Dream Theater – Operation: Opera

Interview by Stéphane Auzilleau and Djul - Interview conducted on December 4, 2015, in Paris

While Dream Theater has been releasing a new studio album every fall of every odd-numbered year since 2001, with the metronomic regularity that suits them so well, The Astonishing hits the shelves almost six months behind schedule... This was surprising, until we discovered that this thirteenth album was a concept album, the second in the band’s career after the legendary Scenes From A Memory (1999), and, what’s more, that it was a double album, lasting significantly more than two hours! Needless to say, the excitement then ratcheted up, especially since two special concerts were also planned at the Palais des Congrès in Paris for early March 2016 (the weekend of the 5th and 6th, to be precise). After listening to only 9 of the album’s 34 tracks, we found ourselves face to face with the master of ceremonies of this ambitious work, guitarist John Petrucci, who was in Paris to promote what is already proving to be a landmark album in Dream Theater’s career. And for once, it was the interviewee himself who asked us the first question...

John Petrucci: How are you? How are you coping with what happened at the Bataclan?

Rock Hard: It’s not easy, but life has to get on with things. And you, how did these events affect you? The Bataclan is a special place for you because you’ve played there several times and even recorded the live video Once In A Livetime released in 1998?

JP: I feel very close to what happened. It really touched me...

RH: Before we talk about this new album, can you tell us how you felt during your last tour, during which you played a song from each of your albums, in chronological order?

JP: It was... interesting. Of course, some of the songs chosen were part of our regular setlists, but playing them in the order we had written them felt a bit strange. I like to think we’re continually improving, but it really allowed us to realize some of the mistakes we might have made. Overall, though, we had a lot of fun.

RH: Did you have a hard time choosing just one track per album?

JP: Yes and no. What ultimately dictated the decision was the time available. We could tell ourselves it would be fun to play this or that track, but if, in the end, the entire set exceeded the allotted time, it wouldn’t work. It was a bit like a puzzle. At one point, for example, we thought it would be cool to play “Voices” from Awake [1994], but if we had done that, we would have exceeded the ten-minute limit.

RH: Let’s move on to The Astonishing. Had you had this idea of ​​a new concept album in mind for a long time? We imagine it was indeed your idea...

JP: Yes, it was. As a band, we’ve felt the urge to make a new concept album for several years now. We felt the time was right. Enough time had passed since Scenes From A Memory [1999], which was necessary because you have to maintain the eventful aspect of this type of album and not release one every two years. As for me, I needed, above all, to have a great story to put to music. There was no way I was going to show up one day at rehearsal and say to the others, “Hey! What if we make a concept album?” without having thought of anything, or with a shaky script. I needed to have substance, a really good story. It was about two and a half years ago that I felt I was ready. I had recorded a number of musical ideas on my phone – I still have them with me, by the way – which formed a basis. So I started to develop a concept, a story. It took me about a year.

RH: Did the others know you were working on this?

JP: [smiles] Yes and no. They didn’t really know. As I’m a very organized and meticulous person, I didn’t plan on submitting the idea to them without having something solid to offer them. So I waited until I had written the entire script to make a proposal. I told them I had this idea and that what I would like would not only be to compose an album around this story, but to work on a show as a whole, with already in mind the way we would interpret it on stage. From there, I even talked to them about how we could distil the information about this album, in a rather mysterious way, little by little. We also discussed the type of venues we would like to perform in, namely prestigious places, usually dedicated to symphony concerts, etc. I wanted it to be something very special, not only for us, but also for those who have already seen us many times on stage. Everyone loved the idea.

RH: During our last interview, in 2013, you told us that you already had in mind recording a DVD with a symphony orchestra, but also the next step...

JP: Absolutely. That’s when the idea really took root in me. It was the very beginning.

RH: Didn’t you finally consciously embark on this process by composing ‘The Illumination Suite’ on Dream Theater [2013], and then working with a symphony orchestra for Breaking the Fourth Wall [2014]?

JP: Honestly, as a creative person, I love art in general, in all its forms, and everything I do, everything I see, informs what I create. I love movies, science fiction, “dystopian” stories, the contribution of orchestras to rock music, etc. So, it’s probably all of this that ultimately led me to The Astonishing.

RH: Speaking of which, do you differentiate between a concept album and a rock opera? And if so, in which category do you place The Astonishing?

JP: When people first mentioned rock opera to describe this album, I hesitated for a moment. But ultimately, I realized it wasn’t wrong because it corresponds to a story involving several characters set to music, which is the case here. The difference with Scenes From A Memory, which is a concept album, is that the latter was shorter, based on a less detailed story, and was a more collaborative effort because several of us wrote the lyrics. The Astonishing is an even more ambitious project. It’s a rock opera built on the foundation of a very written and detailed story, with many characters who have different trajectories, maps, and so on. There will be a dedicated show, and then it could take the form of a book or a film. So it required more work.

RH: Generally, a rock opera involves several characters sung by different people. But here, James LaBrie plays them all...

JP: That’s true. And in fact, at first, especially since there are several female characters, we thought about using female singers. In the end, we changed our minds because it represented a substantial portion of the album, and I wasn’t sure it was a good idea to make a Dream Theater record with a significant portion sung by someone other than James. It could have been cool, but strange. And above all, James was capable of doing the job and playing all the roles. What he did on this album is simply incredible. He totally impressed me on that one! When I discovered what he was recording, I said to him, “But how do you manage to do that? How do you manage to sing like a woman? And then like a 60-year-old man...” It’s mind-blowing!

RH: He’d already done it on Scenes From A Memory, playing all the characters, including the female ones...

JP: That’s true, but not on the same scale.

RH: Undeniably, it’s his most impressive vocal performance in fifteen years, including Scenes From A Memory. Isn’t he simply at his best when he has to embody characters?

JP: Yes, it’s perhaps a challenge for him. I completely agree with that opinion: he gave me goosebumps several times on this record. He recorded alone, with Richard Chycki [Editor’s note: the band’s sound engineer, who was also in charge of mixing]. I wanted to get an idea of ​​his work, but he asked for a little privacy to develop his ideas: he only sent me what he considered finished. That didn’t stop me from giving him some instructions, whether it was about the characters’ feelings, or even the voices I heard when reading the lyrics. For example, Gabriel, who embodies a kind of savior, must sound like an angel, and therefore a bit like young James, with a very pure voice. Lord Nafaryus is an older man, an emperor, who must sound like someone directive and intimidating. Those are the kinds of descriptions I was able to give him. Coming back to his performance, I think the critics love to hate him and were very hard on him, to the point that I was embarrassed: “He can’t hit this note, he’s not good in concert, etc.” I’ve said it before, but I’ll say it again: only he could embody all the characters on this record, string together such power and emotion. I simply can’t think of another singer who could have done it as well.

RH: Speaking of Richard, what was his contribution to the album?

JP: It was essential. He’s kind of become the sixth member of the band now. We’ve been working with him for a few albums, and he was with us from the moment Jordan [Rudess – keyboards] and I got together to start writing this record and recording the demos. He recorded James’s vocals as well as every instrument in the band, except for the orchestra. And, of course, he’s been working on mixing the album for two months; he actually finished it last night. On some parts, he had to assemble up to 570 tracks to make listenable music: I just don’t know how he did it, but it’s impressive to see!

RH: Listening to the nine tracks...

JP: Yes, this is just a taste of the album, because you’re in for a surprise! [laughs]

RH: Listening to the nine tracks, we were struck by the natural and very fluid side of the melodies, both vocal and instrumental...

JP: Absolutely, but that comes from the way we composed the songs, layer by layer. I couldn’t imagine us all meeting in our rehearsal space to work on these tracks. It wouldn’t have worked. Instead, I worked with Jordan in a room, not a studio, with a real piano. This way, I was able to better develop the story and compose something specific. The resulting melodies are purer, clearer, because the chemistry between Jordan and me meant that these melodies emerged very naturally. In this way, we went back to our roots, to simplicity.

RH: Which brings us to the classic chicken-and-egg question: did you start with the story, the music, or the lyrics?

JP: Broadly speaking, in the order you mentioned: story first, then music, and finally lyrics. However, writing the story sometimes inspired ideas for melodies and riffs that I would immediately record. So I had a wealth of material at my disposal. We proceeded like in some operas, with musical themes or instruments associated with particular characters. And I had these themes coming to mind during the story-writing phase. I discussed a number of ideas with Jordan, and he sent me some suggestions, but it wasn’t until we started working together, in the same space, that things fell into place and we actually composed. Once we’d recorded everything, we decided we had to write the lyrics for all this mass of music. We had to ensure the story’s timeline and the construction of the mythology were consistent. Not easy.

RH: So you wrote all the lyrics?

JP: Yes. That’s actually what I told the others from the beginning of the project: “I know this might surprise you, but I don’t think several of us can write lyrics, for the sake of overall consistency.” It might be different for film writers, but in this specific case, I couldn’t imagine several of us working on the same script and lyrics. It was a bit selfish.

RH: After all, you’re the boss!

JP: [laughs] No, but I was the one who had the idea first!

RH: You talked a little about your sources of inspiration at the beginning of the conversation, but can you tell us a little more?

JP: I’m a big fan of dystopian films like A Clockwork Orange, and science fiction films like The Hunger Games, Star Wars, Lord of the Rings, Game of Thrones, etc. So, all of that must have inspired me to some extent, as well as musicals like Jesus Christ Superstar. When Kevin Moore [Editor’s note: Dream Theater’s first keyboard player from 1985 to 1994] and I were young, we watched Jesus Christ Superstar a million times. We knew all the songs by heart.

RH: And musically, did you build your “inspiration corner” again, as you did for Scenes From A Memory [Editor’s note: at the time; the band brought a few legendary concept albums with them into the studio as inspiration, including musical ones]?

JP: No, not this time. The only album I could cite as a source of inspiration here is Pink Floyd’s The Wall, because it’s not just an album. It’s a whole concept, a film, and so on. It’s a very complete and uncompromising work. When it was released, they presented it live, then toured playing only that album, selecting the locations where they could build their wall, and so on. It’s the only project that inspired us because it goes far beyond just an album. I love what they did.

RH: By the way, what can we expect in the end? A special edition of the album, a book?

JP: This is something that has kept us very busy because this time we want to give as much insight into the concept as possible to those who are interested. Like, for example, Game of Thrones, for which you can go to a website that offers a wealth of information on each episode of the series: where it takes place, its plot, etc. So there’s a website dedicated to our new album, www.theastonishingfanguide.com, although for now we’re deliberately adding to it bit by bit. But eventually, everything will be on it so that everyone can fully immerse themselves in the concept if they wish.

RH: And do you get help with these aspects?

JP: The cover art was designed by a Chinese artist, Jie Ma, who often works for films, as were the character portraits. We called on another artist for the overall packaging because it was a big job, as were the maps, which are very detailed.

RH: So far, we’ve only been able to hear nine tracks. Are they representative of the album as a whole?

JP: No, not really [laughs]... I’m sorry, but it’s a complicated story, and its musical landscape is changing enormously.

RH: So these nine tracks weren’t selected for their representative aspect of the whole?

JP: No, we suggested them... because they were the only ones that were finalized! [laughs] True...

RH: What is the total length of the album?

JP: I don’t know exactly because the final mastering was only completed last night. So, I’m expected to know today... But it should be around 2 hours and 15 minutes. It’s a lot of music, and it was a lot of work, because it also contains the orchestral parts for which we hired David Campbell. The mixing alone took two months.

RH: Are there narrative sections, or is it 2 hours and 15 minutes of music?

JP: There are no spoken passages. The narrative sections, like on “Gift of Music,” are told from the point of view of the character in question, and therefore sung. There are a few musical interludes, and for you to fully understand, I need to give you a little more detail about the concept. The story takes place in the distant future, about three centuries from now, in our world. But in the meantime, this world experienced a major rupture because something went wrong at some point. This is the “dystopian” part of it. What happened, in line with what we know today with robots now doing the work that some men used to do, is that art itself is solely the result of the work of robots. Everything is programmed and music is the product of artificial intelligence. I tried to imagine what this world could be like then, devoid of any trace of human expression, especially artistic. It would inevitably be very dark, and no doubt some would revolt against it at some point. This is what is happening, with the birth of a man with musical gifts, something no one has seen for a long time. He is the one who inspires the revolution. To come back to your question, and particularly the one about the interludes, we tried to show the difference between what these rotten machines could create and what human creation could create. So, on this album, there are a few songs by the Nomacs [Editor’s note: the robots in question] that are there to show their weakness. They’re fun, but not really interesting.

RH: So you let Jordan handle all those “bad” parts! [laughs]

JP: Absolutely, we hired him to handle them! That being said, it’s not impossible that some people might enjoy these parts because they’re pretty well arranged!

RH: Your description of the story really brings to mind that of Rush’s 2112 [Editor’s note: the famous concept album released in 1976]...

JP: Absolutely. There are a few rock albums where the music itself plays a central role in the concept, and 2112 is one of them. What I tried to convey is how powerful music is, how important it is in our lives and culture, and what would happen if it weren’t there. What sets our album apart is the multiplicity of characters within the story, whereas Rush’s 2112 was conceived as a single piece.

RH: The record leaves a lot of space for Jordan’s piano sounds...

JP: That’s intentional. As a producer, I wanted to create a contrast between organic music and the music embodying Nomacs, and therefore used real piano and organ sounds rather than synthesizers. And when it comes to mixing everything together, you notice a gain in clarity because these recordings sound natural: you don’t find those volume differences that exist with samples and their amount of electronic information, which makes it difficult to achieve a sonic balance without impacting the rest of the tracks.

RH: Of the nine tracks we listened to, there’s no sense of gratuitous self-congratulation: didn’t the need to focus on the story also have an impact musically?

JP: First of all, I think I can say that there is a moment of self-satisfaction on the record, in the form of a long guitar solo that you will discover later! [laughs] But yes, this process had a big influence because by breaking the story down into sections, we tried more to musically embody each stage, the feelings of the characters, rather than thinking in terms of choruses or verses. Like a film soundtrack, the inspiration comes specifically from the story, and there is indeed much more variety and unpredictability in our music on this record. We go from one extreme to the other: for example, if we have to embody a female character with a lot of sensitivity, we are not afraid to go all out, even if it means sounding like Disney. If we need to portray a villain, we have no problem using the musical genre, a bit like Six Degrees of Inner Turbulence [2002]. From gospel to tango, anything that can help the listener visualize the storyline, to associate an image with music, has been used, and it’s a technique we used a lot this time around.

RH: For the orchestrations, which David Campbell [Muse, Linkin Park, Adele, etc.] was in charge of, how did you go about it?

JP: When Jordan and I were working on the music, we prepared very simple demos, using guitar and piano. Then we thought about enriching it with some arrangements, and Jordan then pressed his “strings” button! [laughs] Same for the chorus. This gave us a clear idea of ​​the direction of the songs, and we then sent these midi files to David, who then took care of transcribing them, not without asking us thousands of questions, and then finding which orchestra and instruments would be most suitable for the recording. He is so experienced... It’s one thing to say you’d like string arrangements, but it’s clearly another to be able to implement it correctly by explaining when a choir should intervene, which instrument can play which note appropriately, etc. It’s all this professionalism that he gave us. We chose him, without any second choice in mind: I was watching a documentary on Muse when I saw David doing the arrangements: he clearly seemed to know how to work with a rock band. At first, we thought it was like making a movie and asking Steven Spielberg to direct it, but we simply proposed the project to him and he was immediately on board!

RH: Are you planning to tour with an orchestra to promote this album?

JP: The idea is to give concerts entirely dedicated to this record, in carefully chosen, prestigious, and unique venues. Using projections, we should be able to give the stage a theatrical feel and bring the characters to life with 3D animations. That’s already ambitious, but touring with an orchestra and choir large enough to replicate the studio arrangements would require twenty truckloads of equipment and fifteen tour buses, which would be logistically and financially impossible. So, we’ll focus mainly on the visual component, as if we were performing a film live for the audience. But I promise the band won’t be lip-syncing, and my amp will be plugged in! [laughs] That being said, if once on tour the opportunity to film a DVD arises, I’m not saying we won’t try it: it will undoubtedly involve a lot of rehearsals, for us as well as for the orchestra, but it will definitely be worth a shot. People don’t realize how much work is required to achieve a decent result: the arrangements are so important on these pieces that we couldn’t reproduce them with a small group of ten or so instrumentalists. What’s also important to keep in mind is our approach with these concerts because we don’t want to deceive anyone, especially our fans: they will be exclusively devoted to this record. We are presenting this story in as special a way as possible, without encores or adding anything else, and it’s essential that those who come to see us keep that in mind. What matters to us is to do something different after a thirty-year career: we have played in most of the venues in the world, we have done two-part concerts, all the possible and imaginable encores, with or without an orchestra... If it is a total failure, no worries, we will take responsibility, but the main thing is to try to offer something original.

RH: And once this project is behind you, what else could the band do next?

JP: That’s a good question... Retirement, perhaps? [laughs] Anything could happen, including going completely against the grain and recording an acoustic album in a garage! Or returning to a “standard” Dream Theater album... “An hour and a bit for eight songs, plus an epic title track, is that the formula?” Just kidding, of course! We could also take this concept even further, with a second part. What’s important isn’t necessarily to do better than before, but to remain creative. That’s my vision of success: moving forward creatively.

RH: In the end, has Dream Theater become a well-established empire, or is it still a rebel?

JP: I’d definitely choose the rebel aspect! In the story, Gabriel lives with the peasants and has this special power, but doesn’t necessarily know how to use it; Or even if he wants to use it, he didn’t ask for it, but his brother pushes him to start a revolution. And that’s kind of the message of the concept, the power of music, hence my choice, even if it also serves the empire, as we learn during a small twist on the album: everything is never completely black or white...

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The Astonishing – The Story and the Concept

The “dystopian” story invented by John Petrucci evokes a distant future in which an Empire that has replaced the United States of America (the Great Northern Empire) fights against a rebel militia (the Ravenskill Rebel Militia) that uses music as a weapon of revolution. A strong nod to the literary and cinematic saga of The Hunger Games, but which is also expressed through a mapping of places and events that recalls another saga that has been adapted into books and a television series: Game of Thrones, of course. Through a well-thought-out promotional campaign, fans were encouraged to choose their side by subscribing to a newsletter, and each key character was revealed as the fall and winter progressed. The visuals created by Chinese artist Jie Ma are clearly inspired by this “medieval-futuristic” spirit and are expected to come to life on stage during the upcoming tour. Enough to rejuvenate Dream Theater’s audience and add a few more geeks!

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The Astonishing – In All Its States!

True to its tradition of offering its new album in collector’s editions, Dream Theater couldn’t miss out on this one for The Astonishing. It’s going even further to illustrate its ambitious concept. We’re not talking about the digital edition, of course, or the double digipak, but the set of four vinyl records (housed in two sleeves featuring key characters from the story), complete with a map of the main locations in the story, or the Deluxe box set, limited to 4,000 copies, which pushes the envelope by bringing together in a box a NOMAC (a robot based on the concept) made by a 3D printer, in addition to twenty playing cards and a replica of a film script containing the lyrics! And for those who don’t want to choose (or rather those who can afford to choose!), the Bundle edition will allow you to own the album in all its formats for the modest sum of... 254.99 euros (but be careful, VAT included!). And you will have to be patient since the delivery of these gargantuan editions is not expected until March 2016 (even if, of course, the double CD will be delivered to the lucky customers physically and digitally upon its release, on January 29th!).

Original text

Dream Theater – Operation: Opera

Propos recueillis par Stéphane Auzilleau et Djul - Interview réalisée Je 4 décembre 2015 à Paris

Alors que, depuis 2001, Dream Theater publie, avec la régularité métronomique qui lui sied si bien, un nouvel album studio à l’automne de toutes les années impaires, The Astonishing arrive dans les bacs avec quasiment six mois de retard sur le planning habituel... De quoi nous étonner, jusqu’à ce que nous découvrions que ce treizième opus était un concept-album, le second de la carrière du combo après le mythique Scenes From A Memory (1999), et, de surcroît, qu’il était double, soit d’une durée dépassant sensiblement les deux heures ! Inutile de vous dire que l’excitation est alors montée d’un cran, d’autant que deux concerts spéciaux ont par ailleurs été planifiés au Palais des Congrès de Paris début mars 2016 (le week-end du 5 et 6, plus précisément). C’est après avoir pu écouter seulement 9 des 34 titres de l’album que nous nous sommes retrouvés face au maître de cérémonie de cette œuvre ambitieuse, le guitariste John Petrucci, de passage à Paris pour la promotion de ce qui s’avère déjà comme un disque marquant de la carrière de Dream Theater. Et une fois n’est pas coutume, c’est l’interviewé lui-même qui nous a posé la première question...

John Petrucci : Ça va ? Comment vivez-vous ce qui s’est passé au Bataclan ?

Rock Hard : Ce n’est pas évident, mais la vie doit reprendre ses droits. Et toi, comment as-tu ressenti ces événements ? Le Bataclan est un lieu spécial pour vous car vous y avez joué plusieurs fois et y avez même enregistré la vidéo live Once In A Livetime parue en 1998 ?

JP : Je me sens très proche de ce qui s’est passé. Cela m’a vraiment touché...

RH : Avant que nous ne parlions de ce nouvel album, peux-tu nous dire ce que tu as ressenti lors de votre dernière tournée, au cours de laquelle vous avez Joué un morceau de chacun de vos albums, dans l’ordre chronologique ?

JP : Ce fut ... intéressant Bien sûr, certains des morceaux choisis faisaient partie de nos setlists régulières, mais les jouer dans l’ordre dans lequel nous les avions composés avait un côté un peu étrange. J’aime à penser que nous nous améliorons continuellement, mais cela nous a vraiment permis de réaliser certaines erreurs que nous avions pu commettre. Reste que, globalement, nous y avons pris beaucoup de plaisir.

RH : Avez-vous eu du mal à choisir un seul titre par album ?

JP : Oui et non. Ce qui a emporté la décision finale a été le temps dont nous disposions. En effet, nous pouvions nous dire qu’il serait plaisant de jouer tel ou tel titre, mais si, à la fin, la durée totale du concert dépassait le temps imparti, cela ne pouvait pas fonctionner. C’était un peu comme un puzzle. A un moment, nous nous sommes dit, par exemple, qu’il serait cool de jouer «  Voices »  de Awake (1994), mais si nous l’avions fait, nous aurions dépassé la limite de dix minutes.

RH : Venons-en à The Astonishing. Avais-tu cette idée d’un nouvel album concept en tête depuis longtemps ? Nous imaginons en effet que c’est ton idée...

JP : Oui, c’est le cas. En tant que groupe, nous avons ressenti l’envie de réaliser un nouveau concept-album il y a déjà plusieurs années de cela. Nous sentions que le moment était venu. Suffisamment de temps s’était écoulé depuis Scenes From A Memory (1999), ce qui était nécessaire car il faut conserver le côté événementiel de ce type d’album et ne pas en sortir un tous les deux ans. Quant à moi, j’avais avant tout besoin d’avoir une excellente histoire à mettre en musique. Il n’était pas question que je me pointe un jour en répétition en disant aux autres « Hé! Et si nous faisions un concept album ? » sans avoir pensé à quoi que ce soit ou en proposant un scénario bancal. J’avais besoin de disposer de substance, d’une vraie bonne histoire. C’est il y a à peu près deux ans et demi que j’ai senti que j’étais prêt. J’avais enregistré un certain nombre d’idées musicales sur mon téléphone - je les ai d’ailleurs toujours avec moi – qui constituaient une base. Je me suis donc mis à concevoir un concept, une histoire. Cela m’a pris environ un an.

RH : Les autres savaient-ils que tu travaillais là-dessus ?

JP : (Sourire) Oui et non. Ils ne le savaient pas vraiment Comme je suis quelqu’un de très organisé et très méticuleux, je n’envisageais pas de leur soumettre l’idée sans disposer de quelque chose de solide à leur proposer. J’ai donc attendu d’avoir écrit l’intégralité du scénario pour leur faire une proposition. Je leur ai dit que j’avais cette idée et que ce que j’aimerais ne serait pas seulement de composer un album autour de cette histoire, mais de travailler sur un show dans son ensemble, avec déjà en ligne de mire la manière dont nous l’interpréterions sur scène. A partir de là, je leur ai même parlé de la manière dont nous pourrions distiller l’information sur cet album, de façon assez mystérieuse, petit à petit. Nous avons aussi évoqué le type de salles dans lesquelles nous aimerions nous produire, à savoir des endroits prestigieux, habituellement dédiés aux concerts symphoniques, etc. Je voulais que ce soit quelque chose de très spécial, pas seulement pour nous, mais aussi pour ceux qui nous ont déjà vus de nombreuses fois sur scène. Tout le monde a adoré l’idée.

RH : Lors de notre dernier entretien, en 2013, tu nous avais dit que tu avais déjà en tête l’enregistrement d’un DVD avec un orchestre symphonique, mais aussi l’étape suivante...

JP : Absolument. C’est à cette époque que cette idée a vraiment germé en moi. C’était le tout début.

RH : Ne t’es-tu pas finalement mis consciemment dans cette démarche en composant « The Illumination Suite » sur Dream Theater (2013), puis en travaillant avec un orchestre symphonique pour Breaking The Fourth Wall (2014) ?

JP : Honnêtement, en tant que personne créative, j’aime l’art d’une manière générale, sous toutes ses formes, et tout ce que je fais, tout ce que je vois, nourrit ce que je crée. J’adore les films, la science-fiction, les histoires « dystopiques », l’apport d’orchestres dans le rock, etc. C’est donc sans doute tout ça qui m’a finalement conduit à The Astonishing.

RH : A ce propos, fais-tu une différence entre un album concept et un opéra rock ? Et si oui, dans quelle catégorie ranges-tu The Astonishing ?

JP : Quand les gens ont parié pour la première fois d’opéra rock pour décrire cet album, j’ai eu un petit moment d’hésitation. Mais finalement, je me suis dit que ce n’était pas faux car cela correspond à un récit impliquant plusieurs personnages mis en musique, ce qui est le cas ici. La différence avec Scenes From A Memory, qui est un concept album, c’est que ce dernier était plus court, qu’il était basé sur une histoire moins détaillée, et que c’était un travail plus collectif car nous avions été plusieurs à écrire des textes de chansons. The Astonishing est un projet encore plus ambitieux. C’est un opéra rock construit sur la base d’une histoire très écrite et très détaillée, avec de nombreux personnages qui ont des trajectoires différentes, des cartes, etc. Il y aura un show dédié, et cela pourrait ensuite prendre la tonne d’un livre ou d’un film. Ça a donc demandé plus de boulot.

RH : Généralement, un opéra rock implique plusieurs personnages chantés par différentes personnes. Or là, James LaBrie les interprète tous...

JP : C’est vrai. Et d’ailleurs, au début, notamment dans la mesure où il y a plusieurs personnages féminins, nous avions pensé faire appel à des chanteuses. Finalement, nous nous sommes ravisés car cela représentait une partie substantielle de l’album et je n’étais pas sûr que ce soit une bonne idée de faire un disque de Dream Theater dont une part non négligeable serait chantée par quelqu’un d’autre que James. Cela aurait pu être cool, mais étrange. Et puis, surtout, James était capable de faire le boulot et d’interpréter tous les rôles. Ce qu’il a fait sur cet album est tout simplement incroyable. Il m’a totalement impressionné sur ce coup-là ! Quand je découvrais ce qu’il enregistrait, je lui disais : « Mais comment parviens-tu à faire cela ? Comment parviens-tu à chanter comme une femme? Puis comme un homme de 60 ans... ». C’est hallucinant !

RH : Il l’avait déjà fait sur Scenes From A Memory en interprétant tous les personnages, y compris féminins...

JP : C’est vrai, mais pas à la même échelle.

RH : Incontestablement, c’est en tout cas sa performance vocale la plus marquante depuis quinze ans et Scenes From A Memory. N’évolue-t-il pas tout simplement à son meilleur niveau lorsqu’il lui faut incarner des personnages ?

JP : Oui, c’est peut-être un challenge à relever pour lui. Je suis complètement d’accord avec cet avis : il m’a mis la chair de poule à plusieurs reprises sur ce disque. Il a enregistré seul, avec Richard Chycki (Ndlr : l’ingénieur du son du groupe, également en charge du mixage). Je voulais avoir une idée de son travail, mais il m’a demandé un peu d’intimité pour développer ses idées : il ne m’envoyait que ce qu’il considérait fini. Cela ne m’a pas empêché de lui donner quelques consignes, que ce soit sur les sentiments des personnages, ou même les voix que j’entendais en lisant les paroles.. Par exemple, Gabriel, qui incarne une forme de sauveur, doit sonner comme un ange, et donc un peu à la manière du jeune James, avec une voix très pure. Lord Nafaryus est un homme plus vieux, un empereur, qui doit sonner comme quelqu’un de directif et d’intimidant. C’est ce genre de descriptions que j’ai pu lui donner. Pour en revenir à sa performance, je crois que les critiques adorent le détester et ont été très durs avec lui, au point que j’en étais gêné : « Il ne sait pas atteindre telle note, il n’est pas bon en concert etc... ». Je l’ai déjà dit, mais je le répète : il n’y a que lui qui pouvait incarner tous les personnages de ce disque, enchaîner une telle puissance et une telle émotion. Je n’ai tout simplement pas à l’esprit un autre chanteur qui aurait pu faire aussi bien.

RH : En parlant de Richard, quelle a été sa contribution à l’album ?

JP : Elle a été essentielle. Il est un peu devenu le sixième membre du groupe désormais. Nous travaillons avec lui depuis quelques albums, et il était à nos côtés dès que Jordan (Rudess/claviers) et moi nous sommes réunis pour débuter l’écriture de ce disque et enregistrer les démos. Il a enregistré la voix de James ainsi que chaque instrument du groupe, à l’exception de l’orchestre. Et, bien entendu, il a travaillé au mixage de l’album depuis deux mois ; il l’a d’ailleurs achevé hier soir. Sur certains passages, il lui a fallu assembler jusqu’à 570 pistes pour en faire de la musique écoutable : je ne sais tout simplement pas comment il a fait, mais c’est impressionnant à voir !

RH : A l’écoute des neuf morceaux...

JP : Oui, c’est juste un avant-goût de l’album, car vous n’êtes pas au bout de vos surprises ! (rires)

RH : A l’écoute des neuf morceaux, nous avons été frappés par le côté naturel et très fluide des mélodies, vocales mais également instrumentales...

JP : Tout à fait, mais cela vient de la façon dont nous avons composé les morceaux, couche par couche. Je ne pouvais pas envisager que nous nous retrouvions tous dans notre local de répétitions pour travailler sur ces titres. Cela n’aurait pas marché. A la place, j’ai bossé avec Jordan dans une pièce, et non un studio, avec un vrai piano. Ainsi, j’ai pu mieux faire se développer l’histoire et composer quelque chose de spécifique. Les mélodies qui en résultent sont plus pures, plus nettes, car l’alchimie entre Jordan et moi a fait que ces mélodies sont nées très naturellement. Nous avons ainsi procédé à une sorte de retour aux sources, à la simplicité.

RH : Ce qui nous amène à la question classique de l’œuf et de la poule : avez-vous commencé par l’histoire, par la musique ou par les paroles ?

JP : Globalement, dans l’ordre que vous citez : l’histoire d’abord, puis la musique et enfin les paroles. Néanmoins, le fait d’écrire l’histoire m’inspirait parfois des idées de mélodies et de riffs que j’enregistrais immédiatement. J’avais donc une somme de choses à disposition. Nous avons procédé comme dans certains opéras, avec des thèmes musicaux ou des instruments associés à des personnages en particulier. Et j’avais ces thèmes qui me venaient à l’esprit durant la phase d’écriture de l’histoire. J’ai échangé avec Jordan sur un certain nombre d’idées et il m’a envoyé des propositions, mais ce n’est que lorsque nous nous sommes mis à travailler ensemble, dans le même espace, que les choses se sont mises en place et que nous avons réellement composé. Une fois que nous avons tout enregistré, nous nous sommes dit qu’il fallait écrire les paroles de toute cette masse de musique. Il fallait s’assurer de la cohérence du déroulement de l’histoire dans le temps et de la construction de la mythologie. Pas facile.

RH : Tu as donc écrit tous les textes ?

JP : Oui. C’est d’ailleurs ce que j’ai dit aux autres dès le début du projet : « Je sais que ça va peut-être vous surprendre, mais je ne pense pas que nous puissions être plusieurs à écrire des textes, pour la cohérence de l’ensemble ». C’est peut-être différent pour les auteurs de films, mais dans ce cas précis, je ne pouvais pas envisager que nous soyons plusieurs à travailler sur le même scénario et sur les textes. C’était un peu égoïste.

RH : En même temps, c’est toi le patron !

JP : (Rires) Non, mais c’est moi qui ai eu l’idée en premier !

RH : Tu as un peu parlé de tes sources d’inspiration en début de conversation, mais peux-tu nous en dire un peu plus ?

JP : Je suis un grand fan de films « contre-utopiques » comme Orange Mécanique, et de science-fiction comme Hunger Games, Star Wars, Le Seigneur des Anneaux, Game Of Thrones, etc. Alors, tout cela a dû plus ou moins m’inspirer ; de même que des comédies musicales comme Jesus Christ Superstar. Lorsque Kevin Moore (Ndlr: premier claviériste de Dream Theater, de 1985 à 1994) et moi étions jeunes, nous avons regardé Jesus Christ Superstar des millions de fois. Nous connaissions toutes les chansons par cœur.

RH : Et musicalement, vous êtes-vous à nouveau constitué votre « inspiration corner », comme vous l’aviez fait pour Scenes From A Memory (Ndlr: à l’époque; le groupe avait emmené avec lui en studio quelques albums concepts mythiques en guise d’inspiration, y compris musicale) ?

JP : Non, pas cette fois-ci. Le seul album que je pourrais citer ici comme source d’inspiration est The Wall de Pink Floyd, car ce n’est pas qu’un album. On y trouve tout un concept, un film, etc. C’est un travail très complet et dénué de compromis. A l’époque de sa sortie, ils l’ont présenté sur scène, puis ont fait une tournée en n’interprétant que cet album, en sélectionnant les endroits où ils pourraient construire leur mur, etc. C’est l’unique projet qui nous a inspirés car il dépasse de très loin le stade du seul album. J’adore ce qu’ils ont fait.

RH : D’ailleurs, à quoi peut-on s’attendre au final ? Une édition spéciale de l’album, un livre ?

JP : C’est un aspect qui nous a beaucoup occupés car nous souhaitons donner cette fois-ci un maximum d’éléments de compréhension du concept à ceux que cela intéresse. A l’instar, par exemple, de Game Of Thrones, pour lequel tu peux aller sur un site internet qui propose de nombreuses informations sur chacun des épisodes de la série : là où il se déroule, son intrigue, etc. Il y a donc un site internet dédié à notre nouvel album, www.theastonishingfanguide.com, même si, pour l’instant nous l’alimentons au goutte à goutte, volontairement. Mais à terme, il y aura vraiment tout dessus afin que chacun puisse s’immerger pleinement dans le concept si tel est son souhait.

RH : Et tu te fais aider pour ces aspects ?

JP : La pochette a été conçue par un artiste chinois, Jie Ma, qui travaille souvent pour des films, de même que les portraits des personnages. Nous avons fait appel à un autre artiste pour le packaging global car il s’agissait d’un gros travail, de même que les cartes, qui sont très détaillées.

RH : Pour l’instant, nous n’avons pu entendre que neuf titres. Sont-ils représentatifs de l’ensemble de l’album?

JP : Non, pas vraiment (rires)... J’en suis désolé, mais c’est une histoire compliquée et son paysage musical change donc énormément.

RH : Ces neuf titres n’ont donc pas été sélectionnés pour leur aspect représentatif de l’ensemble ?

JP : Non, on les a proposés... parce que c’était les seuls qui étaient finalisés ! (rires) Véridique...

RH : Quelle est la durée totale de l’album ?

JP : Je ne sais pas précisément car le mastering final n’a été terminé que cette nuit. Normalement, je vais donc le savoir aujourd’hui... Mais il devrait durer dans les 2hl5. C’est beaucoup de musique, et ça a été beaucoup de travail, car il renferme aussi ces parties orchestrales pour lesquelles nous avons fait appel à David Campbell. Rien que le mixage a duré deux mois.

RH : Y a-t-il des parties narratives ou s’agit-il de 2h15 de musique?

JP : Il n’y a pas de passages parlés. Les parties narratives, comme sur « Gift Of Music », sont exprimées du point de vue du personnage concerné, et donc chantées. Il y a quelques interludes musicaux, et pour que vous compreniez bien, il est nécessaire que je vous donne un peu plus de détails sur le concept. L’histoire se déroule dans un futur éloigné, d’environ trois siècles, dans notre monde. Mais entre temps, ce monde a connu une grande rupture car quelque chose a mal tourné à un moment donné. C’est la partie « contre~utopique » de la chose. Ce qui s’est passé, dans la lignée de ce que nous connaissons aujourd’hui avec des robots qui font désormais le travail que faisaient certains hommes, c’est que l’art lui-même est uniquement le résultat du travail de robots. Tout est programmé et la musique est le fruit d’intelligences artificielles. J’ai essayé d’imaginer ce que ce monde pourrait alors être, dénué de toute trace d’expression humaine, notamment artistique. Ce serait forcément très sombre, et sans doute certains se révolteraient-ils à un moment donné contre cela. C’est ce qui se passe, avec la naissance d’un homme doté de dons pour la musique, ce que personne n’avait vu depuis longtemps. C’est lui qui inspire la révolution. Pour revenir à votre question, et notamment celle des intermèdes, nous avons essayé de montrer la différence entre ce que pouvaient créer ces machines pourries et la création humaine. Il y a donc, sur cet album, quelques chansons des Nomacs (Ndlr : les robots en question) qui sont là pour montrer leur faiblesse. Elles sont fun, mais pas réellement intéressantes.

RH : Tu as donc laissé Jordan se charger de toutes ces parties « pourries » ! (rires)

JP : Absolument, on l’a engagé pour s’en occuper ! Cela étant dit, il n’est pas impossible que certains apprécient ces passages car ils sont plutôt bien arrangés !

RH : Ta description de l’histoire fait vraiment penser à celle du 2112 de Rush (Ndlr : fameux concept-album paru en 1976)...

JP : Tout à fait. Il y a quelques albums de rock où la musique elle-même joue un rôle central au sein du concept, et 2112 en fait partie. Ce que j’ai essayé de véhiculer, c’est à quel point la musique est puissante, l’importance qu’elle a dans nos vies et notre culture, et ce qui se passerait si elle n’était plus là. Ce qui distingue notre album, c’est la multiplicité des personnages au sein de l’histoire, tandis que 2112 de Rush a été conçu comme un unique morceau.

RH : Le disque laisse beaucoup de place aux sonorités de piano de Jordan...

JP : C’est volontaire. En tant que producteur, je voulais créer un contraste entre une musique organique et celle incarnant les Nomacs, et donc recourir à de véritables sons de piano et d’orgue plutôt que d’utiliser le synthétiseur. Et lorsqu’il s’agit de mixer l’ensemble, on s’aperçoit qu’on gagne en clarté car ces enregistrements sonnent de manière naturelle : on ne trouve pas ces écarts de niveaux sonores qui existent avec les samples et leur quantité d’informations électroniques, et avec lesquels il est difficile d’atteindre un équilibre sonore sans impacter le reste des pistes.

RH : Sur les neuf titres que nous avons écoutés, on n’entend pas d’autosatisfaction gratuite : est-ce que la nécessité de se concentrer sur l’histoire n’a pas aussi eu un impact musicalement ?

JP : Tout d’abord, je crois pouvoir dire qu’il y a bien un moment d’autosatisfaction sur le disque, sous la forme d’un long solo de guitare que vous découvrirez plus tard ! (rires) Mais oui, ce processus a eu une grosse influence car en décomposant l’histoire en sections, nous avons davantage cherché à incarner musicalement chaque étape, les sentiments des personnages, plutôt qu’à raisonner en termes de refrains ou de couplets. A la manière d’une bande originale de film, l’inspiration vient spécifiquement de l’histoire, et il y a effectivement bien plus de variété et d’imprévisibilité dans notre musique sur ce disque. On passe d’un extrême à l’autre : par exemple, s’il faut incarner un personnage féminin avec beaucoup de sensibilité, nous n’avons pas peur d’y aller à fond, quitte à sonner comme du Disney. S’il faut illustrer un méchant, nous n’avons pas de problème à utiliser le registre de la comédie musicale, un peu à la manière de Six Degrees Of Inner Turbulence (2002). Du gospel au tango, tout ce qui peut aider l’auditeur à visualiser le scénario, à associer une image à une musique, a été utilisé, et c’est une technique à laquelle nous avons eu beaucoup recours cette fois-ci.

RH : Pour les orchestrations, dont David Campbell (Muse, Linkin Park, Adele...) avait la charge, comment avez-vous procédé ?

JP : Lorsque Jordan et moi travaillions sur la musique, nous préparions des démos très simples, en mode guitare et piano. Puis nous avons pensé à enrichir le tout avec quelques arrangements, et Jordan a alors appuyé sur son bouton « cordes » ! (rires) Idem pour les chœurs. Cela nous a donné une idée claire de la direction des morceaux, et nous avons alors envoyé ces fichiers midi à David, qui s’est ensuite chargé de les transcrire, non sans nous poser des milliers de questions, puis de trouver quel orchestre et quels instruments seraient les plus adéquats pour l’enregistrement. Il est si expérimenté... C’est une chose de dire qu’on voudrait des arrangements de cordes, mais c’en est clairement une autre de pouvoir le mettre en œuvre correctement en expliquant quand doit intervenir un chœur, quel instrument peut jouer telle note de manière appropriée, etc. C’est tout ce professionnalisme dont il nous a fait bénéficier. Notre choix s’est porté sur lui, sans aucun second choix en tête : je regardais un documentaire sur Muse quand j’ai aperçu David qui s’occupait des arrangements : il semblait clairement savoir comment travailler avec un groupe de rock. Au début, on se disait que c’était comme de faire un film et de demander à Steven Spielberg de le diriger, mais nous lui avons simplement proposé le projet et il a tout de suite été partant !

RH : Envisagez-vous de tourner avec un orchestre pour promouvoir cet album ?

JP : L’idée est de donner des concerts qui soient intégralement consacrés à ce disque, dans des lieux bien choisis, prestigieux et uniques. Grâce à des projections, nous devrions pouvoir donner à la scène des allures de théâtre et donner vie aux personnages grâce à des animations 3D. C’est donc déjà ambitieux, mais tourner avec un orchestre et une chorale d’une taille suffisante pour restituer les arrangements studio impliquerait vingt camions de matériel et quinze tour-bus, ce qui serait impossible logistiquement et financièrement. C’est donc surtout sur la composante visuelle que nous allons nous concentrer, comme si nous interprétions en direct un film pour le public. Mais je promets que le groupe ne sera pas en playback et que mon ampli sera branché ! (rires) Cela étant dit, si une fois en tournée, l’occasion de filmer un DVD se présente, je ne dis pas que nous ne ferons pas l’essai : cela impliquera sans doute beaucoup de répétitions, pour nous comme pour l’orchestre, mais cela méritera vraiment qu’on tente le coup. Les gens ne se rendent pas compte du travail nécessaire pour obtenir un rendu valable : les arrangements sont si importants sur ces morceaux que nous ne pourrions pas les restituer avec un petit groupe d’une dizaine d’instrumentistes. Ce qu’il est aussi important d’avoir à l’esprit, c’est notre démarche avec ces concerts car nous ne voulons tromper personne, et en particulier nos fans : ils seront exclusivement consacrés à ce disque. Nous présentons cette histoire d’une manière aussi spéciale que possible, sans rappel ou sans ajout de quoi que ce soit d’autre, et il est essentiel que ceux qui viendront nous voir aient cela à l’esprit. Ce qui nous importe, c’est de faire quelque chose de différent après trente ans de carrière : nous avons joué dans la plupart des salles du monde, nous avons fait des concerts en deux parties, tous les rappels possibles et imaginables, avec ou sans orchestre... Si c’est un échec total, pas de souci, nous assumerons, mais l’essentiel est d’essayer de proposer quelque chose d’original.

RH : Et une fois ce projet derrière vous, que pourrait-il rester de nouveau à faire pour le groupe ?

JP : C’est une bonne question... La retraite, peut-être ? (rires) Tout peut arriver, y compris prendre le contrepied total et enregistrer un album acoustique dans un garage ! Ou revenir à un album « standard » pour Dream Theater... « Une heure et quelques pour huit morceaux, plus un titre épique, c’est cela la formule ? » Je plaisante, bien sûr ! Nous pourrions aussi porter ce concept plus loin encore, avec une seconde partie. Ce qui est important, ce n’est pas nécessairement de faire mieux qu’auparavant, mais de rester créatif. C’est ma vision du succès : aller de l’avant au plan créatif.

RH : Au final, Dream Theater est-il devenu un empire bien établi ou reste-t-il un rebelle ?

JP : Je choisirai l’aspect rebelle, clairement ! Dans l’histoire, Gabriel vit avec les paysans, et possède ce pouvoir spécial, mais ne sait pas forcément comment s’en servir ; ou même s’il veut s’en servir, il n’a rien demandé, mais son frère le pousse à faire la révolution. Et c’est un peu le message du concept, la puissance de la musique, d’où mon choix, même si elle sert aussi à l’empire, comme on l’apprend lors d’un petit revirement de situation sur le disque : tout n’est jamais complètement noir ou blanc...

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The Astonishing – L’Histoire Et Le Concept

L’histoire « dystopique » inventée par John Petrucci évoque un futur lointain dans lequel un Empire ayant remplacé les Etats-Unis d’Amérique (Great Northern Empire) lutte contre une milice rebelle (Ravenskill Rebel Militia) qui utilise la musique comme une arme de révolution. Un clin d’œil fort appuyé à la saga littéraire et cinématographique des Hunger Games, mais qui se décline également à travers une cartographie des lieux et des événements qui, elle, rappelle une autre saga déclinée en livres et en série télévisée : Game Of Thrones, bien entendu. A travers une campagne promotionnelle bien pensée, les fans ont été amenés à choisir leur camp en s’inscrivant à une newsletter, et chaque personnage clé a été révélé au fur et à mesure de l’automne et de l’hiver. Les visuels réalisés par l’artiste chinois Jie Ma sont par ailleurs clairement inspirés de cet esprit « médiévalo-futuriste » et devraient prendre vie sur scène lors de la tournée à venir. De quoi rajeunir le public de Dream Theater et l’étoffer de quelques geeks supplémentaires ?!

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The Astonishing – Dans Tout Ses États !

Fidèle à sa tradition de proposer son nouvel album dans des éditions collectors, Dream Theater ne pouvait pas faire l’impasse sur celle-ci pour The Astonishing. Il va même encore plus loin pour illustrer son ambitieux concept. On ne parle bien entendu pas de l’édition digitale, ni du double digipak, mais du jeu de quatre vinyles (logés dans deux pochettes à l’effigie de personnages clés du scénario), complété d’une carte des principaux lieux de l’histoire, ou encore du coffret Deluxe et limité à 4.000 exemplaires qui pousse le bouchon jusqu’à rassembler dans une boîte un NOMAC (un robot tiré du concept) fabriqué par une imprimante 3D, en plus de vingt cartes à jouer et d’une réplique de scénario de film renfermant les paroles ! Et à ceux qui ne veulent pas choisir (ou plutôt ceux qui peuvent se permettre de choisir !), l’édition Bundle permettra de détenir l’album sous tous ses formats pour la modique somme de... 254,99 euros (mais attention, TVA comprise !). Et il faudra vous armer de patience puisque la livraison de ces gargantuesques éditions n’est prévue qu’en mars 2016 (même si, bien entendu, le double CD sera livré aux heureux clients par voie physique et dématérialisée à sa sortie, le 29 janvier prochain !) .