John Petrucci – Distance Over Time

Living legends of the international prog-metal scene, with millions of albums sold worldwide, Dream Theater bring Distance Over Time, the 14th chapter in their exciting story, to be released on February 22, 2019...

Written by Gianmaria Scattolin

Three years after The Astonishing (2016, Roadrunner), Distance Over Time, the highly anticipated new album from Dream Theater, arrives on February 22, 2019. This new studio album, produced by John Petrucci himself, also marks the band’s entry into the InsideOut Music/Sony Music roster.

To compose the material for the new album, Dream Theater reunited last summer, choosing an alternative location, a place where they could work together day and night, without distractions. Yonderbarn Studio in Monticello, New York is a place surrounded by greenery, where an old barn has been transformed into a recording studio. It’s where John Petrucci and his bandmates not only found the inspiration to compose and record all the songs on the album, but also found themselves breathing in the magic of their early days, the magic that gave birth to the Boston band in the mid-’80s... But let’s let John himself tell us how things went.

Gianmaria Scattolin: Hi John, it’s a pleasure to have you here! We heard you had a blast writing and recording Distance Over Time, your new album...

John Petrucci: Hey guys, it’s nice to see you again! Yes, it was a truly exceptional experience. We had a blast!

GS: Was it your idea to find a place where you all could spend all your time together and find inspiration for new material?

JP: No, actually, the idea came from a chat with my wife. We were talking about the new album, and she blurted out that if I was away from home for the time it took to make the album, she wouldn’t mind... Not that she kicked me out! [laughs] But those words made me think it could be a great idea. It’s something we’d never done before, and when I talked about it with the others, everyone was enthusiastic. So we found this fantastic place in the mountains of upstate New York where we could not only focus on the album’s material, but also live together, have a barbecue, relax, and chat – not necessarily about music or our songs. What I didn’t want for this album was the hassle of having to do and redo the sounds, book and set up the studio for each stage of preparing the songs, recall the various sessions from previous recordings, listen again to try to find the right atmosphere... I wanted the band to feel free to express themselves without limits. What we found was the perfect place: an empty space already set up for a recording studio, in an exceptional location. From there, all we had to do was bring in all the gear and set everything up... All that was left was to play! We had such a great time that once we’d finished composing the songs, we decided to stay and set up the space for recording the album’s final tracks. The sound in the live room was incredible, and the atmosphere was perfect: both the control room and the recording room had windows overlooking the surrounding park, so we didn’t feel like we were trapped in a basement... Fantastic!

GS: How long did it all take?

JP: If you consider the time we spent together writing, recording, and mixing, from the first note to the last, I think it took about four months, but if you’re referring to just composing the songs, it took us about three weeks.

GS: Listening to the album, you sense a sort of return to the origins of the Dream Theater sound: was that something you discussed before you started writing the songs?

JP: Oh, absolutely! We knew that was the direction we’d take. Basically, we knew that if we found ourselves writing songs and playing together with the amps cranked like we did when we were kids, the energy would definitely be the same. The sound and atmosphere of early Dream Theater would inevitably resurface... We really wanted to recapture that kind of attitude and that kind of primal energy that can only be created by playing together and giving free rein to instinct: so, nothing too rehearsed or artificial, but a strong desire to play and create music together.

GS: As often happens, especially with highly experienced musicians like you, certain songs come together and materialize quickly, without too many hiccups or special post-production work... But considering the many facets of your music, did you encounter any difficulties?

JP: Yes, of course. I don’t remember exactly which songs gave us a hard time, but I assure you there were moments of second thoughts. You finish your day, and when you’re in bed, before falling asleep, a different arrangement for that part comes to mind... The next morning, you show up in the room and share your concerns with the others: sometimes you’re able to propose the actual new arrangement, while other times you simply try to explain the direction you’d like to take the song, and so we all improvise together until something concrete comes together that everyone is happy with... Sometimes, one track requires more effort and work than others, but the point is that we all have to stay open to new solutions and therefore ready to experiment with different things: you can’t get stuck or get too attached to your initial ideas...

GS: What does the title Distance Over Time mean?

JP: Ah... it seems like a particularly meaningful and important title, but in reality, it was born out of a joke! I was recording the guitars and it was late and, together with my guitar-tech and the engineer, we were joking around between takes trying to find a stupid mathematical formula that summarized the structure of my sound... 4X12=8Ω/6strings... Surreal guitar-nerd stuff! [laughs] At a certain point we arrived at V=D/T (Velocity=Distance/Time) and thought of the letters D and T as the initials of Dream Theater... We thought it was a catchy formula so we wrote it on paper and hung it on the wall. After a while, while trying to come up with a title for the album, our eye fell on that piece of paper on the wall and the engineer exclaimed: “Hey, you should call it Velocity!” At first it seemed like a good idea; On the cover, we could have added the formula D/T and played on the acronym... So, for a while, the album title remained Velocity, but then, thinking about it again, it seemed a bit too banal, lacking in impact. But when I said the words “distance over time,” the sound was much more interesting and poetic... A much more fitting title! A bit like Images and Words, or Six Degrees of Inner Turbulence, A Dramatic Turn of Events... Titles that sound full of meaning but actually came from an absurd pun between one line and another...

GS: And the cover image? It actually seems to recall the themes of The Astonishing... machines, war, humanity, music... Is that so?

JP: To tell you the truth, no. It could be seen that way, as a sort of sequel to the previous album, but the cover image, by Hugh Syme, is simply the product of his artistic imagination.

GS: Even though Distance Over Time isn’t a concept album, there’s a strong connection between the themes explored by the songs on the track listing: interpersonal relationships, social responsibility, responsibility for the future, environmental issues...

JP: Yes, you’re right. It’s not a concept album, and each song has its own life, but at the same time, it’s also true that when you compose music or write lyrics, everything around you and what happens around you ends up becoming a great source of inspiration... How could it be otherwise? So, influenced by all this, each song has its own distinctive themes, and we all wrote the lyrics: partly me, partly James, John, and Mike...

GS: You’re also the album’s producer... the guitar sound is exceptional! Did you use any particular techniques for recording or mixing?

JP: I’m particularly pleased with the final result, both in terms of the album’s overall character and the guitar sound... but I didn’t use any special recording techniques or secret tricks during recording or mixing! I’d say the album’s sound is simply the Dream Theater sound. Above all, we pursued purity... That is, we tried to reproduce the band’s sound as faithfully as possible, just as we perceived it when we played together. When you’re in front of the amp and feel that the guitar sound is exactly what you want and every note satisfies you completely, the only trick is to be able to reproduce that sound and that feeling even when listening to it on the studio monitors.

GS: Even on this album, the coexistence of keyboards and guitar must have been difficult...

JP: Well, yes... but in this case, it’s more about arrangement techniques than recording. And precisely because Distance Over Time relies heavily on particularly aggressive and punchy guitar riffs, such as in ‘Room 137’ or ‘Fall Into The Light,’ the arrangement of the parts was extremely important. I focused a lot on the balance between the keyboard and guitar parts, precisely to avoid losing the guitar’s typical aggressiveness... Jordan, therefore, played a lot of organ parts, and I think that between studying the melodic lines, the chord inversions, and the choice of sounds, the result is just right. I’m happy!

GS: The presence of low frequencies is evident: did you use the 7-string a lot?

JP: No, not really. But the sound is that of the deep low tunings. I used a 7-string for two or three songs, while for ‘Paralyzed’ and the ballad ‘Out of Reach’ I used a baritone guitar. Many songs use six-string guitars with different lowered tunings: ‘Untethered Angel’ is down two steps, ‘At Wit’s End’ is down a step... things like that. In fact, I’ll tell you that this is the first time I’ve used a lower tuning for the 7-string as well: I played ‘Viper King’ on a 7-string with an A on the bass!

GS: ‘Viper King’ is the bonus track and has a very particular character for a Dream Theater track...

JP: That’s true... it has that shuffle feel, a bit à la Deep Purple! [laughs] The funny thing is that during soundchecks or when we warm up, we let ourselves go and play any genre: blues, Latin, shuffle... but never before have we put such elements on record. The groove of ‘Viper King’ is exactly what we played at a soundcheck, a slightly Van Halen-esque jam that we had a lot of fun with and that we decided to include on Distance Over Time precisely because the album’s spirit is very much that of a jam.

GS: Among all these new tracks, is there one you can’t wait to play on stage?

JP: Of course!!! I can’t wait to play ‘Pale Blue Dot’ because I think it’s a perfect piece for a live performance, with that eerie, prophetic intro... I can already see the play of light on stage! Plus, there’s so much energy in the groove and a great instrumental part... I’m sure it’ll be a lot of fun to play that song on stage!

GS: While we’re talking about instrumental parts... How does John Petrucci write his lead parts?

JP: What I absolutely aim for is for the lead part to develop in a way that sounds as interesting and important as the rest of the song. I’m not interested in just throwing in a section where I just roll out a series of notes... A solo or an instrumental part must have a purpose, that is, to convey something and add weight to the song. Sometimes a solo can act as a bridge to tie two sections of the song together; other times the melodic guitar part can add feeling to a particularly touching portion of lyrics, and other times a solo can even lead the song towards its end... In short, there must be a reason why a solo and its notes are there. It must have a purpose on a compositional and conceptual level... I think that’s the best way to approach a solo or, at least, an interesting lead section.

GS: Well, at this point... aside from John Petrucci’s... what do you think is the greatest guitar solo of all time?

JP: Oh my God! [laughs] There are so many... The one that comes to mind right now is in ‘Comfortably Numb’... absolute perfection! [David Gilmour – Pink Floyd – The Wall 1979]

GS: Last question: what advice would you give to a young guitarist who wants to follow in your footsteps?

JP: Let’s put it this way: regardless of all the techniques and theoretical background a guitarist may have, they must never forget what the guitar is. A way to express themselves! Especially in rock and metal, the spirit of rebellion inherent in the electric guitar must also be present in those who play it. If they don’t feel this element under their skin, they lose a lot of expressiveness. Think of Jimi Hendrix or Stevie Ray Vaughan... sure, they’re the best with their special attitude... but let’s take them as an example anyway: their personality shone through in every note and every move they made on stage... You absolutely can’t lose sight of the element that pushed a guitarist to play... I believe that those who are able to “play the guitar like a guitarist”, with body and soul, are able to communicate on any level and reach the hearts of those who listen to them!

Original text

John Petrucci – Distance Over Time

Leggende viventi del panorama prog-metal internazionale, con alle spalle milioni di dischi venduti nel globo, i Dream Theater danno vita a Distance Over Time, 14esimo capitolo della loro entusiasmante storia in uscita il 22 febbraio 2019...

Testo di Gianmaria Scattolin

A tre anni di distanza da The Astonishing (2016 Roadrunner), il 22 febbraio 2019 arriva Distance Over Time, il nuovo atteso album dei Dream Theater. Un nuovo lavoro in studio prodotto dallo stesso John Petrucci, che peraltro segna l’ingresso della band nel roster di InsideOut Music/Sony Music.

Per comporre il materiale destinato al nuovo disco, i Dream Theater si sono riuniti la scorsa estate scegliendo una location alternativa, un posto dove poter lavorare assieme giorno e notte, senza distrazioni. Il Yonderbarn Studio, a Monticello (nello stato di New York) è un posto immerso nel verde, là dove un vecchio fienile è stato trasformato in uno studio di registrazione: ebbene, proprio lì John Petrucci e compagni non solo hanno trovato l’ispirazione per comporre e registrare tutti i brani dell’album, ma si sono ritrovati a respirare la magia degli esordi, quella che alla metà degli Ottanta, ha dato i natali alla band di Boston... Ma lasciamo che sia proprio John a raccontarci come sono andate le cose.

Gianmaria Scattolin: Ciao John, è un piacere averti qui! Abbiamo sentito che vi siete divertiti come matti a scrivere e registrare Distance Over Time, il vostro nuovo album...

John Petrucci: Ehi ragazzi, il piacere è mio nel rivedervi! Sì, è stata un’esperienza davvero eccezionale. Ci siamo divertiti tantissimo!

GS: E’ stata tua l’idea di trovare un posto in cui passare tutto il tempo assieme e trovare l’ispirazione per comporre nuovo materiale?

JP: No, in realtà l’idea è nata chiacchierando con mia moglie. Ci eravamo messi a parlare del nuovo disco, quando se ne è uscita fuori dicendo che se io fossi stato fuori casa per il periodo necessario al disco, per lei non sarebbe stato un problema... Non che mi abbia cacciato di casa! [ride] Tuttavia quelle parole mi hanno fatto pensare che sarebbe potuta essere un’ottima idea. E’ qualcosa che non avevamo mai fatto prima e quando ne ho parlato con gli altri, tutti si sono mostrati entusiasti. Così abbiamo trovato questo posto fantastico tra le montagne dello stato di New York dove non solo potevamo dedicarci al materiale del disco, ma anche vivere insieme, farci una grigliata, rilassarci e chiacchierare non necessariamente di musica e dei nostri brani. Quello che non volevo per questo album, era proprio l’assillo del dover fare e rifare i suoni, prenotare e settare lo studio per ogni fase della preparazione dei brani, richiamare le varie session delle precedenti registrazioni, riascoltare per cercare di ritrovare la giusta atmosfera... Volevo che la band potesse sentirsi libera di esprimersi senza limiti. Quello che abbiamo trovato era un luogo perfetto: uno spazio vuoto già predisposto per diventare uno studio di registrazione, in una location eccezionale. A quel punto, non abbiamo fatto altro che portare tutta la strumentazione e montare ogni cosa... Non ci restava che suonare! Ci siamo trovati così bene, che una volta terminata la composizione dei brani, abbiamo deciso di restare e attrezzare quello spazio anche per la registrazione delle tracce definitive dell’album. Il suono della live room era pazzesco e l’atmosfera era perfetta: sia la regia che la sala di ripresa avevano finestre che davano sul parco circostante, non ci sentivamo rinchiusi in uno scantinato... Fantastico!

GS: Quanto tempo ci è voluto per fare tutto?

JP: Se consideriamo il tempo che abbiamo passato insieme per scrivere, registrare, mixare, dalla prima fino all’ultima nota, credo che siano passati circa quattro mesi, ma se ti riferisci alla sola fase di composizione dei brani, abbiamo impiegato più o meno tre settimane.

GS: Ascoltando il disco si percepisce una sorta di ritorno alle origini del Dream Theater-sound: è qualcosa che avevate discusso prima di dare inizio alla stesura dei brani?

JP: Oh, assolutamente sì! Sapevamo che quella sarebbe stata la direzione che avremmo preso. In pratica, sapevamo che se ci fossi m o ritrovati a scrivere brani e a suonare tutti assieme con gli ampli a palla come quando eravamo ragazzini, sicuramente l’energia sarebbe stata quella. Il sound e le atmosfere dei primi Dream Theater sarebbero inevitabilmente riemersi... Volevamo proprio riprendere quel tipo di attitudine e quel tipo di energia primordiale che solo suonando insieme e dando libero sfogo all’istinto si riesce a creare: dunque, nulla di troppo studiato o artefatto, ma tanta voglia di suonare e di creare musica assieme.

GS: Come capita spesso, soprattutto a musicisti di grande esperienza come voi, certi brani nascono e si concretizzano rapidamente, senza troppi intoppi o particolari interventi di post-produzione... Considerate però le numerose sfaccettature della vostra musica, vi siete ritrovati davanti a qualche difficoltà?

JP: Sì, certo. Non ricordo con precisione i brani che ci hanno dato del filo da torcere ma ti assicuro che ci sono stati dei momenti di ripensamento. Finisci la tua giornata e quando sei nel letto, prima di addormentarti ti viene in mente un diverso arrangiamento per quella parte... Il mattino successivo ti presenti in sala e condividi con gli altri le tue perplessità: qualche volta sei in grado di proporre il nuovo reale arrangiamento, mentre altre volte cerchi semplicemente di spiegare il tipo di direzione che vorresti dare al brano e così si improvvisa tutti assieme sino a quando non nasce qualcosa di concreto che soddisfa tutti... Succede che una traccia richieda più impegno e più lavoro di altre, ma il punto è che tutti noi dobbiamo mantenerci aperti a nuove soluzioni e dunque pronti a sperimentare cose diverse: non ci si può impuntare o restare troppo ancorati alle idee iniziali...

GS: Cosa significa il titolo Distance Over Time?

JP: Ah... sembra un titolo particolarmente significativo e importante ma in realtà è venuto fuori da uno scherzo! Stavo registrando le chitarre ed era tardi e, insieme al mio guitar-tech e al fonico, scherzavamo tra una take e l’altra cercando di trovare una stupida formula matematica che sintetizzasse la struttura del mio suono... 4X12=8Ω/6corde... Roba surreale da guitar-nerds! [ride] A un certo punto siamo arrivati a V=D/T (Velocità=Distanza/Tempo) e pensato alle lettere D e T come le iniziali dei Dream Theater... Ci è parsa una formula accattivante così l’abbiamo scritta su carta e appesa al muro. Dopo un po’ di tempo, mentre cercavamo di trovare un titolo per l’album, l’occhio ci è caduto su quel foglio sul muro e il fonico ha esclamato: “hey, dovreste intitolarlo Velocity!” Dapprincipio mi è parsa una buona idea; sulla copertina avremmo potuto aggiungere la formula D/T e giocare sull’acronimo... Per un po’ di tempo, quindi, il titolo dell’album è rimasto Velocity ma poi, ripensandoci mi è sembrato un po’ troppo banale, poco incisivo. Quando però ho pronunciato le parole “Distance Over Time” [Distanza/Tempo] il suono si è rivelato molto più interessante e poetico... Un titolo decisamente più azzeccato! Un po’ come Images and Words, oppure Six Degrees of Inner Turbulence, A Dramatic Turn of Events... Titoli che hanno un suono denso di significato ma che in realtà sono nati da un gioco di parole assurdo tra una battuta e l’altra...

GS: E l’immagine di copertina? In effetti sembra richiamare i temi di The Astonishing... le macchine, la guerra, l’umanità, la musica... E’ così?

JP: A dire la verità, no. Si potrebbe intendere in quel modo, una sorta di sequel dell’album precedente, ma l’immagine della copertina, opera di Hugh Syme, è semplicemente il frutto della sua immaginazione di artista.

GS: Anche se Distance Over Time non è un concept album, è forte il legame tra le tematiche proposte dai brani in scaletta: le relazioni interpersonali, l’attenzione per il sociale, la responsabilità rispetto al futuro, le tematiche ambientali...

JP: Sì, hai ragione. Non è un concept album ed ogni brano vive di vita propria ma al contempo è anche vero che quando componi musica o scrivi dei testi, tutto quel che ti circonda e che succede intorno a te, finisce per diventare una grande fonte di ispirazione... Come potrebbe essere altrimenti? Dunque, influenzati da tutto questo, ogni brano ha le sue tematiche distintive ed i testi li abbiamo scritti tutti noi: in parte io, in parte James, John e Mike...

GS: Sei anche il produttore dell’album... il suono delle chitarre è eccezionale! Hai utilizzato qualche tecnica particolare per la registrazione o per il mix?

JP: Sono particolarmente contento del risultato finale, sia per quanto riguarda il carattere complessivo dell’album, sia per il sound delle chitarre... ma non ho utilizzato tecniche di ripresa particolari o trucchi segreti in fase di registrazione o mixaggio! Direi che il sound del disco è semplicemente il sound dei Dream Theater. Abbiamo soprattutto inseguito la direzione della purezza... Cioè, abbiamo cercato di riprodurre il più fedelmente possibile il suono della band, così come lo percepivamo suonando assieme. Quando sei di fronte all’ampli e senti che il suono della chitarra è proprio quello che vuoi tu e ogni nota ti soddisfa appieno, l’unico trucco diviene quello di riuscire a riprodurre quel sound e quella sensazione anche ascoltandolo dai monitor dello studio in regia.

GS: Anche in questo album la convivenza tra tastiere e chitarra non deve essere stata una cosa semplice...

JP: Beh sì... ma in questo caso si parla più di tecniche di arrangiamento piuttosto che di registrazione. E proprio perché Distance Over Time punta parecchio su riff di chitarra particolarmente aggressivi e incisivi, come ad esempio in ‘Room 137’ o in ‘Fall Into The Light’, il lavoro di arrangiamento delle parti ha avuto una grande importanza. Mi sono concentrato parecchio sull’equilibrio tra le parti di tastiera e chitarra proprio per evitare che si perdesse l’aggressività tipica del sound di quest’ultima... Jordan, quindi, ha suonato un sacco di parti con l’organo e credo che tra lo studio delle linee melodiche, le inversioni degli accordi e la scelta dei suoni, il risultato sia proprio quello giusto. Sono contento!

GS: E’ marcata la presenza delle frequenze basse: hai utilizzato parecchio la 7corde?

JP: No, non proprio. Però il sound è quello profondo delle accordature basse. Ho usato la 7 corde per due o tre pezzi, mentre per ‘Paralyzed’ e la ballad ‘Out of Reach’ ho utilizzato una chitarra baritono. Molti brani sfruttano chitarre a sei corde con diverse accordature abbassate: ‘Untethered Angel’ è giù di due toni, ‘At Wit’s End’ di un tono... cose cos’i. Anzi, ti dirò che questa è la prima volta che ho sfruttato un’accordatura più bassa anche per la 7 corde: ‘Viper King’ l’ho suonato con una 7 corde con il La al basso!

GS: ‘Viper King’ è la bonus track ed ha un carattere molto particolare per essere una traccia dei Dream Theater...

JP: E’ vero... ha quel feel shuffle, un po’ à-la Deep Purple! [ride] La cosa divertente è che nei soundcheck o quando ci riscaldiamo, ci lasciamo andare e suoniamo qualsiasi genere: blues, latin, shuffle... ma mai prima d’ora abbiamo messo tali elementi su disco. Il groove di ‘Viper King’ è proprio quello che abbiamo suonato in un soundcheck, una jam un po’ à-la Van Halen che ci ha divertito un sacco e che abbiamo deciso di inserire in Distance Over Time proprio perché lo spirito dell’album si rifà molto a quello della jam.

GS: Tra tutte queste nuove tracce, ce n’è una che non vedi l’ora di suonare sul palco?

JP: Certo!!! Non vedo l’ora di suonare ‘Pale Blue Dot’ poiché lo ritengo un pezzo perfetto per il live, con quella intro inquietante e profetica... Mi sembra già di vedere il gioco di luci sul palco! Poi c’è così tanta energia nel groove e una parte strumentale grandiosa... Sono convinto che sarà divertentissimo suonare quel brano sul palco!

GS: Già che stiamo parlando di parti strumentali... Come fa John Petrucci a scrivere le sue parti lead?

JP: Quello a cui miro assolutamente, è che la parte solistica si sviluppi in modo da suonare tanto interessante e importante quanto tutto il resto del brano. Non mi interessa inserire nel pezzo una sezione in cui far rotolare una serie di note tanto per fare... Un assolo o una parte strumentale devono avere uno scopo, ovvero trasmettere qualcosa ed aggiungere peso al brano. A volte un assolo può fungere da bridge per legare due sezioni del brano; altre volte la parte melodica di chitarra può aggiungere sentimento ad una porzione di testo particolarmente toccante, ed altre volte ancora un assolo può anche condurre il brano verso la sua fine... Insomma, ci deve essere un motivo per cui un assolo e le sue note sono lì. Deve avere uno scopo a livello compositivo e concettuale... lo ritengo che sia questo il modo migliore per approcciare un assolo o comunque una sezione lead interessante.

GS: Beh, a questo punto... a parte quelli di John Petrucci... qual è a tuo avviso il più grande guitar solo della storia?

JP: Oh my God! [ride] Ce ne sono tanti... Quello che mi balza adesso in mente è in ‘Comfortably Numb’... la perfezione assoluta! [David Gilmour – Pink Floyd – The Wall 1979]

GS: Ultima domanda: se tu dovessi dare un consiglio a un giovane chitarrista intenzionato a seguire i tuoi passi?

JP: Mettiamola così: al di là di tutte le tecniche e di tutto il background teorico che un chitarrista può avere, non deve mai dimenticare che cos’è la chitarra. Un modo per esprimersi! Soprattutto nel rock e nel metal, lo spirito di ribellione che è insito nella chitarra elettrica deve essere presente anche in chi la imbraccia. Se non avverte questo elemento sottopelle, perde moltissimo anche in termini di espressività. Pensiamo a Jimi Hendrix o a Stevie Ray Vaughan... d’accordo loro sono il top con la loro attitudine speciale... ma prendiamoli comunque come esemplo: la loro personalità traspariva da ogni nota e da ogni loro movimento sul palco... Non si può assolutamente perdere di vista l’elemento che ha spinto un chitarrista a suonare... Credo che chi è in grado di “suonare la chitarra come un chitarrista”, con anima e corpo, sia in grado di comunicare a qualsiasi livello e di raggiungere il cuore di chi lo ascolta!