John Petrucci & John Myung Interview: The Return of Mike Portnoy

Given the sensational fact that original drummer Mike Portnoy has returned to Dream Theater, the music of the new studio album, Parasomnia, almost threatens to fade into the background. Yet there’s much to talk about regarding what is arguably the hardest and darkest album in the band’s history, and about guitar work that is once again excellent, boasting a multitude of brutal riffs and virtuosic solos. But of course, for the sake of better understanding, we first had to ask guitar virtuoso John Petrucci about the album’s most exciting personnel change (see above), also to understand why many fans have been indulging in nostalgia ever since.

John Petrucci

Matthias Mineur: John, has Dream Theater become a new band after Mike Portnoy’s return, or, on the contrary, are they currently more backward-looking?

John Petrucci: As you know, we have a long career behind us. We’re currently celebrating our 40th anniversary with a big tour, and we’ll soon be releasing our 16th studio album, so there are a lot of things, a routine, that have remained the same over all these years. That also applies to most of our backstage staff. What’s new is that we’ve welcomed back a family member in Mike. Mike and I have known each other almost our entire lives; we met at Berklee when we were 18, and that’s why we have such a close relationship. Having him back in Dream Theater feels a bit nostalgic, of course, but at the same time, it’s mostly fresh, new, and exciting.

MM: What had to happen for Portnoy to return to Dream Theater? What made him change his mind, and what did your bandmates say about it?

JP: Mike’s wish wasn’t something that had been brewing for months or years; it was brought to our attention very suddenly. So we didn’t think about it for long; we decided spontaneously. There was an initial conversation between Mike and me, and then between the band and me, and we all agreed that, given the 40th Anniversary Tour, the timing and circumstances were perfect to put this idea into action. From there, it was a short step to going straight into the studio and recording a new album. Everyone in the band was on board, so thankfully, the transition was not dramatic and completely natural.

MM: Would you agree that Parasomnia is the heaviest album in Dream Theater’s career? And is there a specific reason for that?

JP: Yes, I would actually agree with you, and the reason lies in the album title, Parasomnia. I’d had the term in the back of my mind for a few years and thought it would be a good fit for a Dream Theater album. For those unfamiliar with the term, it’s a general term for various types of sleep disorders. For people with these problems, sleep disorders are a difficult and precarious matter, often accompanied by nightmares, sleepwalking, mental health issues, and so on. This title alone automatically led to a harder, darker direction for the songs. Then, of course, there was Mike’s return, which was very inspiring and compositionally influential for me, resulting in more riffs, more hard-hitting rhythm sections, perhaps comparable to albums like Train Of Thought or Systematic Chaos.

MM: While it wasn’t the first time Mike had recorded at the band’s own DTHQ studio, it was the first time he had worked there for Dream Theater.

JP: That’s right, he already recorded the drums for my solo album Terminal Velocity here back in 2020, and the recordings for Liquid Tension 3 also took place here a year later. So he was familiar with the studio’s layout. But in a way, it was a new experience for all of us, because about a year ago we expanded the studio complex and created a fantastic new live room, much larger than the previous ones. For the first time, we were able to fit a grand piano there, which is, of course, a great source of inspiration. So, producing Parasomnia was a new experience for all of us.

MM: What was in the new room before?

JP: It was a storage room for our equipment. Then another storage room became available right next door, so we were able to move our gear there and convert the old storage room into the studio. The room is huge and it helps us a lot; you can see it in the video that Ernie Ball Music Man released in light of the new 10th Anniversary Majesty guitar. There’s room in this space for everything we need, including Mike’s big double bass drum kit.

MM: Looking at the new album from the perspective of rhythm guitarist John Petrucci, is there anything new that wasn’t there before Mike left, anything that shows an evolution or change in his style?

JP: I don’t think anything fundamental has changed. Mike has always been a fantastic drummer; his skills have just gotten better over the years. Working together during the songwriting process felt very similar to Black Clouds And Silver Linings, the last Dream Theater album we wrote with him 15 years ago. It was almost as if we hadn’t left the studio at all. For me as a producer, it was simply a real joy to see how quickly Mike worked. He needed two, maybe three takes per song, and that was it. He’s always incredibly well-prepared and knows exactly what he wants. What strikes me is Mike’s ability to let a song breathe. One section is played hard and fast, the next a bit more laid-back and slower, which gives the tracks dynamics and personality.

MM: At the same time, all Dream Theater songs remain predominantly guitar-driven.

JP: Of course, my guitar remains the band’s most important songwriting instrument. So, I’m not just the album’s producer, but I also contribute the majority of the ideas. This starts long before the studio session and, in the case of Parasomnia, is based on my goal of using the album title as a springboard to experiment with different scales and modes. So I went into the studio very well prepared, and when the whole band gets involved, the song ideas become so much more than just the work of a single composer. That’s why Dream Theater sounds so unique, because it’s a collaboration of five different songwriters and creative musicians. Dream Theater considers itself a progressive metal band, with an emphasis on metal, and therefore the heaviness and complexity primarily come from the guitars and drums, with all the riffs and hooks that are important to us.

MM: Do you make regular demos of your ideas before a studio session?

JP: I wouldn’t call them regular demos. They’re more like memo recordings, some on my phone, just for reference. Before we meet in the studio, I look through the memos, learn the riffs, and then play them live for my bandmates. Sometimes I even go to the studio before everyone else and record an idea, but never in a concrete song form. Instead, I record it without bass, drums, or keyboards – just the guitar, the riffs, the chord progression, the melody. Most of the time, though, it’s simply better to play the riffs live; then the others get a better feel for the intended mood.

MM: What equipment did you use to record Parasomnia?

JP: Of course, only Music Man Majesty models were used – six-, seven-, and eight-string versions. For the rhythm tracks, I used my Mesa/Boogie Signature JP-2C amp, and for the solos, one of my vintage Mark IIC+ Simul-Class amps from the eighties. For the clean parts, because of Mike’s return, I went for a bit of nostalgia and used a Roland JC-120; those chorus sounds come from the Roland. Effects pedals were only used occasionally. On one song, it was an MXR chorus in front of the amp, another time it was a TC Electronic 2290 in the amp’s effects loop, and on ‘Midnight Messiah,’ I used an MXR phaser. I played the beginning of ‘Bend The Clock’ with a Keeley Noble Screamer. One great thing was that we were able to track down and buy the original Neve preamps, which we’d already used on tracks like Images And Words, Scenes From A Memory, Six Degrees Of Inner Turbulence, and Train Of Thought. We contacted our former sound engineer, Doug Oberkircher, and bought the units from him. With the Neves, we created a wonderfully warm guitar sound.

MM: So, once again, no plug-ins, but still digital equipment?

JP: Not for the guitar amps; the actual sounds come from real amps with real cabinets. But we did use plug-ins for the delays and a few special effects. The solo in ‘Night Terror’, for example, came from a TC Electronic plug-in.

MM: What tunings did you use for the guitars? What keys are featured on Parasomnia?

JP: The new album is very multifaceted in terms of content, which is why I deliberately used different tunings and keys. In the overture, ‘In The Arms Of Morpheus,’ it’s an eight-string Majesty in standard tuning, so with the low string in F#. ‘Night Terror’ is in standard tuning, and in ‘A Broken Man,’ the guitar is tuned a whole step lower to D. My favorite song is called ‘Dead Asleep,’ and it’s in drop B♭, so the entire guitar is tuned to C, with the lowest string in B♭. Zakk Wylde, who was a guest at one of my camps and with whom I jammed on a few Black Label Society tracks, gave me the idea. It’s a really heavy tuning that Ozzy also loves. ‘Midnight Messiah’ is in C, so the guitar is tuned two whole steps lower. ‘Bend The Clock’ and ‘The Shadow Man Incident,’ incidentally the only song with a seven-string, are in standard tuning.

MM: So you’ll have to bring a range of guitars to the shows to cover all the tunings.

JP: Right, but you can only play these songs in their original tunings; otherwise, they’d sound completely different. The tuning always determines the character of a song.

MM: Speaking of character: Were the lyrics written before the music? And who wrote them?

JP: The lyrics were written after the music, although the album title was already decided. The idea was to put all the songs under a specific theme; Mike even spoke of a kind of concept album where all the tracks are connected, like The Dark Side Of The Moon. But the lyrics were written last. One is by Mike, two by James, and the rest are by me. It was a lot of fun, especially writing the lyrics for ‘The Shadow Man Incident’ – it was pure enjoyment.

MM: Finally, please give us a brief overview of your activities as an endorser in 2025!

JP: Sure. A few things have already been announced, such as the 1x12 combo from Mesa/Boogie and the 10th Anniversary Edition of my Majesty signature guitar, which first appeared in the video for ‘Night Terror’. The most striking feature is the fantastic Larry DiMarzio pickup covers with the Majesty logo – really cool. In the coming months, there will be a few new products from my own company, Tonemission, and I’m currently working on a really exciting project, about which I can’t say anything concrete yet, except that it will help musicians achieve an incredibly good guitar sound. I’ll get in touch when there’s more to share.

John Myung

We try to find out what significance Mike Portnoy’s return has for Myung’s bass playing in an in-depth conversation with the rather taciturn American.

Matthias Mineur: Good morning, John, you still look a bit tired. Are you well rested?

John Myung: I have to admit that I just woke up. We finished our European tour last night, and I’m off to the airport now, from where we’ll be departing sometime today or tomorrow morning. But I’m feeling good overall, because it was a great European tour.

MM: First of all, congratulations on another great Dream Theater album. Could you please explain what ambitions, goals, and visions you had for the new record, especially compared to previous Dream Theater albums?

JM: Our goal was to reconnect with, or rather return to, the earlier chemistry within the band and to rediscover the mentality we had at the beginning of our career. I think we’ve succeeded in doing that. It felt great from the start. I came into the studio, we started playing right away, and it was just like how we used to work on albums. It was fun to rediscover that way of working and to be creative together with our original drummer again. A great experience, and I suspect our fans will feel the same way.

MM: Could you describe the playing differences between Mike Portnoy and his successor/predecessor, Mike Mangini, from the perspective of the Dream Theater bassist, and what this means for your own playing?

JM: Generally, I try to keep things as simple as possible, even if a part sounds quite complicated. Are there differences between Mangini and Portnoy? I think there’s a complexity you feel, but also a complexity you don’t. I generally tend towards simplicity and therefore try to focus on a specific feeling and consistently reproduce that feeling musically – in other words, to play clearly identifiable notes.

MM: Would you say that Mike Portnoy’s return has influenced the band’s songwriting more in the direction of your earlier albums? Or has it just taken on a different rhythmic aspect?

JM: It’s more than that. You know, timing is everything. The tempo colors a song in a certain way. It’s about the groove and how you articulate and interpret it. In that respect, the chemistry is right in Dream Theater because Mike, John, and I grew up together. We listened to and loved the same bands in our youth, especially Rush and Iron Maiden. So, when we consciously draw inspiration from our influences, Mike hears the same thing I hear without me having to explain it. It’s funny: Mike always has a kind of whiteboard with him when we’re writing songs, and on it, the different parts are named after specific bands. So, for example, there’s a Rush part, an Iron Maiden part, a Tool part. Of course, these are just stylistic references to illustrate what we’re each thinking about. I think that’s precisely where the chemistry within Dream Theater runs deeper, because none of us have to explain our inspirations. It’s like a foundation, a deeper understanding that doesn’t need to be explicitly put into words. You feel it, you understand it, and you grasp it immediately. And when that happens, the songwriting flows effortlessly. It flows completely naturally, as if guided by an unseen hand.

MM: Did the entire band write all the songs on the new album together?

JM: Yes.

MM: So you met in your studio and developed every single song with the entire band?

JM: We tinkered with an idea for so long until it felt just right and everyone was satisfied. We simply kept working on individual parts, and from that, new ideas developed – a completely natural process that was a lot of fun. This way of working helps me understand what we’re actually doing. Since we’ve gone through these processes so often in the past, you might think they always work automatically. But they don’t, because people are involved in these processes, so it’s different every time. Every single one of us present during these processes is an important piece of the puzzle. The current lineup at Dream Theater has all the necessary components, which is very important and something you should always keep in mind when working together. For me, this was a crucial realization.

MM: Did you change your equipment for the recording of Parasomnia? What basses, amps, and effects did you use this time?

JM: Of course, I played my Music Man Bongo Signature again, which is currently available in some new finishes. The Bongo is the most important foundation of my sound, and I also frequently use Neve plug-ins, EQs, and compressors, as well as a Rupert Neve Shelford Channel – all those things. Basically, it’s just a standard combination of pedals and plug-ins.

MM: Did you play through a tube amp or directly into the mixing console?

JM: I played directly into the board. However, I have experimented with a Suncoast preamp live a few times, because I particularly like the Pearce BC-1, which I used back in the late eighties and early nineties and which was then still built by Dan Pearce. The company has since been sold; it’s now called Suncoast and makes preamps that were previously manufactured by Pearce. For me, they deliver the best solid-state sound and the ultimate tone for the stage. I’m very happy with it because I know my bass lines can really cut through the mix.

MM: What tunings did you use on the new album? Did your tuning differ from Petrucci’s guitars?

JM: That’s a good question, because I know John experimented with different tunings, which I didn’t. I did take inspiration from what he was playing and, of course, adapted my playing accordingly, but without changing my own tuning. In my opinion, it alters the feel too much if the string tension isn’t consistent. If the string tension is uneven or too high, it can create unwanted pressure on the neck and doesn’t feel good because it’s less easy to play. I’d have to look at my notes again more closely, but I’m pretty sure I stayed in standard tuning throughout the new album, with maybe one exception. For me, it’s all about the string tension, because as soon as you start experimenting with it, everything changes.

MM: You played exclusively with your fingers, right?

JM: Yes, absolutely everything with my fingers.

MM: Some metal bassists claim that the tone sounds even more defined with a pick, since you can hit harder. What’s your take on that?

JM: I like playing with my fingers because, in my opinion, it allows for a greater variety of sounds, depending on whether you use your index or middle finger. Depending on the tempo of a part, you can simplify it and hit harder by using only your index finger. And when it gets really fast, you can simply use two fingers, or even three if needed. That works very well for my sound; it gives me a wonderfully clear tone. At the same time, it can be a cool challenge to limit yourself to just one finger; it has something to do with hand energy. Nevertheless, I also like the sound with a pick; many bassists sound really good when they play with a pick.

MM: Were there phases in your career when you experimented with using a pick?

JM: Yes, there were, but it didn’t work for me. There are many different ways to strike a string with your fingers. You can pluck it, you can play it softly, or you can strike it hard. Your own hands offer you a wide range of possibilities, which is what I like and why I stick with it. This way I can cover a broader spectrum. Of course, I also like the sound with a pick, but at some point in my career, I reached a point where I had to choose one playing style over the other, and I chose my fingers.

MM: Do you still practice every day?

JM: You have to play every day simply to maintain the physical aspect of your musical abilities. It’s very important to stay in shape and train the muscles in your hands. I usually practice by playing songs and memorizing them at the same time. I try to harmonize my parts with the structure of a song as best as possible and make them sound as vibrant as possible. I spend most of my time on that, especially now with our huge back catalog and the sheer amount of available material. Returning to songs with Dream Theater, some of which are very long and which we haven’t played for ten, sometimes even twenty years, is an enormous amount of work every time. We now have a lot of albums with an unbelievable number of songs and even more details, but it’s still work I really enjoy. Preparation is important, but it requires a lot of effort and time.

MM: Do you play your older songs the same way you recorded them for the respective albums?

JM: At least I try to, because the studio version is the common reference point for all of us. But of course, there are sometimes slight deviations live. Some things simply evolve; sometimes a different bass line, a different groove feels better, always depending on what the drummer is playing. So there’s always a studio version and a version that’s proven itself live, since we’ve played it so often that it’s evolved organically. However, we’re not talking about huge differences here; it’s usually just nuances.

Dream Theater release their 16th studio album, Parasomnia, which also marks the return of original drummer Mike Portnoy. In interviews, John Petrucci and John Myung describe how this reunion has positively influenced the band’s chemistry and sound without becoming a nostalgic copy of earlier works.

The new album combines the progressive complexity for which Dream Theater are known with an unprecedented level of harshness and darkness. The thematic focus on parasomnia – various forms of sleep disorders – gives the album a particularly intense atmosphere, further enhanced by the diverse guitar tunings and the renewed chemistry between the band members.

Original text

John Petrucci & John Myung im Interview: Die Rückkehr von Mike Portnoy

von Matthias Mineur

Angesichts der aufsehenerregenden Tatsache, dass Originaldrummer Mike Portnoy zu Dream Theater zurückgekehrt ist, droht die Musik der neuen Studioscheibe ‚Parasomnia‘ fast ein wenig in den Hintergrund zu rücken. Dabei gibt es viel zu erzählen, über das bis dato wohl härteste und düsterste Album der Bandgeschichte, und über eine Gitarrenarbeit, die wieder einmal exzellent ist und mit einer Vielzahl derber Riffs und virtuoser Soli glänzt. Aber natürlich mussten auch wir aus Gründen eines besseren Verständnisses Saitenakrobat John Petrucci zunächst über die spannendste Personalie der Scheibe (s.o.) befragen, auch um zu verstehen, weshalb viele Fans seither in Nostalgie schwelgen.

John Petrucci

Matthias Mineur: John, ist Dream Theater nach Mike Portnoys Rückkehr eine neue Band geworden oder aber, ganz im Gegenteil, derzeit eher rückwärtsorientiert?

John Petrucci: Wie du weißt, blicken wir auf eine lange Karriere zurück. Wir feiern gerade unser 40-jähriges Bestehen mit einer großen Tournee, veröffentlichen in Kürze unser 16. Studioalbum, es gibt also eine Menge Dinge, eine Routine, die über all die Jahre gleichgeblieben ist. Das betrifft auch einen Großteil unserer Mitarbeiter hinter den Kulissen. Neu ist, dass wir mit Mike ein Familienmitglied zurückgewonnen haben. Mike und ich kennen uns nahezu unser gesamtes Leben lang, wir haben uns als 18-Jährige in Berklee getroffen und dadurch eine besonders innige Beziehung. Ihn zurück bei Dream Theater zu haben, fühlt sich natürlich auch ein wenig nostalgisch an, gleichzeitig aber vor allem frisch, neu und aufregend.

MM: Was musste passieren, damit Portnoy zu Dream Theater zurückzukehren konnte? Was hat ihn zum Umdenken bewogen, und was haben deine Bandkollegen dazu gesagt?

JP: Mikes Wunsch deutete sich ja nicht schon seit Monaten oder Jahren an, sondern wurde sehr kurzfristig an uns herangetragen. Wir haben darüber also nicht lange nachgedacht, sondern es spontan entschieden. Es gab zunächst ein Gespräch zwischen Mike und mir und anschließend zwischen der Band und mir, und wir alle waren uns einig, dass angesichts der 40th-Anniversary-Tour der Zeitpunkt und die Umstände perfekt sind, um diese Idee in die Tat umzusetzen. Von dort war der Schritt nur noch kurz, direkt anschließend ins Studio zu gehen und ein neues Album aufzunehmen. Alle in der Band waren einverstanden, daher war es dankenswerterweise ein undramatischer und völlig ungezwungener Wechsel.

MM: Würdest du mir zustimmen, dass ‚Parasomnia‘ das härteste Album in der Dream-Theater-Karriere ist? Und gibt es dafür einen speziellen Grund?

JP: Ja, ich würde dir tatsächlich zustimmen, und die Ursache liegt im Albumtitel ‚Parasomnia‘ begründet. Ich hatte den Begriff schon seit ein paar Jahren im Hinterkopf und fand, dass er gut zu einem Dream-Theater-Album passen würde. Wer das Wort noch nicht kannte: Es handelt sich um den Oberbegriff für unterschiedliche Arten von Schlafstörungen. Für Menschen mit diesen Problemen sind Schlafstörungen eine schwierige und prekäre Angelegenheit, verbunden mit Albträumen, Schlafwandeln, psychischen Problemen, und so weiter. Allein dieser Titel führte automatisch zu einer härteren, dunkleren Ausrichtung der Songs. Hinzu kam natürlich Mikes Rückkehr, die für mich sehr inspirierend und kompositorisch prägend war, und mehr Riffs, mehr harte Rhythmusparts nach sich zog, vergleichbar vielleicht mit Scheiben wie ‚Train Of Thought‘ oder ‚Systematic Chaos‘.

MM: Es war zwar nicht das erste Mal, dass Mike im bandeigenen DTHQ-Studio aufgenommen hat, aber das erste Mal, dass er dort für Dream Theater im Einsatz war.

JP: Stimmt, er hat hier bereits 2020 die Drums für mein Soloalbum ‚Terminal Velocity‘ eingetrommelt, und auch die Aufnahmen für ‚Liquid Tension III‘ ein Jahr später haben hier stattgefunden. Insofern war er mit den Gegebenheiten des Studios vertraut. Aber in gewisser Weise war es für uns alle eine neue Erfahrung, denn vor etwa einem Jahr haben wir den Studiokomplex erweitert und einen neuen großartigen Live-Raum geschaffen, der viel größer ist als die bisherigen Räume. Wir konnten dort erstmals auch einen Konzertflügel unterbringen, was natürlich eine tolle Inspirationsquelle ist. Insofern war die Produktion von ‚Parasomnia‘ für uns alle eine neue Erfahrung.

MM: Was war vorher in dem neuen Raum?

JP: Es war ein Lagerraum für unser Equipment. Dann wurde in der direkten Nachbarschaft ein weiterer Lagerraum frei, so dass wir unser Gear dorthin bringen und das bisherige Lager zum Studio umgestalten konnten. Der Raum ist riesengroß und hilft uns sehr, man kann ihn in dem Video sehen, das Ernie Ball Music Man angesichts der neuen 10th-Anniversary-Majesty-Gitarre veröffentlicht haben. In diesem Raum ist Platz für alles das, was wir brauchen, inklusive Mikes großem Doublebass-Drumkit.

MM: Wenn man das neue Album aus der Sicht des Rhythmusgitarristen John Petrucci betrachtet: Gibt es etwas Neues, das es vor Mikes Ausstieg noch nicht gab und woran man eine Weiterentwicklung oder Änderung seines Stils erkennen kann?

JP: Ich finde nicht, dass sich etwas Grundlegendes geändert hat. Mike war immer schon ein fantastischer Schlagzeuger, seine Fähigkeiten sind im Laufe der Jahre einfach immer noch besser geworden. Die Zusammenarbeit während des Songwritings fühlte sich ganz ähnlich an wie bei ‚Black Clouds And Silver Linings‘, die letzte Dream Theater-Scheibe, die wir vor 15 Jahren gemeinsam mit ihm geschrieben haben. Es war fast so, als ob wir das Studio zwischenzeitlich gar nicht verlassen hätten. Für mich als Produzent war es einfach eine wahre Freude zu sehen, wie schnell Mike arbeitet. Er benötigte pro Song, zwei, maximal drei Takes, und die Sache war im Kasten. Er ist immer super vorbereitet und weiß genau, was er will. Was mir auffällt ist Mikes Fähigkeit, einen Song atmen zu lassen. Eine Sektion wird hart und schnell getrommelt, die nächste ein wenig laidback und langsamer, wodurch die Stücke an Dynamik und Persönlichkeit gewinnen.

MM: Gleichzeitig bleiben alle Dream-Theater-Songs stets vornehmlich Gitarren-dominiert.

JP: Natürlich bleibt meine Gitarre das wichtigste Songwriting-Instrument der Band. Ich bin also nicht nur der Produzent der Scheibe, sondern steuere auch den Großteil der Ideen bei. Das beginnt schon lange vor der Studiosession, und basiert im Fall von ‚Parasomnia‘ auf meinem Ziel, den Albumtitel als Anlass zu nehmen, um mit unterschiedlichen Scales und Modes zu experimentieren. Ich ging also sehr gut vorbereitet ins Studio, und wenn dann die gesamte Band eingreift, wird aus den Songideen weitaus mehr als nur das Ergebnis eines einzelnen Komponisten. Deshalb klingen Dream Theater so einzigartig, da hier fünf verschiedene Songschreiber und kreative Musiker zusammenkommen. Dream Theater verstehen sich als Progressive-Metal-Band, mit Betonung auf Metal, und daher kommt die Härte und Komplexität schwerpunktmäßig von den Gitarren und den Drums, mit all den Riffs und Hooks, die uns wichtig sind.

MM: Fertigst du vor dem Studiotermin reguläre Demos deiner Ideen an?

JP: Als reguläre Demos würde ich es nicht bezeichnen. Es sind eher Memo-Aufnahmen, teils auf meinem Handy und nur als Erinnerung. Bevor wir uns im Studio treffen, schaue ich die Memos durch, lerne die Riffs und spiele sie dann meinen Bandkollegen live vor. Mitunter fahre ich auch schon vor allen anderen ins Studio, nehme eine Idee auf, allerdings nie in konkreter Song-Form, sondern ohne Bass, Schlagzeug, Keyboards, nur die reine Gitarre, die Riffs, die Akkordbewegung, die Melodie. Meistens ist es aber einfach besser, die Riffs live zu spielen, dann bekommen die anderen ein besseres Gefühl für die gedachte Stimmung.

MM: Mit welchem Equipment hast du ‚Parasomnia‘ eingespielt?

JP: Natürlich sind ausschließlich Music-Man-Majesty-Modelle zum Einsatz gekommen, und zwar Sechs-, Sieben- und Achtsaiter. Für die Rhythmusspuren habe ich meinen Mesa/Boogie-Signature-JP-2C-Amp, für die Soli einen meiner Vintage Mark IIC+ Simul-Class aus den Achtzigern genommen. Bei den cleanen Parts habe ich wegen Mikes Rückkehr etwas Nostalgisches gemacht und einen Roland JC-120 gespielt, diese Chorus-Sounds kommen also aus dem Roland. Effektgeräte kamen nur gelegentlich zum Einsatz, bei einem Song ist es ein MXR-Chorus vor dem Amp, ein anderes Mal war es ein TC Electronic 2290 im Loop des Amps, dazu kam in ‚Midnight Messiah‘ ein MXR-Phaser und den Anfang von ‚Bend The Clock‘ habe ich mit einem Keeley Noble Screamer gespielt. Eine tolle Sache war, dass wir die originalen Neve-Preamps ausfindig machen und kaufen konnten, die wir unter anderem schon bei ‚Images And Words‘, ‚Scenes From A Memory‘, ‚Six Degrees Of Inner Turbulence‘ oder ‚Train Of Thought‘ verwendet haben. Wir nahmen Kontakt zu unserem früheren Toningenieur Doug Oberkircher auf und kauften ihm die Geräte ab. Mit den Neves haben wir einen wunderbar warmen Gitarrensound erzeugt.

MM: Also erneut keine Plug-ins, aber dennoch digitales Equipment?

JP: Nicht bei den Gitarrenamps, die eigentlichen Sounds kommen aus richtigen Amps mit richtigen Boxen. Aber für die Delays und ein paar spezielle Effekte waren es Plug-ins. Das Solo in ‚Night Terror‘ kam beispielsweise aus einem TC Electronic Plug-in.

MM: In welchen Tunings hast du die Gitarren gestimmt, welche Tonarten findet man auf ‚Parasomnia‘?

JP: Das neue Album ist inhaltlich sehr vielschichtig, deshalb habe ich bewusst unterschiedliche Tunings und Tonarten verwendet. In der Ouvertüre ‚In The Arms Of Morpheus‘ ist es eine achtsaitige Majesty in Standardtuning, also mit der tiefen Saite in F#. ‚Night Terror‘ ist in Standard, in ‚A Broken Man‘ ist die Gitarre einen Ganzton tiefer auf D gestimmt. Mein Lieblingssong heißt ‚Dead Asleep‘ und ist in Drop-Bb, die gesamte Gitarre ist also in C gestimmt, mit der tiefsten Seite in Bb. Auf die Idee gebracht hat mich Zakk Wylde, der Gast bei einem meiner Camps war und mit dem ich ein paar Black-Label-Society-Nummern gejammt habe. Ein wirklich heavy Tuning, das auch Ozzy sehr liebt. ‚Midnight Messiah‘ ist in C, die Gitarre ist also zwei Ganztöne tiefer gestimmt. ‚Bend The Clock‘ und ‚The Shadowman Incident‘, übrigens der einzige Song mit einer Siebensaitigen, sind in Standard.

MM: Du wirst zu den Shows also eine Reihe Gitarren mitbringen müssen, um alle Tunings abdecken zu können.

JP: Richtig, aber man kann diese Songs auch nur in den originalen Tunings spielen, sonst würden sie völlig anders klingen. Das Tuning bestimmt immer auch den Charakter eines Songs.

MM: Apropos Charakter: Waren die Texte der Songs bereits vor der Musik da? Und wer hat sie verfasst?

JP: Die Texte sind erst nach der Musik entstanden, allerdings stand der Albumtitel schon vorher fest. Die Idee war, sämtliche Songs unter ein bestimmtes Motto zu stellen, Mike sprach sogar von einer Art Konzeptscheibe, in der alle Stücke miteinander verbunden sind, in der Art wie ‚The Dark Side Of The Moon‘. Die Texte sind aber erst ganz am Ende entstanden. Einer stammt von Mike, zwei Texte hat James geschrieben, der Rest ist von mir. Es hat mächtig Spaß gemacht, vor allem ‚The Shadowman Incident‘ zu texten war purer Genuss.

MM: Gib zum Schluss bitte noch einen kurzen Ausblick auf deine Aktivitäten als Endorser in 2025!

JP: Gerne. Ein paar Dinge sind ja bereits angekündigt, wie etwa der 1x12er Combo von Mesa/Boogie und die 10th-Anniversary-Version meiner Majesty-Signature-Gitarre, die erstmals im Video zu ‚Night Terror‘ zu sehen war. Auffällig sind vor allem die tollen Pickup-Kappen von Larry DiMarzio mit dem Majesty-Logo, wirklich sehr cool. In den kommenden Monaten gibt es ein paar neue Produkte meiner eigenen Firma Tonemission, und ich arbeite derzeit an einem wirklich spannenden Thema, über das ich allerdings noch nichts Konkretes sagen darf, außer dass es Musikern dabei helfen wird, einen unfassbar guten Gitarrensound zu bekommen. Ich melde mich bei dir, wenn es darüber mehr zu berichten gibt.

John Myung

Welche Bedeutung Mike Portnoys Rückkehr für Myungs Bass-Spiel hat, versuchen wir in einem ausführlichen Gespräch mit dem eher wortkargen Amerikaner herauszufinden.

Matthias Mineur: Guten Morgen, John, du siehst noch etwas müde aus. Bist du ausgeschlafen?

John Myung: Ich muss gestehen, dass ich gerade erst wachgeworden bin. Wir haben unsere Europatournee gestern Abend beendet, gleich geht es zum Flughafen, von wo aus wir im Laufe des Tages oder morgen früh abreisen werden. Grundsätzlich fühle ich mich aber gut, denn es war eine tolle Europatour.

MM: Zunächst einmal herzlichen Glückwunsch zu einem weiteren großartigen Dream-Theater-Album. Kannst du bitte erklären, welche Ambitionen, Ziele und Visionen du für die neue Scheibe hattest, speziell im Vergleich zu den vorherigen Dream-Theater-Alben?

JM: Unser Ziel war es, an die frühere Chemie innerhalb der Band anzuknüpfen beziehungsweise zu ihr zurückzukehren, und zu einer Mentalität zurückzufinden, wie wir sie zu Beginn unserer Karriere hatten. Ich denke, dass uns dies gelungen ist. Es hat sich von Beginn an sehr gut angefühlt, ich kam ins Studio, wir fingen sofort an zu spielen und es war genauso, wie wir in früheren Zeiten an Alben gearbeitet haben. Es hat Spaß gemacht, zu dieser Arbeitsweise zurückzufinden und wieder gemeinsam mit unserem Original-Drummer kreativ zu sein. Eine tolle Erfahrung, ich vermute, dass es unsere Fans genauso sehen werden.

MM: Könntest du beschreiben, welche spielerischen Unterschiede es zwischen Mike Portnoy und seinem Nachfolger bzw. Vorgänger Mike Mangini aus Sicht des Dream-Theater-Bassisten gibt und was dies für dein eigenes Spiel bedeutet?

JM: Generell versuche ich, die Dinge möglichst einfach zu halten, auch wenn ein Part ziemlich kompliziert klingt. Existieren Unterschiede zwischen Mangini und Portnoy? Ich glaube, es gibt eine Komplexität, die man fühlt, aber auch eine Komplexität, die man nicht fühlt. Ich tendiere grundsätzlich zur Einfachheit und versuche deshalb, mich auf ein konkretes Gefühl zu konzentrieren und dieses Feeling musikalisch konsequent wiederzugeben, sprich: Klar identifizierbare Noten zu spielen.

MM: Würdest du sagen, dass die Rückkehr von Mike Portnoy das Songwriting der Band wieder stärker in Richtung eurer früheren Alben beeinflusst hat? Oder hat es nur einen anderen rhythmischen Aspekt bekommen?

JM: Es ist mehr als das. Weißt du: Timing ist alles. Die Geschwindigkeit färbt einen Song auf eine bestimmte Art. Es geht um den Groove und wie man ihn artikuliert und interpretiert. In dieser Hinsicht stimmt bei Dream Theater die Chemie, da Mike, John und ich zusammen aufgewachsen sind. Wir haben in unserer Jugend dieselben Bands gehört und geliebt, allen voran Rush und Iron Maiden. Wenn wir uns also bewusst von unseren Einflüssen inspirieren lassen, hört Mike dasselbe, was ich höre, ohne dass ich es erklären muss. Es ist witzig: Mike hat immer eine Art Tafel dabei, wenn wir Songs schreiben, und auf der sind die unterschiedlichen Teile nach bestimmten Bands benannt. Es gibt dann beispielsweise einen Rush-Part, einen Iron Maiden-Part, einen Tool-Part. Natürlich sind dies nur stilistische Referenzen, um zu verdeutlichen, woran wir jeweils denken. Ich glaube, genau an diesem Punkt geht die Chemie bei Dream Theater tiefer, da niemand von uns seine Inspirationen erklären muss. Das ist wie eine Art Basis, ein tieferes Verständnis, das man nicht mehr explizit in Worte fassen muss. Man fühlt es, man versteht es und begreift es sofort. Und wenn das passiert, funktioniert das Songwriting wie von selbst. Es fließt von ganz allein, wie von Geisterhand geführt.

MM: Hat die komplette Band sämtliche Songs des neuen Albums gemeinsam geschrieben?

JM: Ja.

MM: Ihr habt euch also in eurem Studio getroffen und jeden einzelnen Song mit der gesamten Band entwickelt?

JM: Es wurde so lange an einer Idee herumgedoktert, bis sie sich genau richtig angefühlt hat und jeder damit zufrieden war. Wir haben an einzelnen Parts einfach immer weiter gearbeitet, daraus haben sich dann wiederum neue Ideen entwickelt, ein ganz natürlicher Prozess, der großen Spaß gemacht hat. Mir hilft diese Art zu arbeiten, um zu verstehen, was wir da gerade machen. Da wir solche Prozesse in der Vergangenheit schon oft durchlaufen haben, könnte man denken, dass sie immer automatisch funktionieren. Doch das tun sie nicht, denn es sind Menschen, die an diesen Prozessen beteiligt sind, daher läuft es jedes Mal anders. Jeder einzelne von uns, der bei diesen Prozessen anwesend ist, ist ein wichtiges Puzzleteil. Die aktuelle Konstellation bei Dream Theater besitzt alle notwendigen Einzelteile, was sehr wichtig ist und was man sich immer wieder bewusst machen sollte, wenn man gemeinsam arbeitet. Für mich war dies eine wichtige Erkenntnis.

MM: Hast du für die Aufnahmen von ‚Parasomnia‘ dein Equipment geändert? Welche Bässe, welche Amps, welche Effekte hast du dieses Mal verwendet?

JM: Ich habe natürlich wieder meinen Music-Man-Bongo-Signature gespielt, den es aktuell auch mit einigen neuen Lackierungen gibt. Der Bongo ist die wichtigste Grundlage meines Sounds, zudem verwende ich häufig Neve-Plug-ins, EQs und Kompressoren sowie einen Rupert Neve Shelford Channel, all diese Dinge. Im Grunde genommen ist es einfach nur eine normale Kombination aus Pedalen und Plug-ins.

MM: Hast du über einen Röhrenverstärker oder direkt ins Mischpult gespielt?

JM: Ich habe direkt ins Board gespielt. Live habe ich allerdings schon einige Male mit einem Preamp von Suncoast experimentiert, denn ich mag besonders den Pearce BC-1, den ich schon in den späten Achtzigern und frühen Neunzigern eingesetzt habe und der damals noch von Dan Pearce gebaut wurde. Mittlerweile wurde die Firma jedoch verkauft, sie heißt jetzt Suncoast und baut Preamps, die vorher von Pearce hergestellt wurden. Für mich liefern sie den besten Solid-State-Sound und den ultimativen Ton für die Bühne. Ich bin sehr glücklich damit, denn ich weiß, dass sich meine Basslinien dadurch sehr gut durchsetzen können.

MM: Welche Tunings hast du auf der neuen Platte gespielt? Hat sich dein Tuning von Petruccis Gitarren unterschieden?

JM: Eine gute Frage, denn ich weiß, dass John verschiedene Tunings ausprobiert hat, was ich allerdings nicht getan habe. Ich habe mich zwar an dem orientiert, was er jeweils gespielt hat, und natürlich mein Spiel daran angepasst, ohne allerdings mein Tuning zu ändern, da es aus meiner Sicht das Feeling zu sehr verändert, wenn die Saitenspannung nicht gleichmäßig bleibt. Wenn die Saitenspannung ungleichmäßig oder zu hoch ist, kann das einen unerwünschten Druck auf den Hals verursachen und fühlt sich dann nicht gut an, da es sich weniger leicht spielt. Ich müsste mir meine Notizen noch einmal genauer anschauen, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass ich auf der neuen Platte durchgehend im Standard-Tuning geblieben bin, mit höchstens einer Ausnahme. Mir geht es in erster Linie um die Saitenspannung, denn sobald man mit ihr herumexperimentiert, verändert sich alles.

MM: Du hast sicherlich ausnahmslos mit den Fingern gespielt, oder?

JM: Ja, ausnahmslos alles mit den Fingern.

MM: Manche Metal-Bassisten behaupten, dass der Ton mit einem Plektrum noch konkreter klingt, da man härter anschlagen kann. Wie siehst du das?

JM: Ich spiele gerne mit den Fingern, weil das meiner Meinung nach eine größere Klangvielfalt erlaubt, je nachdem, ob man den Zeige- oder den Mittelfinger benutzt. Je nach Tempo eines Parts kann man es vereinfachen und härter anschlagen, indem man nur den Zeigefinger benutzt. Und wenn es richtig schnell wird, kann man einfach zwei Finger verwenden oder bei Bedarf sogar drei. Das funktioniert für meinen Sound sehr gut, dadurch bekomme ich einen wunderbar klaren Ton. Gleichzeitig kann es eine coole Herausforderung sein, sich nur auf einen Finger zu beschränken, es hat etwas mit der Energie der Hände zu tun. Trotzdem mag ich auch den Sound mit einem Plektrum, bei vielen Bassisten klingt es wirklich sehr gut, wenn sie mit Plektrum spielen.

MM: Gab es Phasen in deiner Karriere, in denen auch du damit experimentiert hast?

JM: Ja, die gab es tatsächlich, aber für mich hat es nicht funktioniert. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, eine Saite mit den Fingern anzuschlagen. Man kann sie zupfen, man kann sie sanft spielen, oder aber hart anschlagen. Die eigenen Hände bieten einem die verschiedensten Möglichkeiten, das ist es, was mir gefällt und weshalb ich dabeibleibe. So kann ich eine größere Bandbreite abdecken. Natürlich mag ich auch den Sound mit einem Plektrum, aber in meiner Karriere kam ich irgendwann an den Punkt, an dem ich mich für die eine oder das andere Spielweise entscheiden musste und mich für die Finger entschieden habe.

MM: Übst du noch immer jeden Tag?

JM: Man muss allein deshalb jeden Tag spielen, um den physischen Aspekt seiner musikalischen Fähigkeiten aufrecht zu erhalten. Es ist sehr wichtig, in Form zu bleiben und die Muskulatur der Hände zu trainieren. Meistens übe ich, indem ich Songs spiele und sie mir dabei gleichzeitig einpräge. Ich versuche, meine Parts so gut wie möglich mit der Struktur eines Songs in Einklang bringen und sie möglichst lebendig klingen zu lassen. Darauf verwende ich den größten Teil meiner Zeit, insbesondere jetzt mit unserem riesigen Back-Katalog und den Unmengen an verfügbarem Material. Mit Dream Theater zu Songs zurückzukehren, die teilweise sehr lang sind und die wir seit zehn, mitunter sogar seit zwanzig Jahre nicht mehr gespielt haben, ist jedes Mal ungeheuer viel Arbeit. Von uns existieren mittlerweile eine Menge Alben, mit unfassbar vielen Songs und noch mehr Details, trotzdem ist es eine Arbeit, die ich sehr gerne mache. Vorbereitungen sind wichtig, erfordern aber viel Einsatz und Zeit.

MM: Spielst du eure älteren Songs genauso, wie du sie damals für die jeweils betreffenden Alben aufgenommen hast?

JM: Zumindest versuche ich es, denn für uns alle ist die Studioversion der gemeinsame Referenzpunkt. Aber natürlich gibt es live schon mal leichte Abweichungen. Manche Dinge entwickeln sich einfach weiter, mitunter fühlt sich eine andere Basslinie, ein anderer Groove besser an, immer abhängig davon, was der Drummer gerade spielt. Es existieren also immer eine Studiofassung und eine Version, die sich live bewährt hat, da wir sie schon so oft gespielt haben, dass sie sich automatisch weiterentwickelt hat. Wir sprechen hier allerdings von keinen allzu großen Unterschieden, meistens handelt es sich nur um Nuancen.

Dream Theater veröffentlichen mit “Parasomnia” ihr 16. Studioalbum, welches gleichzeitig die Rückkehr von Originaldrummer Mike Portnoy markiert. In den Interviews beschreiben John Petrucci und John Myung, wie diese Reunion die Bandchemie und den Sound positiv beeinflusst hat, ohne dass sie zu einer nostalgischen Kopie früherer Werke wurde.

Das neue Album verbindet die progressive Komplexität, für die Dream Theater bekannt sind, mit einer bis dato unerreichten Härte und Dunkelheit. Der thematische Fokus auf Parasomnia – verschiedene Formen von Schlafstörungen – verleiht dem Album eine besonders intensive Atmosphäre, die durch die vielfältigen Gitarrentunings und die regenerierte Chemie zwischen den Bandmitgliedern verstärkt wird.