m'a fallu tout décortiquer à vitesse lente. Sur cet album, un simple rythme « grosse caisse/caisse claire » est perçu par le commun des mortels de manière superficielle, alors que derrière se cachent des plans monstrueux nécessitant de sacrées compétences en ambidextrie.

B : N'est-ce pas frustrant de voir une partie de ton jeu disparaître au mix ?

MM : Non, car il faut penser la musique dans son ensemble. Si tout ce que je faisais était perceptible, cela se ferait au prix de lourds sacrifices, « The Astonishing » présentant des centaines de pistes. C'est pourquoi je m'attendais à ce que le mix final ne soit pas conforme à l'idée que je m'en faisais en tant que batteur. Nos ingénieurs ont une vision artistique globale que je n'ai pas, et je leur fais totalement confiance. Cela dit, tous ces coups que l'on n'entend pas restent importants, car ils contribuent au groove. Dans un contexte aussi chargé, je touche les gens d'une autre manière, par le feeling que j'insuffle.

B : Pourquoi ton set est-il composé d'un petit tom centré sur toi, avec de part et d'autre de plus gros toms ?

MM : C'est une idée survenue lors de ma collaboration avec le guitariste Nuno Bettencourt, lorsque je jouais dans Extreme (en 1995). Toujours mené par l'idée d'un kit symphonique, j'ai voulu reproduire aussi fidèlement que possible ses descentes de manche.

B : Tu t'amuses donc à régler tes toms sur l'accordage de la guitare ?

MM : Non ! Je l'ai fait une fois avec Steve Lynch (guitariste d'Autograph, ndlr) et c'était une erreur. A l'époque, je ne jouais qu'avec des rototoms, capables de produire de vraies notes. A un moment, il s'est arrêté et m'a dit: « Mike, ton accordage est hors du commun. Ce que tu as réussi à faire est fantastique, mais je n'arrive plus du tout à jouer. Tu viens de taper sur ton troisième tom accordé en Ré, alors que je joue un La. Ça me rend complètement dingue !! ». Aujourd'hui, je continue à accorder ma batterie comme un instrument symphonique, mais j'ai complètement banni les rototoms.

B : A notre dernière rencontre à la Bag'Show, tu portais un étrange bracelet de cuir avec une sorte de boule en guise de point d'appui. Quelle en est la raison ?

MM : Hum, tu évoques là l'un de mes plus mauvais souvenirs. Je m'étais gravement endommagé les tendons de mon poignet gauche à différents endroits. Cela m'est arrivé chez moi alors que je préparais mon tout premier concert pour Dream Theater. Compte tenu de la confidentialité à laquelle j'étais tenu, j'ai dû m’occuper moi-même du déménagement et de l'installation du kit au dernier étage de ma maison. A force de monter le matériel, mon poignet a morflé. J'ai consulté sept chirurgiens, dons certains sont considérés comme les meilleurs au monde. Tous ont refusé de m'opérer! J'ai donc fini par en prendre mon parti, partant du principe que seul le repos et la prudence me sortiraient de ce mauvais pas. A mes débuts dans le groupe, je refusais de serrer la main des gens, me contentant d'un contact poing contre poing. Certains devaient se dire : « Non mais pour qui se prend-il celui-là ? ». La vérité est que j'avais trop mal pour faire ce geste ô combien banal. J'ai combattu la douleur pendant presque trois ans, mais tout va bien à présent, après avoir adapté mon jeu afin d'éviter les gestes douloureux. Aujourd'hui encore, j'évite de serrer la main, alors si un jour vous me rencontrez, ne vous vexez pas !

B : Tu utilises pas mal d'éléments suspendus comme les octobans. Tout le monde s'accorde à dire que les éléments placés en position haute favorisent les douleurs chroniques. As-tu également conscience de cela ?

MM : Oh oui ! A chaque fois que je suis sur scène, je me parle à moi-même, le but étant d'adopter les bons gestes au bon moment, des trucs du genre : « Mike, bientôt il y aura une grosse frappe de gong, prends la peine de faire pivoter tout ton corps en douceur... ». Tu sais, en dehors des poignets, je suis en proie à un nombre incalculable de douleurs. La batterie utilise chaque partie du corps. Nous, les batteurs de metal, sommes un peu fous, à frapper comme des malades à longueur de journée. Les traumatismes physiques sont inévitables. Mais j'ai eu la chance de travailler la bonne gestuelle pour chaque situation, et ce dès mes vingt ans. C'est ainsi que je limite la casse !

B : Jeff Waters (guitariste d'Annihilator, ndlr) nous avait parlé de ta session de studio pour l'album « Set The World On Fire » (1993). Il a évoqué ta difficulté à assurer un rythme tout simple sur le titre Knight Jumps Queen. Quel était le problème ?

MM : Ah là là ! Je m'en souviens très bien. J'avais réussi à mettre en boîte en un tour de main des morceaux chiadés comme Brain Dance. Le problème avec Knight Jumps Queen est que je n'arrivais pas à comprendre le placement. Cela se jouait à la milliseconde. C'était une histoire de fou ! Je croyais être bon, mais c'était un leurre. Heureusement, Jeff et le producteur Max Norman ont pris le temps de m'expliquer le mouvement et j'y suis arrivé. C'est grâce à eux que j'ai chopé le truc et je leur en serai éternellement reconnaissant. Tout résidait dans la prise de conscience. A force de jouer des plans compliqués bourrés de notes, mon cerveau ne fonctionnait qu’en subdivisant le temps. Dans le cadre d'un rythme à la AC/DC, j'étais complètement perdu, ne repérant que le beat de la grosse caisse et de la caisse claire, me montrant incapable de gérer autant d'espace entre les coups. Si ce type de désagrément s'était produit aujourd'hui, nous aurions procédé par recalage sur Pro Tools. Mais à l'époque, il n'était pas question d'édition informatique. Tout ce qu'on jouait était restitué tel quel.

B : Tu as gagné plusieurs records mondiaux de vitesse. Comment se prépare-t-on pour une telle épreuve ?

MM : Il n'y a pas de secret. Ce n'est pas le genre de chose que tu prépares six mois à l'avance, même avec le meilleur entraînement. Le fait est que j'ai pratiqué nuit et jour depuis l'enfance ! Même lorsque je n'avais pas de baguettes a portée, je m'entraînais avec les mains sur des oreillers. En terme de vitesse, mes mains sont toujours parmi les plus rapides du monde. Ce que je viens de dire va faire jaser, c'est une certitude ! Mais c'est la vérité. De toute façon, je suis habitué aux médisances, ces compétitions de vitesse ayant le chic de blesser l'ego des gens. Combien de fois ai-je entendu : « La vitesse ne te rend pas meilleur batteur pour autant! ». Le but n'est pas la musicalité mais le plaisir d'apprendre, de s'améliorer techniquement, de se tester, de se surpasser ! Nous ne sommes pas là pour nous descendre, alors arrêtez ces fichus problèmes d'ego. Suite à ces concours, certains sont venus me voir afin que je les coache. D'autres m'ont aussi coaché sur mes points plus faibles (le jeu de pieds). La batterie est un échange. Si quelqu'un sait quelque chose que l'autre ne sait pas, il faut partager ce savoir. Je comprends que tout le monde ne soit pas branché par ce goût du challenge, mais ce n'es pas une raison pour me casser du sucre sur le dos !