John Petrucci on Dream Theater’s Images And Words

When the American prog-metal band Dream Theater released their second album, Images And Words, on June 30, 1992, key parameters of the music industry changed within just a few months. The sophisticated work sold like hotcakes, partly because – to everyone’s surprise – the album track ‘Pull Me Under’ even received radio airplay, despite its length of over eight minutes, which exceeded all standard radio formats.

Songs like ‘Pull Me Under’ marked Dream Theater’s worldwide breakthrough and remain the band’s most successful releases to this day. To celebrate the anniversary of their surprise hit, the band is currently revisiting the classic album with a dedicated tour called Images, Words And Beyond. We met guitarist John Petrucci at a show in Lingen, Germany, and compared the present and past of this pivotal moment in their career with him.

Matthias Mineur: John, what memories do you have of the production of Images And Words? Those must have been exciting times in the fall of ‘91.

John Petrucci: Yes, they were indeed very exciting months. For me, recording Images And Words meant the first truly professional studio work. We had recorded our debut, When Dream And Day Unite, two years earlier, but we only had three weeks for it. For Images And Words, on the other hand, we had, for the first time, quite detailed demo recordings for all the songs. In addition, there were three professionally recorded demo tracks that we had submitted to our record company, which then led to our contract.

MM: Which songs specifically are you referring to?

JP: As far as I remember, it was ‘Metropolis,’ ‘Pull Me Under,’ and ‘Take The Time.’ We had a new singer, James, and the record company wanted to hear what the new lineup sounded like. Of course, we didn’t have a lot of studio experience, and not much equipment either. Back then, I was playing a Mesa/Boogie Quad preamp and a few small effects units. But our engineer, Doug Oberkircher, and the producer, David Prater, had their own ideas about sound. So I recorded my guitars through a small 1x12 cabinet that belonged to the studio. I had no idea what brand it was or what speaker was inside. Generally speaking, I had very little technical knowledge back then. I knew what I liked, but not how to achieve the desired result. Doug and David, however, were very creative and had some great ideas.

MM: Like the amazing sound in the intro to ‘Pull Me Under.’

JP: Actually, a very good example, by the way, with a technique I still occasionally use today. Doug had me play the intro part a total of six times, slowing down the tape machine a little more each time. Back then, they were still recording on analog tape. These minimal tempo changes created a fantastic chorus effect, which was further enhanced because Doug then had me play the part on an acoustic guitar. I didn’t even own an acoustic guitar, but Doug got me an old Gibson from his collection. The acoustic guitar sound came from a small Zoom effects unit. So, back then, it was more studio tricks than a huge rack with a thousand possibilities that defined the album’s sound. A very instructive production for me.

MM: Did you already have your legendary Ibanez Picasso guitar back then?

JP: Yes, it was specifically provided to me for this album.

MM: Because nobody else wanted it, right?

JP: You know the story? Yes, it’s true. I asked Ibanez for help with the production of Images And Words and they replied, “Well, we’d be happy to help. There’s a rather ugly pink one we could send you.” I replied, “I don’t care about the color, as long as the guitar sounds good.” When I first opened the case in the studio, I was immediately blown away by the Picasso. I even toured with that guitar afterward, and it also became my first signature model.

MM: Who was your first Picasso originally built for?

JP: To be honest, I don’t really know. The guitar was definitely custom-made; the finish was applied by hand. I think it was a solo effort by one of the employees.

MM: What was your playing level?

JP: Already quite advanced. I was 25 at the time, had been playing since I was 12, and had developed a lot of finger dexterity in that time.

MM: How much time did you have for the guitar recordings?

JP: That’s hard to say because we didn’t record the guitars all at once, but with various breaks. I’d play for a few days, then work would continue on another part of the production, and then I’d play again. I was living in Long Island, New York, at the time, and the studio was in Rockland County, just under an hour away, so I would go home every now and then. I remember that I had already recorded the rhythm guitars for ‘Under A Glass Moon’ and was sitting in my wife’s living room at home working out a solo for the song. So the guitar parts were recorded bit by bit.

MM: Do you still have an emotional connection to all your parts? Has your taste changed? Are there any parts on Images And Words that you don’t like anymore?

JP: I’ve never lost the emotional connection to these songs. Even today, when I play them, I always know exactly where the inspiration for certain parts came from. We were all huge Iron Maiden and Rush fans back then, and I was also really into Ted Greene’s book Chord Chemistry. Some chords in songs like ‘Take The Time,’ ‘Learning To Live,’ and ‘Pull Me Under’ come from it. Of course, I don’t know if I’d still play the same way today, because in the meantime I’ve discovered new things, including the seven-string guitar, lower tunings, I know more about studios, music theory, and Mesa/Boogie amps. My sound has become heavier and has more of its own character, I think. If I were to re-record the album today, the guitars would certainly have a thicker and heavier sound. Nevertheless, I still like the sound of the original record.

MM: Do you hear any differences between your old Ibanez guitar and today’s Music Man models?

JP: Oh yes, of course. The Music Man sounds a thousand times better. Back then I also used thinner strings, I think it was a standard .009 set.

MM: What are the biggest differences between the musician John Petrucci then and now?

JP: Good question, I have to think about that for a moment... I suspect my understanding of melody has grown. You can hear that very clearly on the newer Dream Theater albums. I always call it my “post-G3 evolution” because I learned from colleagues like Joe Satriani and Steve Vai what a wonderfully melodic instrument the guitar is. I was able to see from them how to bring the guitar more to the forefront through a more melodic playing style. You can only find this very sporadically on Images And Words. Furthermore, since my experience with G3, my songwriting has been more riff-driven, as you can hear in songs like ‘Dark Eternal Night’ (from the album Systematic Chaos, 2007) or tracks from my solo album, such as ‘Jaws Of Life’ or ‘Damage Control.’ They all start with this huge guitar riff that defines the song. There was nothing like that on Images And Words.

MM: On the current tour, are you playing the songs from Images And Words exactly like the 1992 originals?

JP: That was our goal when we decided to bring the album to the stage in its entirety. All the parts, all the melodies, riffs, and solos are exactly the same as on the original. However, we do add a few extra parts that weren’t in the original. Sometimes we jam at the end of a song, and occasionally there’s an additional solo part that wasn’t there before.

MM: Are the live versions today different from those on the ‘92/’93 tour?

JP: Yes, definitely. Back then, when we first brought the album to the stage, we didn’t give the essential parts of the songs too much thought. We simply played the pieces the way we had rehearsed them before the studio recordings. Now, after 25 years, we pay much closer attention to the exact right tempo, to capturing the right overall feel that the studio versions have. We want the new live versions to sound exactly like the 1992 studio versions. When we were younger, such aspects were only of secondary importance to us...

Regarding the shows, we decided to present something that would leave a deep impression on the audience in every respect. We want people to see us play and think, “Incredible! How do they do that? This technical perfection, this tight interplay.” But as I said, from time to time we deviate from this strict pattern. There’s a drum solo, and in ‘Take The Time,’ we add an extra solo part to the original arrangement at the end, where I quote a few things from my solo album.

MM: Did the comparatively disciplined approach on the long tour for The Astonishing tire you out?

JP: No, quite the opposite. I enjoyed the The Astonishing tour from beginning to end. It was the best-prepared and most meticulously structured show we’ve ever put on. I loved the extraordinary consistency because there wasn’t a single night when I was nervous before the show. I always knew what was going to happen every second, which made me even more confident than usual...

The Astonishing was a very dramatic, almost Broadway-style performance. In contrast, on the current tour, there are no video screens, just a large backdrop and lots of lights. We play old and new songs, and in between, James tells little stories about the time when Images And Words was recorded, about what it was like back in the studio. There are solos from the drums, bass, keyboards, and guitar; these concerts are like a celebration. Right now, in Dream Theater, it’s just: Let’s have fun and throw a big party!

MM: Thanks, John, and have fun!

Original text

John Petrucci zu ‘Images And Words’ von Dream Theater

von Matthias Mineur

8. November 2017

Als am 30. Juni 1992 die amerikanische Prog-Metal-Band Dream Theater ihre zweite Scheibe ,Images And Words‘ veröffentlichte, veränderten sich innerhalb weniger Monate wichtige Parameter der Musikindustrie. Das anspruchsvolle Werk verkaufte sich wie geschnittenes Brot, auch weil – zur Überraschung aller Beteiligten – die Album-Nummer ,Pull Me Under‘ sogar im Radio gespielt wurde, obwohl sie mit einer Länge von mehr als acht Minuten alle gängigen Hörfunkformate sprengte.

Songs wie ,Pull Me Under‘ bedeuteten den weltweiten Durchbruch für Dream Theater und sind bis heute die erfolgreichsten Veröffentlichungen der Band. Anlässlich des Jubiläums ihres Überraschungs-Coups feiert die Band den Klassiker zurzeit auf einer gezielt darauf ausgerichteten Tournee namens ,Images, Words And Beyond‘ . Wir trafen Gitarrist John Petrucci bei einer Show in Lingen und verglichen mit ihm Gegenwart und Vergangenheit ihres wichtigsten Karriereschubs.

Matthias Mineur: John, welche Erinnerungen hast du an die Produktion von ,Images And Words‘? Das müssen aufregende Zeiten gewesen sein, im Herbst ‘91.

John Petrucci: Ja, es waren in der Tat sehr spannende Monate. Für mich bedeuteten die Aufnahmen zu ,Images And Words‘ die ersten wirklich professionellen Studioarbeiten. Wir hatten zwar bereits zwei Jahre zuvor unser Debüt ,When Dream And Day Unite‘ aufgenommen, dafür aber lediglich drei Wochen Zeit gehabt. Für ,Images And Words‘ dagegen gab es erstmals ziemlich konkret ausgearbeitete Demo-Aufnahmen zu allen Songs, zudem existierten drei professionell aufgenommene Demo-Tracks, die wir bei unserer Plattenfirma abgeliefert hatten, was dann zu unserem Vertrag führte.

MM: Welche Songs konkret meinst du?

JP: Soweit ich mich erinnere waren es ,Metropolis‘, ,Pull Me Under‘ und ,Take The Time‘. Wir hatten mit James einen neuen Sänger und die Plattenfirma wollte hören, wie die neue Besetzung klingt. Natürlich besaßen wir nicht allzu viel Studio-Erfahrung, und auch nicht sonderlich viel Equipment. Ich spielte damals einen Mesa/Boogie-Quad-Preamp und einige kleine Effektgeräte. Aber unser Engineer Doug Oberkircher und der Produzent David Prater hatten ihre eigenen Sound-Vorstellungen. Also nahm ich meine Gitarren über eine kleine 1x12er-Box auf, die dem Studio gehörte. Ich hatte keine Ahnung, um welche Marke es sich handelte und welcher Lautsprecher sich darin befand. Generell besaß ich damals noch sehr wenig Wissen über Technik. Ich wusste zwar, was mir gefällt, aber nicht, wie man zum gewünschten Resultat kommt. Doug und David waren jedoch sehr kreativ und hatten einige tolle Ideen.

MM: Wie zum Beispiel den sagenhaften Sound im Intro von ,Pull Me Under‘.

JP: Tatsächlich ein sehr gutes Beispiel, übrigens mit einer Technik, die ich noch heute gelegentlich anwende. Doug ließ mich den Intro-Part insgesamt sechs Mal spielen und verlangsamte bei jedem Durchgang die Bandmaschine ein klein wenig stärker. Damals wurde ja noch auf analogen Bändern aufgenommen. Durch diese minimalen Veränderungen des Tempos entstand ein sagenhafter Chorus-Effekt, der noch zusätzlich gesteigert wurde, weil Doug mich den Part anschließend auch noch mit einer Akustikgitarre spielen ließ. Ich besaß gar keine eigene Akustikgitarre, aber Doug besorgte mir eine alte Gibson aus seinem Bestand. Der Sound der Akustikgitarre stammt aus einem kleinen Zoom-Effektgerät. Es waren damals also eher Studiotricks anstatt eines riesigen Racks mit tausend Möglichkeiten, die den Sound der Scheibe bestimmten. Für mich eine sehr lehrreiche Produktion.

MM: Gab es damals auch schon deine legendäre Ibanez-Picasso-Gitarre?

JP: Ja, sie wurde mir explizit für dieses Album zur Verfügung gestellt.

MM: Weil sie niemand anderes wollte, richtig?

JP: Du kennst die Geschichte? Ja, es stimmt. Ich bat Ibanez um Unterstützung für die Produktion von ,Images And Words‘ und bekam als Antwort: „Nun, wir helfen dir gerne. Es gibt hier ein ziemlich hässliches Exemplar in Pink, das wir dir schicken könnten.“ Ich erwiderte: „Die Farbe ist mir egal, Hauptsache die Gitarre klingt gut.“ Als ich im Studio zum ersten Mal den Koffer öffnete, war ich von der Picasso sofort total begeistert. Anschließend tourte ich sogar mit dieser Gitarre, die obendrein zu meinem ersten Signature-Modell wurde.

MM: Für wen wurde deine erste Picasso eigentlich ursprünglich gebaut?

JP: Ehrlich gesagt weiß ich es gar nicht so genau. Die Gitarre war auf jeden Fall custom-made, die Lackierung wurde per Hand aufgetragen. Ich glaube, es handelte sich um den Alleingang eines Mitarbeiters.

MM: Auf welchem Level war deine Spieltechnik?

JP: Schon sehr weit vorangeschritten. Ich war damals 25, spielte bereits seit meinem 12. Lebensjahr und hatte mir in dieser Zeit eine Menge Fingerfertigkeiten angeeignet.

MM: Wie viel Zeit hattest du für die Gitarrenaufnahmen?

JP: Das ist schwer zu sagen, denn wir nahmen die Gitarren nicht in einem Rutsch, sondern mit diversen Unterbrechungen auf. Ich spielte ein paar Tage, dann wurde an anderer Stelle der Produktion weitergemacht, anschließend spielte ich wieder. Ich lebte damals in Long Island, New York, und das Studio war in Rockland County, nur eine knappe Stunde entfernt, sodass ich zwischendurch immer mal wieder nach Hause fuhr. Ich erinnere mich daran, dass ich für ,Under A Glass Moon‘ die Rhythmusgitarren bereits aufgenommen hatte und zu Hause bei meiner Frau im Wohnzimmer saß, um ein Solo für den Song auszuarbeiten. Die Gitarren-Parts wurden also Stück für Stück eingespielt.

MM: Hast du zu allen deinen Parts noch eine emotionale Beziehung? Hat sich dein Geschmack geändert? Gibt es Passagen auf ,Images And Words‘ , die dir heute nicht mehr gefallen?

JP: Ich habe den emotionalen Bezug zu diesen Songs nie verloren. Auch heute noch, wenn ich sie spiele, weiß ich immer ganz genau, woher die Inspirationen für bestimmte Parts stammen. Wir alle waren damals große Iron-Maiden- und Rush-Fans, außerdem stand ich total auf das Buch „Chord Chemistry“ von Ted Greene. Einige Akkorde in Songs wie ,Take The Time‘ , ,Learning To Live‘ oder auch in ,Pull Me Under‘ stammen daraus. Ich weiß natürlich nicht, ob ich heute noch genauso spielen würde, denn in der Zwischenzeit habe ich neue Dinge entdeckt, darunter die siebensaitige Gitarre, tiefere Tunings, ich weiß mehr über Studios, über Harmonielehre, über Mesa/Boogie-Amps. Mein Sound ist heavier geworden und hat heute mehr eigenen Charakter, wie ich finde. Wenn ich das Album heute noch einmal aufnehmen würde, hätten die Gitarren sicherlich einen dickeren und härteren Sound. Trotzdem mag ich den Klang der Originalscheibe auch heute noch.

MM: Hörst du Unterschiede zwischen deiner damaligen Ibanez-Gitarre und den heutigen Music-Man-Modellen?

JP: Oh ja, natürlich. Die Music Man klingt tausendmal besser. Damals verwendete ich auch noch dünnere Saiten, ich glaube es war ein normaler .009er-Satz.

MM: Was sind die größten Unterschiede zwischen dem Musiker John Petrucci damals und heute?

JP: Gute Frage, darüber muss ich kurz nachdenken … Ich vermute, dass mein Melodieverständnis größer geworden ist. Man kann das sehr gut auf den neueren Dream-Theater-Alben nachvollziehen. Ich nenne es immer meine „Post-G3-Entwicklung“, weil ich durch Kollegen wie Joe Satriani und Steve Vai lernen durfte, welch wunderbar melodisches Instrument die Gitarre ist. Bei ihnen konnte ich mir abschauen, wie man die Gitarre durch eine melodischere Spielweise mehr in den Vordergrund rücken kann. Auf ,Images And Words‘ kann man dies nur sehr vereinzelt entdecken. Außerdem basiert mein Songwriting seit der G3-Erfahrung stärker auf Riffs, wie man in Songs wie ,Dark Eternal Night‘ (vom Album ,Systematic Chaos‘, 2007) oder Stücken meiner Soloscheibe, wie etwa ,Jaws Of Life‘ oder ,Damage Control‘ hören kann. Sie alle haben am Anfang dieses riesige GitarrenRiff, das den Song bestimmt. Auf ,Images And Words‘ gab es so etwas noch nicht.

MM: Spielst du auf der aktuellen Tour die Songs von ,Images And Words‘ zu 100% wie auf der 1992er Vorlage?

JP: Das war unsere Vorgabe, als wir entschieden haben, das Album komplett auf die Bühne zu bringen. Alle Parts, sämtliche Melodien, Riffs, Soli sind haargenau wie auf der Vorlage. Allerdings: Wir fügen ein paar Extrateile hinzu, die es im Original nicht gab. Manchmal jammen wir am Ende eines Songs, mitunter gibt es einen zusätzlichen Solo-Part, der früher nicht existierte.

MM: Unterscheiden sich die heutigen Live-Versionen von denen der ‘92/93er Tour?

JP: Ja, definitiv. Als wir damals das Album auf die Bühne brachten, machten wir uns über die essentiellen Parts der Songs nicht allzu viele Gedanken. Wir spielten die Stücke einfach so, wie wir sie vor den Studioaufnahmen geprobt hatten. Jetzt, nach 25 Jahren, achten wir viel genauer auf das exakt richtige Tempo, auf das richtige Grundgefühl, das die Studio-Versionen besitzen. Wir wollen, dass die neuen Live-Versionen exakt wie die 1992er Studiofassungen klingen. Als wir jünger waren, spielten für uns solche Aspekte nur eine untergeordnete Rolle …

Hinsichtlich der Shows haben wir uns entschieden, etwas zu präsentieren, was beim Publikum in jeder Hinsicht einen tiefen Eindruck hinterlässt. Die Leute sollen uns spielen sehen und denken: „Unglaublich! Wie machen die das? Diese technische Perfektion, dieses tighte Zusammenspiel.“ Aber wie gesagt: Von Zeit zu Zeit verlassen wir dieses stringente Muster. Es gibt ein Schlagzeugsolo, in ,Take The Time‘ fügen wir dem originalen Arrangement am Ende einen zusätzlichen Solopart hinzu, bei dem ich ein paar Sachen aus meinem Solo-Album zitiere.

MM: Hat dich die dagegen vergleichsweise disziplinierte Vorgehensweise auf der langen Tour zu ,The Astonishing‘ müde gemacht?

JP: Nein, ganz im Gegenteil. Ich habe die Tournee zu ,The Astonishing‘ von Anfang bis Ende genossen. Es war die am besten vorbereitete und am genauestens strukturierte Show, die wir jemals auf die Bühne gebracht haben. Ich habe die außerordentliche Beständigkeit geliebt, denn so gab es nicht einen einzigen Abend, an dem ich vor Show-Beginn nervös war. Ich wusste immer in jeder Sekunde, was passieren würde, dadurch war ich noch selbstsicherer als gewöhnlich …

,The Astonishing‘ war eine sehr dramatische, fast Broadway-mäßige Aufführung. Dagegen gibt es auf der aktuellen Tour keine Video-Screens, sondern nur einen großen Backdrop und viel Licht. Wir spielen alte und neue Songs, zwischendurch erzählt James kleine Geschichten über die Zeit, in der ,Images And Words‘ aufgenommen wurde, darüber wie es damals im Studio war. Es gibt Soli von Schlagzeug, Bass, Keyboards und Gitarre, diese Konzerte sind wie eine Feierstunde. Derzeit heißt es bei Dream Theater nur: Lasst uns Spaß haben und eine große Party feiern!

MM: Danke John, und viel Spaß weiterhin!