John Petrucci interview (excerpts)

Nicolas Gricourt: Do you sometimes see your solo career as a kind of laboratory that Dream Theater then benefits from?

John Petrucci: Yes, of course, that can happen. One thing I’ve noticed is that when I was first asked to do G3 in 2001, I didn’t have any solo material and I was playing on stage with guys like Joe Satriani and Steve Vai. That showed me another way to showcase myself as a guitarist, and since then I’ve continued to gain confidence in that area. I think that has clearly rubbed off on Dream Theater, on the way I express myself in the band. So it’s partly about expression, taking the reins and assuming the role of the expressive instrument when necessary. If you listen to some of the tracks that were made from the 2000s onward, after I started my solo career, you’ll hear long melodic sections, which is something I think I’ve become more proficient at through my solo work. You can hear it especially in my solos and my melodic playing. So yes, it’s definitely a place for experimentation for me, or, as you said, a laboratory, where I can explore different things. If I learn something new, I bring it to Dream Theater. And vice versa: on Dream Theater’s last album, Distance Over Time, we made great strides in how we recorded the guitar and in the guitar sound, and I took all that experience and used the exact same method on Terminal Velocity. The two work hand in hand. What I learn in one benefits the other.

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NG: Everyone says that coming out of this crisis, society will be different. Do you think it will be the same for bands, that they might take more time between tours? Because in recent years, we’ve seen a lot of bands burn out because they’re forced to tour so much…

JP: Yes. It’s a difficult situation. If bands have had to tour more and more, it’s because CD and vinyl sales have dropped dramatically, and streaming platforms have taken over with much lower revenue. So bands make their living on the road. I don’t think that will change anytime soon. Even with all the other ways that exist today to connect with people and do streaming events, it’s simply not the same experience, and it’s not financially comparable. I don’t think it will allow most bands to make a living from it, but we’ll see. Maybe the world will transform into a combination of both. I think people, in general, love real concerts, live performances, concert halls, and I think everyone is really eager for that to come back. Clearly, there will be drastic changes; it’s just a question of how long it will last. When everything finally starts to return to normal, what will it look like? Will the venues be half full? I don’t know, but I think that, overall, no matter how long it takes – one, two, three, or four years – it will eventually return to where we were before. Hopefully, people will learn from what we’re going through, and if something like this happens again, we’ll be better equipped to deal with it, having learned from this experience.

NG: One of the unique aspects of this solo album, which has generated a lot of discussion, is that it’s the first album you’ve recorded with Mike Portnoy since Black Clouds & Silver Linings, over ten years ago. We’ve seen, especially in recent years, photos of the two of you having a good time together, but when did the idea of ​​making music together again come about?

JP: I was working on the album and trying to decide who I needed to play drums on it; I wasn’t 100% sure. I was talking to Mike about something else around the same time, and I took the opportunity to tell him I was working on this album. He said, “If you need anyone, I’m here!” I didn’t think much of it at the time. My family – my wife and kids – really wanted Mike to play on the album. Every day, when I was trying to think of a drummer, they were like, “You should ask Mike! You should ask Mike!” Then, at one point during the pandemic, like we talked about earlier, I woke up one day and thought, “You know what? Life is too short. It’s really weird and surreal what’s happening in the world right now.” I’m going to ask Mike because I want him to do it, I want us to reconnect musically, and I think he’ll do a great job.” So I got up one morning, made that decision, called him, and he agreed. It was somewhere during the album writing process, maybe after a month or a month and a half.

NG: How has your relationship with Mike been over the last ten years?

JP: It’s been very good. Well, at the beginning, after he left, we had a lot to do with the band. Then, obviously, when someone leaves like that, you don’t get much of a chance to talk to them for a while, you don’t see each other anymore. But our families are close, our wives and children are all close and have stayed in touch. Little by little, over the years, we started seeing each other again at different events, during certain holidays, and so on. We saw each other more and more and reconnected, but it’s very different when you’re in a band with someone you see all the time for twenty-five years, someone you travel with, live with, record with, do business with, and then suddenly they’re no longer there. A distance grows. Fortunately, Mike and I maintained our friendship, and today I’m lucky enough to have my friend, whom I met when I was eighteen, playing drums on my solo album. It’s very exciting for me. I’m very happy that our relationship didn’t take a weird turn or anything like that and that we were able to remain friends, and here we are making music together again.

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NG: It’s clear that Terminal Velocity has that special chemistry that you and Mike were known for...

JP: Awesome! Thank you. Again, we met at eighteen at Berklee College of Music, we started writing music together a long time ago, and we’ve played together a lot, not just making studio albums, but touring too – with countless shows and everything. Musically, when you have that kind of relationship with someone, whether it’s me and John Myung, me and Jordan [Rudess], when you play with someone for a long time, you get a kind of instinctive chemistry. When the person plays something, you know almost instantly how to react, and they know how to respond to you. People call it chemistry, knowing how to react to each other. Again, Mike did a great job doing that. Besides, you heard all the different styles on my album, so it required a drummer who could play a whole range of things, from double bass drum rock and metal to shuffle rock and roll, pop-punk, Latin music, blues, and so on. Mike can play all of that really well, and he was very relaxed in the studio. It took him about six days to do the whole thing. It’s a great job!

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NG: You’re one of the main – if not the main – creative forces in Dream Theater, and this solo album is sure to please Dream Theater fans in many ways. But how different is your approach to a solo instrumental track compared to a Dream Theater song? Are the expectations, both yours and those of the fans, very different?

JP: With solo music, it’s just me, so there’s no interaction with other members. All the ideas and decisions are mine – where I want to take the song, and so on. Similarly, the guitar is the sole focus in solo music, so I don’t share it with vocals, keyboards, or anything else. The guitar takes on the role of the lead guitarist, the singer, and everything else. Dream Theater, obviously, is a band, so it’s more interactive. There are more conceptual elements involved in the music writing process. There are lyrics and vocals to consider, there’s more instrumentation, everyone in the band plays equally, it’s not centered on one person, it’s centered on everyone. Furthermore, when there are vocals, it’s something you have to deliberately think about during the composition process; you can’t just write an instrumental piece and then throw vocals on haphazardly. You have to compose knowing that certain parts of the song are intended to accommodate vocals, so that helps with the arrangements later. It’s something we’re very aware of when composing the music. So it’s a slightly different mindset compared to Dream Theater and my solo album.

NG: When you come up with a riff, how do you decide whether to use it with Dream Theater or keep it for yourself?

JP: Sometimes it’s very clear when a riff or an idea is better suited to my solo album, and sometimes it’s not so clear. If you listen to a song like ‘Temple of Circadia,’ it could have been a riff or a song for Dream Theater. It’s just that I make the decision and say, “I want to use this for my solo album” or “I think this would be cool in Dream Theater, so I’ll put it aside.” I don’t know exactly how I make the decision; it happens in the moment, like, “Okay, I’m going to use this” or “I’m going to keep it.” I don’t overthink it because there will always be another idea, there will always be another riff. I’m never short of creativity. So it doesn’t worry me.

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NG: Don’t you also need to find your sound together with the rest of the band and involve your colleagues in some way so that the sonic spectrum is complementary and the band sound is cohesive?

JP: I don’t necessarily involve them, but I think it happens organically, especially when we’re recording and producing albums. I’ve always thought that the guitar sound plays a big part in defining a band’s style. The way the guitar sounds in a band can make it heavy or light or jazzy or funky or bluesy or whatever. The guitar sound is very important in defining the overall sound. I think that when you start bringing in the other instruments, they all start influencing each other, but I don’t really involve the other guys in developing my sound or my gear. It’s just something I do on my own, and I think everyone contributes to working on the overall sound alongside that.

NG: So you’re saying it’s more your guitar sound that influences the sound of the rest of the band, John Myung’s bass sound, or the sounds Jordan uses on his keyboard?

JP: Sometimes, yes. It’s part of the production and orchestration process, and it’s also part of the mixing, because you have to find a place where everything can exist and work together. That’s the job of an excellent mixing engineer. On Dream Theater’s last album, Distance Over Time, Ben Grosse did a fantastic job making everything sound beautiful together. I also think that on my solo album, Andy Sneap, who I worked with for the first time, did a great job making the bass, guitar, and drums sound good. And sometimes all the instruments influence each other. You have to be careful. If the guitar has a certain type of distortion sound and you want to add distortion to the bass, you have to be careful how you add the distortion to the bass, because it can interfere with the guitar and vice versa. All of this comes into play largely when I put on my producer hat, and it’s even more the job of an excellent mixing engineer.

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NG: You’ve said that you’ll be working on a new Dream Theater album this fall: do you already have an idea of ​​the direction you’re going to take with the band this time?

JP: I do have an idea, yes, but it’s not something I can really divulge. I’ve been thinking about it a lot and I’m super excited. Given the situation with the pandemic, the fact that we can’t tour anymore, etc., we decided to move up our schedule and go back into the studio this year. The album we’re currently working on will be released at the end of 2021. We also have a new Blu-ray, DVD, and CD of the Distance Over Time tour coming out soon, shortly before the end of the year. That’s something I’m really looking forward to as well.

NG: I know you guys loved living, writing, and recording together for four months, bonding through the music for Distance Over Time. When the album came out, James LaBrie told us you’d be “crazy not to consider that option again.” So, what’s the plan in that regard?

JP: Yeah, actually, we’re probably not going to be able to do it that way again now. So, we’ll probably find another way of doing things. It’s not the same now. Obviously, we didn’t know what was going to happen in the world. We really had a blast, we loved doing it, but I think this time we’re going to do it a little differently.

Original text

Nicolas Gricourt : Vois-tu parfois ta carrière solo comme un genre de laboratoire dont Dream Theater profite ensuite ?

John Petrucci : Oui, bien sûr, ça peut arriver. Une des choses que j’ai remarquées est que, quand on m’a demandé pour la première fois de faire le G3 en 2001, je n’avais pas de morceaux solos et je jouais sur scène avec des gars comme Joe Satriani et Steve Vai, ça m’a montré une autre manière de se mettre en avant en tant que guitariste et depuis je n’ai cessé de gagner en assurance dans ce domaine. Je pense que ça a clairement déteint sur Dream Theater, dans ma manière de m’exprimer dans le groupe. C’est donc en partie de l’expression, le fait de prendre les rênes et d’assumer le rôle de l’instrument expressif quand c’est nécessaire. Si vous prenez certains morceaux qui ont été faits à partir des années 2000 après le début de ma carrière solo, vous entendrez de longues sections mélodiques qui sont quelque chose pour lequel, je pense, j’ai développé une plus grande compétence grâce à ma carrière solo. On l’entend surtout dans mes solos et dans mon jeu mélodique. Donc oui, c’est clairement un lieu d’expérimentation pour moi ou, comme tu l’as dit, un laboratoire, où je peux explorer différentes choses. Si j’apprends quelque chose de nouveau, je l’apporte dans Dream Theater. Et vice versa : sur le dernier album de Dream Theater, Distance Over Time, nous avons fait de grands progrès sur notre manière d’enregistrer la guitare et sur le son de guitare, et j’ai pris toute cette expérience et j’ai utilisé exactement la même méthode sur Terminal Velocity. Les deux fonctionnent main dans la main. Ce que j’apprends dans l’un bénéficiera à l’autre.

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NG : Tout le monde dit qu’à la sortie de cette crise, la société sera différente. Penses-tu que ce sera pareil pour les groupes, qu’ils prendront peut-être plus de temps entre les tournées ? Car ces dernières années, on a vu beaucoup de groupes faire des burn-out, car ils sont obligés d’énormément tourner…

JP : Oui. C’est une situation difficile. Si les groupes ont dû tourner de plus en plus, c’est parce que les ventes de CD et vinyles ont énormément baissé et que les plateformes de streaming ont pris le relais avec une bien moindre rémunération. Les groupes gagnent donc leur vie sur la route. Je ne pense pas que ça changera de sitôt. Même avec tous les autres moyens qui existent aujourd’hui de se connecter aux gens et de faire des événements en streaming, ce n’est tout simplement pas la même expérience et ce n’est pas comparable financièrement, je pense que ça ne permettra pas à la plupart des groupes d’en vivre, mais on verra. Peut-être que le monde se transformera en une combinaison des deux. Je pense que les gens, en général, aiment les vrais concerts, les prestations en live, les salles de concerts, et je pense que tout le monde a très envie que ça revienne. Il est clair qu’il y aura des changements drastiques, il s’agit juste de savoir combien de temps ça va durer. Quand finalement tout commencera à revenir, à quoi ça ressemblera ? Est-ce que les salles seront à moitié pleines ? Je ne sais pas, mais je pense que, dans l’ensemble, peu importe le temps que ça prendra, que ce soit un, deux, trois ou quatre ans, ça finira par revenir au même stade où nous en étions avant. Avec un peu de chance, les gens apprendront de ce que l’on vit et si quelque chose comme ça se représente un jour, nous saurons mieux y faire face, en ayant appris de cette expérience.

NG : L’une des particularités de cet album solo, qui a fait couler beaucoup d’encre, est le fait que c’est le premier album que tu enregistres avec Mike Portnoy depuis Black Clouds & Silver Linings, il y a plus de dix ans. On a vu, surtout ces dernières années, des photos de vous deux passer du bon temps ensemble, mais quand l’idée de refaire de la musique ensemble est-elle venue ?

JP : J’étais en train de travailler sur l’album et j’essayais de décider qui il me fallait pour jouer la batterie dessus, je n’étais pas sûr à cent pour cent. J’ai parlé à Mike d’autre chose à la même période, j’en ai profité pour lui dire que j’étais en train de travailler sur cet album et il m’a dit : « Si tu as besoin de quelqu’un, je suis là ! » Je n’y ai pas trop réfléchi sur le moment. Ma famille, ma femme et mes enfants, voulait vraiment que Mike joue sur l’album. Tous les jours, quand j’essayais de penser à un batteur, ils étaient là : « Tu devrais demander à Mike ! Tu devrais demander à Mike ! » A un moment donné, durant la pandémie, comme on en a parlé plus tôt, je me suis réveillé un jour et je me suis dit : « Tu sais quoi ? La vie est trop courte. C’est vraiment bizarre et irréel ce qui est en train de se passer dans le monde aujourd’hui. Je vais demander à Mike parce que j’ai envie qu’il le fasse, j’ai envie qu’on se retrouve musicalement et je pense qu’il fera du super boulot. » Je me suis donc levé un matin, j’ai pris cette décision, je l’ai appelé et il a accepté. C’était quelque part durant le processus de composition de l’album, peut-être après un mois ou un mois et demi.

NG : Comment a été ta relation avec Mike au cours des dix dernières années ?

JP : Elle a été très bonne. Enfin, au début, après son départ, nous avions beaucoup à faire avec le groupe. Puis, évidemment, quand quelqu’un part comme ça, tu n’as plus trop l’occasion de lui parler pendant un certain temps, vous ne vous voyez plus. Mais nos familles sont proches, nos épouses et enfants sont tous proches et sont restés en relation. Petit à petit, au fil des années, nous avons commencé à nous revoir à l’occasion de différents événements, pendant certaines fêtes, etc. Nous nous sommes de plus en plus vus et nous avons renoué davantage nos liens, mais c’est très différent quand on est dans un groupe avec quelqu’un qu’on voit tout le temps pendant vingt-cinq ans, avec qui on voyage, on vit, on enregistre, on fait du business, et tout d’un coup il n’est plus là. Une distance s’installe. Heureusement, pour Mike et moi, nous avons conservé notre amitié, et aujourd’hui j’ai la chance d’avoir mon ami que j’ai rencontré quand j’avais dix-huit ans qui joue de la batterie sur mon album solo. C’est très excitant pour moi. Je suis très content que notre relation n’ait pas pris un tournant bizarre ou quoi que ce soit de ce genre et que nous ayons pu rester amis, et nous voilà à refaire de la musique ensemble.

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NG : Il est clair qu’on retrouve sur Terminal Velocity cette alchimie particulière pour laquelle Mike et toi étiez connus…

JP : Génial ! Merci. Encore une fois, nous nous sommes rencontrés à dix-huit ans au Berklee College of Music, nous avons commencé à écrire de la musique ensemble il y a longtemps et nous avons beaucoup joué ensemble, pas seulement en créant des albums studio, mais en tournée aussi – avec d’innombrables concerts et tout. Musicalement, quand tu as ce genre de relation avec quelqu’un, que ce soit moi et John Myung, moi et Jordan [Rudess], quand tu joues avec quelqu’un pendant longtemps, tu obtiens une sorte d’alchimie instinctive, quand la personne joue quelque chose, tu sais presque instantanément comment réagir et elle sait comment te répondre. Les gens appellent ça l’alchimie, le fait de savoir comment réagir l’un par rapport à l’autre. Encore une fois, Mike a fait du super boulot en faisant ça. En plus, tu as entendu tous les styles différents présents sur mon album, ça nécessitait un batteur capable de jouer tout un tas de choses différentes, de la double grosse caisse rock-metal, mais aussi du shuffle rock n’ roll, de la pop-punk, de la musique latine, du blues, etc. Mike est capable de jouer tout ça très bien et il était très décontracté au studio. Il lui a fallu à environ six jours pour faire l’ensemble. C’est du super boulot !

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NG : Tu es l’une des principales – si ce n’est la principale – forces créatives dans Dream Theater, et cet album solo va assurément plaire aux fans de Dream Theater à bien des égards. Mais à quel point ton approche d’un morceau instrumental en solo est-elle différente d’une chanson de Dream Theater ? Est-ce que les attentes, que ce soit de ta part ou même de celle des fans, sont très différentes ?

JP : Avec la musique solo, il n’y a que moi, donc il n’y a aucune interaction avec d’autres membres, toutes les idées et les décisions sont les miennes, où j’ai envie d’emmener la chanson, etc. De même, la guitare est le seul centre d’attention dans la musique solo, donc je ne partage pas ce dernier avec du chant, des claviers ou autre chose. La guitare prend le rôle du soliste, du chanteur et tout. Dream Theater, évidemment, c’est un groupe, donc c’est plus interactif, il y a des choses plus conceptuelles qui entrent en ligne de compte dans l’écriture de la musique, il y a des paroles et du chant à prendre en compte, il y a plus d’instrumentation, tout le monde dans le groupe joue à égalité, ce n’est pas centré sur une personne, c’est centré sur tout le monde. En plus, quand on a du chant, c’est quelque chose auquel il faut délibérément penser au moment de la composition ; on ne peut pas se contenter d’écrire un morceau instrumental et ensuite balancer du chant dessus n’importe comment, il faut composer en sachant que certaines parties de la chanson sont prévues pour accueillir du chant, ainsi ça aide pour ensuite faire les arrangements. C’est quelque chose dont on est très conscients au moment de composer la musique. Donc c’est un état d’esprit un petit peu différent si on compare Dream theater et mon album solo.

NG : Quand tu trouves un riff, comment décides-tu si tu l’utilises avec Dream Theater ou si tu te le gardes pour toi ?

JP : Parfois c’est très clair quand un riff ou une idée sont plus adaptés à mon album solo et parfois ce n’est pas clair. Si tu écoutes une chanson comme « Temple Of Circadia », ça aurait pu être un riff ou une chanson pour Dream Theater. C’est juste que je prends la décision et je dis : « Je veux utiliser ça pour mon album solo » ou « Je pense que ce serait cool dans Dream Theater, alors je le mets de côté ». Je ne sais pas exactement comment je prends la décision, ça se fait sur le moment, genre : « D’accord, je vais utiliser ça » ou « Je vais le garder ». Je n’y réfléchis pas trop, parce qu’il y aura toujours une autre idée, il y aura toujours un autre riff. Je ne manque jamais de créativité. Donc ça ne m’inquiète pas.

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NG : N’as-tu pas aussi besoin de trouver ton son conjointement avec le reste du groupe et d’impliquer, d’une manière ou d’une autre, tes collègues afin que le spectre sonore soit complémentaire et que le son de groupe soit cohérent ?

JP : Je ne les implique pas forcément, mais je pense que ça se fait de manière organique, surtout quand on enregistre et produit les albums. J’ai toujours pensé que le son de guitare participait en grande partie à définir le style d’un groupe. La manière dont sonne la guitare dans un groupe pourrait le rendre lourd ou léger ou jazzy ou funk ou bluesy ou peu importe. Le son de guitare est très important pour définir le tableau sonore global. Je pense que quand on commence à amener les autres instruments, ils commencent tous à s’influencer mutuellement, mais je n’implique pas vraiment les autres gars pour développer mon son ou mon matériel. C’est juste quelque chose que je fais de mon côté et je pense que tout le monde contribue à travailler sur le son global en parallèle de ça.

NG : Tu veux donc dire que c’est plus ton son de guitare qui influence le son du reste du groupe, le son de basse de John Myung ou les sons qu’utilise Jordan sur son clavier ?

JP : Parfois, ça se peut oui. Ça fait partie de la production et du travail d’orchestration, ça fait aussi partie du mixage, car il faut pouvoir trouver une place où tout peut exister et fonctionner ensemble. C’est le boulot d’un excellent ingénieur de mix. Sur le dernier album de Dream Theater, Distance Over Time, Ben Grosse a fait un boulot fantastique pour que tout sonne magnifiquement ensemble. Je trouve aussi que sur mon album solo, Andy Sneap, avec qui j’ai travaillé pour la première fois, a fait du super boulot pour bien faire sonner la basse, la guitare et la batterie. Et parfois tous les instruments s’influencent mutuellement. Il faut faire attention. Si la guitare a un certain type de son de distorsion et que tu veux ajouter de la distorsion à la basse, il faut faire attention à la manière dont on ajoute la distorsion sur la basse, parce que ça peut interférer avec la guitare et vice versa. Tout ça, ça intervient en grande partie quand je mets ma casquette de producteur et c’est même encore plus le boulot d’un excellent ingénieur de mix.

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NG : Tu as déclaré que vous alliez travailler sur un nouvel album de Dream Theater cet automne : as-tu déjà une idée de la direction que vous allez prendre avec le groupe cette fois ?

JP : J’ai effectivement une idée, oui, mais ce n’est pas quelque chose que je peux vraiment divulguer. J’y ai beaucoup réfléchi et je suis surexcité. Vu la situation avec la pandémie, le fait qu’on ne puisse plus tourner, etc., nous avons décidé d’avancer notre planning et de retourner en studio cette année. L’album sur lequel nous sommes en train de travailler sortira fin 2021. Nous avons aussi un nouveau Blu-ray, DVD et CD de la tournée Distance Over Time qui sortira bientôt, peu avant la fin de l’année. C’est aussi quelque chose que j’attends avec impatience.

NG : Je sais que vous aviez adoré vivre, composer et enregistrer ensemble pendant quatre mois, à nouer des liens au travers de la musique pour Distance Over Time. Au moment de la sortie de l’album, James LaBrie nous avait dit que vous seriez « fous de ne pas considérer cette option à nouveau ». Du coup, qu’est-ce qui est prévu à cet égard ?

JP : Oui, en fait, nous n’allons probablement pas pouvoir refaire ça maintenant de cette manière. Nous allons donc probablement trouver une autre manière de faire les choses. Ce n’est plus pareil aujourd’hui. Evidemment, nous ne savions pas ce qui allait se passer dans le monde. Nous nous étions effectivement éclatés, nous avons adoré faire ça, mais je pense que cette fois nous allons faire un petit peu différemment.