Dream Theater

Dream Theater has reigned supreme in the progressive metal scene since their debut in 1989, and their 14th original album, Distance Over Time, their first release since moving to their own label, is a powerful work that takes them back to their roots. The album is a powerful work that takes the band back to their roots. Geki Rock interviewed John Petrucci, an original member of the band and producer of the album. He talked about the new album, including behind-the-scenes stories about the recording process, in which the band members lived together for the first time in about 20 years.

-How do you feel now that you have completed the new album “Distance Over Time”?

I feel great. We had a lot of fun writing the songs for the album, and we are very happy with the songs and the sound. It’s nice to finally be able to talk like this with people who have actually listened to it. I can’t wait for it to be released so more people can hear it. We are all very proud of it.

-This is the first album released after leaving Roadrunner Records, which you had been with since 2007, and moving to Inside Out Music, which is part of Sony Music. Could you tell us why you decided to move to Inside Out Music?

We did a lot of work with Roadrunner Records. It was a great label. I made a lot of friends, and I think we put out some good music while we were there. But our contract had just expired, and I thought maybe it was time to look for other opportunities and accept new offers. Inside Out Music is led by Thomas Waber, who I’ve known for a long time and has been a long-time fan of Dream Theater. He actually came all the way to see us when we first toured Europe. I’m happy to finally be able to work with him. He is a big music lover and a Dream Theater fan....... It’s great to meet so many new people after moving to a new label.

-It’s been about 3 years since your last release “The Astonishing” (13th album released in 2016); when did the recording process start?

We all got together and started writing songs last June; I think we spent about 3 weeks or a month on it. We started recording right after that. We wrote the songs for the album and did all the recording in June and July, and the mixing started in October, I think. So the whole thing took about four months.

-During the recording process, you wrote the songs in a studio in the middle of nowhere, where the members lived together for the first time in about 20 years. Why did you take this approach?

It was actually an idea that came from my wife when we were talking about what to do with the new album. She said, “Why don’t you go somewhere where you can have privacy and renew your bond where there are no distractions?” We were too busy with The Astonishing and Images And Words (our second album, released in 1992) anniversary tours to slow down. I thought it was a great suggestion, so I approached the other guys. We found a studio called “Yonder Barn”. It was a nice place. I don’t remember the details, but it had some connection to Japan. I forgot the name of it, but you can find it at...... I think it was Ryuichi Sakamoto who did the music for the movie “The Revenant”. He used to own the studio with his then wife. It’s a nice connection, isn’t it?

-Was your family accompanying you? Or just the band members?

Just the fellas. (laughs) My wife came once. It was like camping with just the guys (laughs).

-(Laughs.) Can you tell us about any episodes during the recording process?

(laughs) There were many memorable moments. We were visited by a lot of wild animals. Deer, foxes, and...... One time a bear and its cubs came to our front door. That was crazy.

-That’s scary....... Maybe they wanted to hear you play.

Maybe (laughs). I thought it was because there was food in the garbage.

-Did you enjoy barbecuing between sessions?

Yes, we did. It was summer, and the weather was great in upstate New York. It was near Woodstock. I brought my smoker and we barbecued steaks and chicken and all kinds of stuff. We didn’t have to drive anywhere at night, so we drank wine and bourbon....... The next morning I woke up to the smell of bacon and eggs, and I went downstairs to find Mike (Mangini) cooking breakfast. From there we would start talking about the next song we were going to play....... It was very meaningful for all of us to be able to do that. After all, this is our 14th album. It’s been over 30 years since we formed, and it was nice to reconnect with each other here. It was really cool.

-That’s probably why this album has a stronger sense of togetherness than ever before. The previous album had a grand style featuring orchestral sounds and choirs, but this album seems to have a strong emphasis on a simple yet heavy band sound. What kind of musicality did you aim for with this album?

I wanted to make an album that was more organic than the previous ones. Something that feels more like a live album. We wanted to make something that featured all of the musicians, that was heavy, melodic, progressive, and incorporated all of the elements that make up the Dream Theater sound. I also wanted to make sure that everyone was involved. “The Astonishing” was based on a story I wrote, and Jordan (Rudess) and I wrote the songs together, so it was a completely different experience. This time around, I wanted it to be something where everyone was involved, everyone’s voice was represented, and everyone contributed. I think we were able to express that intention in the songs this time around.

The previous album was a huge work, a two-disc set and over two hours long, but this album is one of the shortest studio albums of all time. Was this intentional?

Yes, the last album was extremely long, almost two and a half hours....... I think it was about 2 hours and 10 minutes. It was designed to be one show in itself. This time, we all had the same idea. We had this conversation before we went into the studio. We said, “Maybe we should keep it around an hour this time.” We hadn’t done anything like that for a long time. I think the last time was “Images And Words,” because most Dream Theater albums are very long, like two albums, or one album but 75 minutes long, or something like that. This time, I made a conscious effort to make it about an hour long. That way I can listen to it on my train commute or when I work out at the gym. It should be something you can listen to in the car, rather than too much of a commitment.

-So you are saying that just as you lived together to make this album, now you want us, the listeners, to live together with this album.

That’s exactly right. As listeners, it’s important for us not to be overwhelmed by the album when we play it. We just want them to enjoy it. It’s a very energetic album, as you can tell from listening to it. I think it’s really important to stay in an excited mood as you listen from song to song.

-What is the overall theme of the album?

There is no theme. It’s not a concept album, so there is no lyrical or musical theme. Each piece was created with an individual intention.

-The cover photo of the album is a striking robotic hand holding a human skull. Can you tell us about the theme of the jacket?

I worked with Hugh Syme again, who has done many great covers for Dream Theater, including Octavarium (8th album released in 2005), Systematic Chaos (9th album released in 2007), and Black Clouds & Silver Linings (10th album released in 2009) is also his work. He has been working with Rush for a long time, and we love Hugh. When we told him the title of the album, he came up with an idea based on Shakespeare’s “Hamlet”. I think the cover is a perfect representation of the title. I think it represents the time we’ve traveled as a people, but also where we’re going.

-Thank you. Here are a few questions about the songs. The song “Untethered Angel” starts with a disturbing arpeggio and is filled with dark tension from the riff to the vocal and solo. Can you tell us about the theme of this song?

I’m glad you pronounced “Untethered” correctly. I love the sound of that word. I thought it might be difficult to pronounce for people whose first language is not English (laughs). I like the sound of the word, not the meaning. The idea in writing that song was...... The beginning is very disturbing, as you said, and it has all sorts of elements that are typical of Dream Theater. The guitar and keyboard solo interplay, the heavy riffs, the instrumental section....... Anyway, I wanted it to represent the essence of Dream Theater. When you hear that song, you instantly know, “Wow, it’s Dream Theater.” I thought it was very important to start the album that way. It was almost from the beginning that I decided to make it the opening track. It was the fourth song we wrote, but I knew it would be a great opening track.

-Is that why “Untethered Angel” was released as the first single from the album?

Yes, I think it really expresses what kind of music Dream Theater does. Moods, progressive qualities, riffs...... Everything is a total representation of our style. It’s just this one song.

- “Fall Into The Light” has an aggressive, sharp riff in the first half contrasted with lyrical phrases involving acoustic guitar in the middle part. What was your intention in creating this song?

Yes, that song starts off very heavy, with a guitar riff that sounds like it was influenced by Metallica (laughs). It’s kind of aggressive and fast....... I had an idea I wrote at home a while back. It was more like a “spaghetti western” idea. I know some people think it’s not a good idea to have a mellow section in the middle after hearing the heavy riffs, but I couldn’t resist. I thought it would make the song more interesting. So, in the middle of writing the song, I said to the guys, “Hey, I have an idea.” They wanted to keep that heavy riff vibe in the song. I said, “Let’s do it anyway. I’m going to take it to a more orchestral feel at the break, which you may not like, but it’s more like Ennio Morricone.” And it worked out really well in the end. I think it made the song more interesting.

-I understand that drummer Mike provided the lyrics for “Room 137”. What did you think of his lyrics?

I think he did a great job. There’s an interesting story. When we first started writing that song, Mike and I were talking about tempo. He said he was going to write a song at 137 BPM.

-I see, so that’s how you came up with the title!

That’s how it started. That’s how it started. Then he started talking about why that number was important. In the story he created, there is a physicist who is obsessed with the number 137, and he is somehow connected to that number in science and in the universe. The scientist goes crazy with the number and eventually joins a cult and dies in room 137 of a hospital. That’s the kind of horror story he had in mind. Then one day he emailed me and said, “I wrote the lyrics. You can use it or not, but please read it.” I read the lyrics and thought they were really good, so I adopted them (laughs). He’s been with Dream Theater for 8 years now, and this is the first time he’s written lyrics. I think it’s really cool.

-So Mike hadn’t written lyrics before?

Yes, this is the first time he’s written them and brought them with me. Or maybe he didn’t even want to write them. This time he wrote it because he had a topic that he thought was really cool. I think it worked out really well, and I like it a lot.

-The next song, “S2N,” is one of the grooviest songs on the album, starting with an impressive bass intro by John Myung (bass). What did you have in mind for this song? Also, what is the meaning of the title?

The title comes from the chorus section. There is a phrase “Signal To Noise”. “S2N” comes from that. It’s an audio term. When you try to make a recording sound as clear as possible, you reduce the amount of white noise. I tried to use that as a metaphor in this song. The world can be a noisy place. Negative headlines are all over the media and there are plenty of distractions. Various devices, phones, social media...... It’s very difficult for one person to resonate spiritually with something when there are so many distractions. That’s what I tried to put in the song. The bass riff at the beginning of that song was one of the first things we worked on when we got together at Yonder Barn. It’s a pretty interesting story. Sometimes we’ll work on a riff and then get a little distracted and work on it again, and it becomes a completely different song and we don’t use that riff. Then I’d bring the riff back and work on it again. Then I distract myself with something else, and it becomes something completely different. It became more and more like a joke. “I’m sure I’ll end up not using this riff. I’m sure I’ll end up not using this riff, just as an inspiration for another song.” S2N was actually the last song we wrote. “John (Myung), this time I’m going to use your riff. I promise I won’t be distracted by anything else this time. I’ll write a whole song.” That’s how this song came to be.

-“At Wit’s End” is the longest song on the album. How did you come up with the idea for this song, which is about abuse and PTSD?

“At Wit’s End” was the first song we all got together to write. I think we wrote it in the first few days. I think it was the song that set the direction for the album. It set the mood for what kind of album it was going to be. It starts off very technical and full of energy and spirit, as you can hear. It has a lot of groove and heavy riffs. On the other hand, it’s also very melodic and has a lot of emotion. That’s the balance we were going for when we made this album, because we wanted it to be an album that shows all of Dream Theater’s strengths. Strong melodies, strong grooves, technical parts, heavy riffs....... It was the first song we wrote, so I think it does exactly what we wanted it to do.

-The guitar solo is also very emotional. Maybe it’s because the theme is abuse and PTSD, but the guitar sound brings to mind the image of the victims’ backs being gently rubbed.

That’s nice to hear. We have a different way of writing songs. At that point, there is no connection to the lyrics. We write the lyrics after the song is written. I think James (LaBrie) chose the lyrical topics to match the emotional mood of the song. It’s a very synergistic process. I think James did a great job.

-I also thought the transition from “At Wit’s End” to “Out Of Reach” was very beautiful. Was there anything you were conscious of in terms of the order in which the songs were recorded?

Yes, I did. As with any album, once we finished writing all the songs, I have to make some decisions. Like how it should flow from song to song. Like I said, “Untethered Angel,” for example, was a perfect opening for the album from the beginning. From the very beginning. When we wrote the epic “Pale Blue Dot,” it felt like the song to close the album. Some songs just come very naturally, like that. In this case, “At Wit’s End” is a very melodic song, and “Out Of Reach” is the only ballad on the album, so I thought they would flow well together.

-“Pale Blue Dot,” the final piece in the album, is based on a photograph of the Earth taken from beyond the solar system and the recommendations made by astronomer Carl Sagan based on that photograph. Why did you choose this motif?

This is another good example of matching the mood of the song with the subject matter. The intro part of the song sounds like the soundtrack of a planetarium (laughs). The song has a “Star Wars” or “Interstellar” feel to it. The subject matter comes from my childhood interest in the Voyager missions. When I was a kid, my father was a big Carl Sagan fan. We used to watch “Cosmos” together, so it was very important for me to do a tribute to that. I loved it when Sagan said, “The earth is just a tiny dot in the universe. We may be the only life form living on that tiny dot, so we need to take care of each other.” I think it has a very deep meaning.

-In addition to the new songs, the North American tour that follows the release of the album will include a complete live performance of your fifth album, “Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory” (released in 1999), to commemorate its 20th anniversary. This work is very popular among fans. What does it mean to you?

This tour is going to be a lot of fun for us. “Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory” is very important to us. It was the first album we did a lot of experiments with, and it was also the first album with Jordan. It was also the first self-produced album when Mike Portnoy was still in the band (he left in 2010). He and I produced it together. So it was the first time we didn’t use an outside producer. It was also our first concept album, and although it had been 10 years since our first album, we had never made a concept album before. We were big fans of Pink Floyd’s “The Wall,” Queensrÿche’s “Operation: Mindcrime,” and The Who’s “Tommy”. That’s why we made our first concept album. The fans resonated with it so strongly that we decided to do it at....... Like you said, it’s a fan favorite. So I’m looking forward to playing it. And there’s a whole new video show that goes along with it. It’s going to be a lot of fun. It’s going to be great fun.

-With the new album on tour, 2019 is going to be an exciting year for your fans.

It’s going to be a great year. After the North American tour, we will go to Europe for the summer and play a lot of festivals. Unlike North America, we won’t be doing an anniversary set then. But we will go to Europe again. After that, I’m not sure if it will be before the end of the year, or maybe next year, but I definitely want to go to Japan. I would like to do an anniversary set at that time. I’m sure it will be a lot of fun.

-Next year will mark 35 years since the band was formed. You have many longtime fans, but I believe that many of the younger generation became interested in the genre or actually start a band after listening to Dream Theater’s works. How do you feel about that?

It’s great. When we go on tour, there are even people who come with their families. Parents who knew us in our early days, kids who discovered Dream Theater in recent years. It’s really cool to see that, and it’s a great feeling. It’s great to see the fans of yesteryear still excited to hear the new stuff, and it makes me happy from the bottom of my heart. On the other hand, I’m also happy that the younger generation is excited about our music. I am happy that we are reaching a wide range of people.

-Lastly, could you give a message to your Japanese fans?

Of course! We are really excited that Japanese listeners will be listening to our new album. It will be released in about a month (*interviewed January 19). I can’t wait to hear the reaction from Japanese fans. I hope they enjoy it. I’m looking forward to going back to Japan and touring again, maybe not this year. Not only for the new songs – which I think will be a lot of fun to play live – but also to celebrate the 20th anniversary of “Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory” with them. I’ve been going to Japan for many years now, and it’s always a blast. The fans are great. We love the fans, the culture, the food, and the people, so going to Japan is something we always look forward to. We can’t wait to go!

Dream Theater

2019.02.20

1989年のデビュー以来、プログレッシヴ・メタルの最高峰としてシーンに君臨し続けるDREAM THEATER。彼らがレーベル移籍第1弾としてリリースする、14作目のオリジナル・アルバム『Distance Over Time』は、原点に立ち返るような力強さに満ちた作品に仕上がっている。激ロックでは、そんなバンドを牽引するオリジナル・メンバーにして、アルバムのプロデューサーも務めたJohn Petrucciに取材を敢行。約20年ぶりにメンバーが共同生活を行ったというレコーディングの裏話も交えながら、今作について語ってもらった。

－ニュー・アルバム『Distance Over Time』を完成させた、今の心境をお聞かせください。

最高の気分だよ。アルバムの曲を書いている間も本当に楽しかったし、曲にもサウンドにも満足している。実際に聴いた人とやっとこうして話すことができるのはいいことだよ。早くリリースされて、もっとたくさんの人に聴いてもらいたいね。俺たち全員が誇りに思っている作品だから。

－今作は2007年より在籍した"Roadrunner Records"を離れ、"Sony Music"傘下の"Inside Out Music"に移籍した第1弾作品となっています。移籍に至った理由をうかがえますか？

"Roadrunner Records"とは結構な数の作品を出した。素晴らしいレーベルだったよ。友人もたくさんできたし、在籍中はいい曲を出せたと思う。でもちょうど契約が満了したこともあって、他の機会を窺うときがやってきたのかもしれない、新しいオファーを受け入れるべきなのかもしれないと思ったんだ。"Inside Out Music"を率いているのはThomas Waberという人で、もうずっと前から知り合いなんだよ。DREAM THEATERの長年のファンでもいてくれている。実は俺たちが初めてヨーロッパ・ツアーをしたころ、わざわざ観に来てくれたんだよね。ようやく一緒に仕事ができることになって喜んでいるよ。彼は大の音楽愛好家だし、DREAM THEATERのファンだし......移籍していろんな新しい出会いがあるのも素晴らしいことだよね。

－前作『The Astonishing』（2016年リリースの13thアルバム）から約3年ぶりのリリースですが、レコーディングはいつごろスタートしたのでしょうか？

みんなで集まって曲を書き始めたのが去年の6月。3週間か1ヶ月くらいかけて書いたかな。その直後にレコーディングを始めたんだ。それが7月だね。6月と7月はアルバムの曲を書いてレコーディングを全部やって、ミキシングが始まったのが10月だったかな。だから全体では4ヶ月間くらいかけたね。

－レコーディングでは、人里離れたスタジオで約20年ぶりにメンバーが生活を共にしながら曲作りを行ったそうですね。なぜこの方法をとったのでしょうか？

実は新作をどうするかって話を妻にしていたときに、妻から出たアイディアなんだ。"どこかプライバシーの守れるところに行って、気を紛らわすものがないところで、絆を新たにしたらいいんじゃないかしら"みたいにね。というのも、俺たちは『The Astonishing』や『Images And Words』（1992年リリースの2ndアルバム）のアニバーサリー・ツアーで忙しすぎて、スロー・ダウンする間もなかったんだ。素晴らしい提案だと思ったから、メンバーに持ち掛けてみたんだよ。それで見つけたのが"ヨンダーバーン"というスタジオだった。いいところだったよ。詳しくは覚えていないけど、日本にもゆかりのあるスタジオだった。名前をど忘れしてしまったんだけど......映画"レヴェナント：蘇えりし者"の音楽を担当した、リュウイチ・サカモト（坂本龍一）だったかな？ 彼が以前、当時の奥さんと一緒に持っていたスタジオらしい。いい縁だよね。

－ご家族は同行されたんでしょうか。それともメンバーだけですか？

野郎どもだけだね（笑）。妻が来たこともあったけど。俺たち5人と、俺のギター・テク担当のMaddi（Schieferstein）、それから録音を担当してくれたエンジニアのJimmy T。野郎だけのキャンプみたいな感じだったよ（笑）。

－（笑）レコーディング時のエピソードがあれば教えていただけますか。

印象深かった出来事はたくさんあるよ。野生動物がたくさん訪ねてきてね。鹿とかキツネとか......あるときは熊の親子が玄関まで来たんだ。あれはクレイジーだったね。

－それは怖いですね......。もしかしたら、みなさんの演奏を聴きたかったのかもしれません。

かもね（笑）。ゴミに食べものが混じっていたからだろうって俺は思ったけど（笑）。

－セッションの合間にはバーベキューも楽しんだりされましたか？

やったよ。夏だったし、ニューヨーク州北部は気候が最高だったんだ。ウッドストックの近くでね。俺は燻製器を持参して、バーベキューでステーキやチキン、それからいろんなものを焼いたんだ。夜はどこにも車で行く必要がなかったから、ワインやバーボンを飲んで......翌朝目覚めるとベーコン・エッグの匂いがして、下の階に行くとMike（Mangini／Dr）が朝食を作っていたりした。そこから次にやる曲の話を始めたりして......そういうことができたのは俺たち全員にとってとても有意義なことだったよ。何しろ14作目のアルバムだからね。結成して30年以上になるし、ここで改めて絆を確かめ合えて良かった。本当にクールなことだったよ。

－だからこそ、今作は今まで以上に一体感が強いのかもしれません。前作はオーケストラ・サウンドやクワイアをフィーチャーした壮大な作風でしたが、今作はシンプル且つヘヴィなバンド・サウンドが強く打ち出されているように感じました。今作で目指した音楽性はどのようなものですか？

今までよりもオーガニックなアルバムを作りたいという気持ちがあったんだ。ライヴ・アルバムに近いフィーリングがあるようなものをね。ミュージシャンが全員フィーチャーされて、ヘヴィでメロディックでプログレッシヴな、DREAM THEATERの音を構成している要素のすべてを織り込んだものを作りたいと考えた。それから、全員がもれなく携った作品にしたいというのがあったね。『The Astonishing』は俺が書いたストーリーがもとになっていて、曲はJordan（Rudess／Key）と俺が一緒に書いたから、今回とはまったく違う経験だったんだ。今回は全員が参加して、全員の声が反映されて、全員が貢献しているものにしたかった。そういう意図を今回は曲にうまく表すことができたと思う。

－前作は2枚組、2時間超えという超大作でしたが、今作は歴代のスタジオ・アルバムの中でも特に短い部類に入ります。これは意図的なものでしょうか？

そうだね、前作はものすごく長かった。2時間半近く......たしか2時間10分くらいだったと思う。それだけで1回のショーになるように作られていたんだ。今回は、全員が同じことを考えていた。スタジオに入る前にこんな話になったんだ。"今回は1時間前後にしておくのがいいかもしれないな"ってね。そういうことはもう長い間やっていなかったから。たぶん前回が『Images And Words』だったんじゃないかってくらい。DREAM THEATERのアルバムはすごく長いのが多いからね。2枚組とか、1枚だけど75分とか。今回は意識的に"1時間くらいのものにしよう。そうすれば電車通勤のときや、ジムでワークアウトするときに聴くことができる。あまり大きな負担にするよりも、車で聴けるようなものにしよう"って話になったんだ。

－みなさんがこのアルバムを作るために暮らしを共にしたように、今度は我々リスナーがこのアルバムと暮らしを共にするように考えた、ということですね。

まったくそのとおりだよ。リスナーとしては、アルバムをかけてもそれに圧倒されないことが大事なんだ。ひたすら楽しんでもらえたらいい。アルバムを聴いてもらえればわかると思うけど、ものすごくエネルギーのある作品だからね。曲から曲へと聴き進む間もエキサイティングな気分でいられること、それが本当に大事なことだと思うんだ。

－続いて、今作全体のテーマについてうかがえますか？

テーマはないね。コンセプト・アルバムではないから、歌詞や音楽的にテーマがあるわけじゃないんだ。それぞれ個別に意図して作られているよ。

－今作のジャケット写真は、人間の頭蓋骨を持ったロボットの手という印象的なものになっています。ジャケットのテーマについても教えていただけますか？

今回もHugh Symeと組んだんだ。DREAM THEATERの素晴らしいジャケットをたくさん手掛けてくれた人で、『Octavarium』（2005年リリースの8thアルバム）や『Systematic Chaos』（2007年リリースの9thアルバム）、『Black Clouds & Silver Linings』（2009年リリースの10thアルバム）なんかも彼の作品なんだ。彼はRUSHの作品もずっと手掛けていて、俺たちもHughが大好きだからね。彼にアルバムのタイトルを教えたら、シェイクスピアの"ハムレット"に基づいたような感じのアイディアを考えてくれた。タイトルを表現した、ぴったりのジャケットだと思うよ。俺たちが旅してきた人間としての時間を表しつつ、今後どこに行くかも表しているような気がするんだ。

－ありがとうございます。ここからはいくつか曲について質問させてください。「Untethered Angel」は不穏なアルペジオから始まり、リフからヴォーカル、ソロに至るまでダークな緊張感に満ちた楽曲です。この曲のテーマについてうかがえますか？

君が"Untethered"をちゃんと発音できていて良かったよ。俺はその言葉の響きが大好きなんだ。英語が第一言語ではない人たちにとっては発音するのが難しい単語なんじゃないかなって思っていたけど（笑）。とにかくその響きが好きなんだよね、意味というよりも。あの曲を書くに当たってのアイディアは......始まりは君も言ったようにすごく不穏な感じで、DREAM THEATERらしい要素がいろいろと詰まっている。ギターとキーボードのソロの掛け合い、ヘヴィなリフ、インストゥルメンタルのセクション......。とにかくDREAM THEATERの真髄を表すようなものにしたかった。あの曲が聴こえてきたら一発で"ワオ、DREAM THEATERだ"ってわかるようなものにね。そういう形でアルバムを始めるのがとても重要だと考えたんだ。オープニング・トラックにしようと思ったのは、ほとんど初めからだったね。あの曲は4番目に書いた曲だったけど、これはすごいオープニング・トラックになるなという確信があった。

－「Untethered Angel」がアルバムからの1stシングルとしてリリースされたのもそういう理由でしょうか。

そのとおり。DREAM THEATERがどんな音楽をやるのかというのが本当によく表れていると思うしね。ムード、プログレッシヴな特質、リフ......何もかも俺たちのスタイルを全体的に表しているんだ。この1曲でね。

－「Fall Into The Light」は前半のアグレッシヴで切れ味鋭いリフと、中盤のアコースティック・ギターを絡めた叙情的なフレーズの対比が印象的でした。どのような意図を持って制作しましたか？

そう、あの曲はすごくヘヴィに始まるよね。METALLICAの影響を受けたような感じのギター・リフがあって（笑）。アグレッシヴで速い感じだけど......しばらく前に自宅で書いたアイディアがあってさ。"マカロニ・ウェスタン"に近いアイディアだったんだ。ヘヴィなリフを聴いたあとでメロウなセクションを真ん中に持ってくるのもどうかという考えもあるとは思うけど、俺はやらずにいられなかった。そうした方が曲に面白味が出ると思ってね。それで、曲を書いている途中でみんなに"なぁ、ひとつ考えがあるんだけど"と言ったんだ。みんなあのヘヴィなリフの雰囲気を曲の中で貫きたいと思ってたみたいだったからね。"とにかくやってみよう。みんなは気に入らないかもしれないけど、ブレイクのところからもっとオーケストラ的な感じに持っていこうと思うんだけど。Ennio Morricone（※マカロニ・ウェスタンの映画音楽を多数手掛けた作曲家）に近い感じで"ってね。それが最終的にとてもうまくいったんだ。曲の面白味が増したと思うよ。

－「Room 137」はドラマーのMikeが詞を提供したようですね。彼の手掛けた歌詞はいかがでしたか？

素晴らしい仕事をしてくれたと思うよ。面白い話があってさ。あの曲を最初に書き始めたときはMikeとテンポの話をしていたんだ。あいつはBPM137の曲を作るなんて言っていた。

－なるほど、それでこのタイトルになったんですね！

そう。そうやって始まったんだ。それからあいつはその数字がどうして重要なのかって話をしだした。あいつの作ったストーリーでは、137という数字にとらわれている物理学者がいて、科学や宇宙の中でなぜかその数字に縁がある。その数字にとらわれてクレイジーになってしまったその学者は、最終的にはカルトに入信して、病院の137号室で死んでしまう。そういう恐ろしいストーリーをあいつは考えていたんだ。で、ある日俺のところにメールが来て"歌詞を書いたんだ。使っても使わなくてもいいけど読んでくれ"みたいな感じに書いてあった。歌詞を読んだらすごくいいと思ったから採用したんだ（笑）。あいつはDREAM THEATERに入って8年になるけど、初めて歌詞を書いた。すごくクールなことだと思う。

－Mikeは今までも歌詞を書いていたわけではなかったんですね。

そう、初めて書いて持ってきたんだ。というか書こうとも思っていなかったかもしれないね。今回はあいつ自身がすごくクールだと思ったトピックがあったから書いてくれたんだ。すごくうまくいったと思うし、俺もとても気に入っているよ。

－続く「S2N」はJohn Myung（Ba）による印象的なベース・イントロからスタートする、アルバムの中でもグルーヴィな楽曲です。この曲ではどのようなことを意識されましたか？ また、タイトルはどのような意味なのでしょうか？

タイトルはコーラス部分から来ているんだ。"Signal To Noise（信号対雑音／SN比）"というフレーズがあってね。"S2N"はそれに由来しているんだ。オーディオ用語でね。録音しているものをできるだけクリアな音にしようとすると、ホワイト・ノイズが減るんだ。この曲ではそれをメタファーのように使ってみた。世界は雑音だらけの場所になることがある。ネガティヴなヘッドラインがメディアを賑わせているし、注意をそらすものもたくさんある。各種端末や電話、ソーシャル・メディア......それだけ注意をそらすものがあると、ひとりの人間として何かとスピリチュアルに共鳴するのはとても難しいことなんだ。そんな感じのことを曲には込めたつもりだよ。あの曲の始まりのベース・リフは、今回俺たちがヨンダーバーンに集まって最初に取り組んだもののひとつなんだ。なかなか面白い話があってね。作業をしてからちょっと他のことに気を取られてまた取り組むと、全然違う曲になってそのリフを使わない、なんてことがある。あとからそのリフをまた持ってきて取り組んでみたりするんだけど。それからまた別のことで気を紛らせるとまったく違うものになっている。そんな感じで、だんだんジョークみたいになっていったんだ。"このリフ、きっと使わないで終わるな。他の曲のインスピレーションになるだけで"なんてね（笑）。「S2N」は実は最後に書いた曲なんだ。"John（Myung）、今度こそお前のリフを使うぞ。今度こそ他のことに気を取られないって約束する（笑）。ちゃんと丸1曲書くよ"って。そうやってできたのがこの曲なんだ。

－「At Wit's End」はアルバムの中でも最長の楽曲です。虐待やPTSDがテーマになっているとのことですが、この曲のアイディアはどのようにして生まれたのでしょうか？

「At Wit's End」はみんなで集まって最初に書き上げた曲だったんだ。最初の数日間で書けたんじゃないかな。このアルバムの方向性を見せてくれる曲だったと思うね。どういうアルバムにしようかというムードを設定してくれた。というのも、聴いてもらえればわかるだろうけど、最初はすごくテクニカルに始まって、エネルギーとスピリットに満ち溢れている。グルーヴも強いしヘヴィなリフも多用しているからね。一方で、ものすごくメロディックでもあって、たくさんの感情がこもっているんだ。このアルバムを作るときに俺たちが目指していたバランスがここにはある。DREAM THEATERが持っている強みがすべて表れているアルバムにしたかったからね。強力なメロディ、強力なグルーヴ、テクニカルなところ、ヘヴィなリフ......。最初にできた曲だったから、俺たちがやりたかったことが的確に再現できていると思う。

－ギター・ソロもとてもエモーショナルですね。虐待やPTSDがテーマになっているからかもしれませんが、ギターの音が被害者たちの背中を優しくさすっているようなイメージが浮かびます。

それは嬉しいね。ただ、俺たちの曲の書き方というのはちょっと変わっていて、まずは曲を書くんだ。その時点ではまだ歌詞とはなんの関連性もない。歌詞は曲ができてから書くんだ。思うに、James（LaBrie／Vo）はあの曲のエモーショナルなムードに合わせて歌詞のトピックを選んだんじゃないかな。すごくシナジー的なプロセスになっているんだ。曲自体のムードやエモーションが歌詞の主題にちゃんと合っているかどうかをものすごく重要視しているよ。Jamesは素晴らしい仕事をしてくれたと思うね。

－また、「At Wit's End」から「Out Of Reach」へと移る流れが非常に美しいと思いました。楽曲の収録順で意識したことはありますか？

そうだね。どのアルバムでもそうだけど、全部の曲を書き終えたら、いくつか決断をしなければならないことがある。曲から曲への流れがどうあるべきかとかね。さっきも言ったけど、例えば「Untethered Angel」は初めからアルバムのオープニングにぴったりな感じだった。ごく初期段階からね。「Pale Blue Dot」という壮大な曲を書いたときも、いかにもアルバムを締めくくる曲という感じがしたんだ。そんな感じで、とてもナチュラルな形で決まったものもある。この場合は「At Wit's End」がとてもメロディックな曲で、「Out Of Reach」はこのアルバムで唯一のバラードだから、隣り合わせたときの流れが合うと考えたんだ。

－アルバムの最後を飾る「Pale Blue Dot」は、太陽系の彼方から撮影された地球の写真と、その写真に基づく天文学者のカール・セーガンによる提言がテーマになっています。なぜこのモチーフを選んだのでしょうか？

これもまた、曲のムードに題材を合わせたいい例になるんだけど、曲はすごく宇宙の彼方っぽい雰囲気があるだろう？ イントロのところなんてプラネタリウムのサウンドトラックみたいだしね（笑）。曲に"スター・ウォーズ"や"インターステラー"みたいなムードがあるんだ。題材は、俺が子供のころから"ボイジャー"（※NASAの無人惑星探査機）のミッションに興味を持っていたところからきている。俺が子供のころ、父親がカール・セーガンの大ファンだったんだ。よく一緒に"コスモス"（※カール・セーガン監修のドキュメンタリー）を観ていたから、それをトリビュートするというのは俺にとってとても大切なことだった。セーガンが、"地球は宇宙の中のほんの小さな点に過ぎない"と言ったのが俺はとても気に入っていてね。その小さな点に住んでいる俺たちは唯一の生命体かもしれないんだから、人間はお互いを大切にしないと。すごくディープな意味があると思う。

－アルバムのリリース後に行われる北米ツアーでは、新曲に加えて、5thアルバム『Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory』（1999年リリース）の20周年を記念した完全再現ライヴも行われるようですね。ファンからの人気も高い作品ですが、あなたにとってどのような作品でしょうか？

今度のツアーは俺たちにとってもものすごく楽しいものになるよ。『Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory』は俺たちにとって極めて重要だからね。あのアルバムで初めてやった試みも多かったし、Jordanが加入した最初のアルバムでもある。（2010年に脱退した）Mike Portnoy（Dr）がまだ在籍していたころで、初のセルフ・プロデュース作でもあった。あいつと俺でプロデュースしたんだ。そんなわけで、初めて外部のプロデューサーを使わない作品になった。それから、初のコンセプト・アルバムでもあったね。1stアルバムから10年経っていたけど、それまでコンセプト・アルバムを作ったことがなかった。俺たちはPINK FLOYDの『The Wall』やQUEENSRŸCHEの『Operation: Mindcrime』、THE WHOの『Tommy』なんかの大ファンなんだ。それで自分たちも初めてコンセプト・アルバムを作った。ファンがそれに強く共鳴してくれて......君も言っていたように、ファンの中でも人気の高い作品なんだ。だからプレイするのが楽しみだよ。それから、まったく新しいビデオ・ショーがそれに付随するんだ。オリジナルの、作り下ろしのアニメにストーリーを語らせる形でね。最高に楽しいものになるよ。

－新作を引っ提げてのツアーですし、ファンにとっても2019年はエキサイティングな年になりますね。

最高の1年になるよ。北米ツアーが終わったら夏はヨーロッパに行っていろんなフェスに出る。そのときは北米とは違ってアニバーサリー企画はやらないけどね。でもヨーロッパには改めて行くことになると思う。そのあと、年内になるかどうかはわからないし来年になるかもしれないけど、日本には絶対に行きたいと思っているよ。そのときはアニバーサリー企画もやりたいね。きっと楽しいものにするよ。

－来年でバンドは結成から35年を迎えます。長年のファンもたくさんいますが、若い世代がDREAM THEATERの作品を聴いてジャンルに興味を持ったり、実際にバンドを始めたりすることも多いと思います。どう感じていますか？

素晴らしいことだよね。ツアーに行くと、家族ぐるみで来てくれている人たちまでいるんだ。俺たちの初期を知っている親、近年になってDREAM THEATERを知ったキッズ。そういうのを見掛けると本当にクールだと思うし、最高の気分だよ。往年のファンが今も新作を聴いてワクワクしてくれるのも最高に嬉しいし、心の底からハッピーだ。その一方でずっと若い世代の子たちが俺たちの音楽にときめいてくれるのも嬉しい。幅広い層に届いていることが嬉しいんだ。

－最後に、日本のファンへメッセージをお願いできますか？

もちろん！ 日本のリスナーが新作を聴いてくれることになって本当にワクワクしているよ。あと1ヶ月くらいでリリースされるんだ（※取材は1月19日）。日本のファンの反応が楽しみだね。楽しんでもらえることを願っているよ。今年中じゃないかもしれないけど、また日本に行ってツアーする日を楽しみにしているんだ。新曲だけじゃなくて――新曲はライヴでやったらものすごく楽しいものになると思うけど、『Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory』の20周年も一緒に祝いたいと考えているよ。日本に行くようになってもう長年経つけど、いつ行ってもものすごく楽しいんだ。ファンも素晴らしいしね。日本のファンもカルチャーも食べ物も人々も大好きだから、日本に行くのは俺たちにとって常に楽しみにしていることなんだ。早く行きたいね！