Feeling and Technique by John Petrucci

Created almost 25 years ago, Dream Theater, if not creating a style – in this case, Prog Metal – at least can be proud of having become the biggest name of the genre, as evidenced by its constant world tours and its vast and successful discography. At the moment, the group is preparing for another visit to Brazil in March, on the tour to promote their newest album, Black Clouds & Silver Linings, the tenth of their career. Taking advantage of one of the rare and quick moments of free time, while waiting for the opening sounds of another “Progressive Nation” show (the roaming Dream Theater tour that includes Zappa Plays Zappa, Bigelf and Scale The Summit), Petrucci talked about the new record, about his writing process and about his career as a musician, songwriter and producer.

How did the Black Clouds & Silver Linings design process start? From the beginning, had you already defined that you were going to make an album with longer songs or did that happen naturally?

John Petrucci: They got that way as they were written. We didn’t get together and decide, ‘Let’s make an epic record.’ But every time we start working on a new record, we look at it as another opportunity to do the best we can. We always challenge ourselves to do our best as songwriters and musicians, using in the most appropriate way all the experience we have accumulated on the road and on our previous albums, as well as always keeping our minds open. We have already made albums in which the creation process was more directed, as in the case of the conceptual albums, but in the case of the latter we only tried to show everything we learned in the past.

Did you get to worry about the risk of ending up doing something that would be difficult for even a fan of Dream Theater to assimilate or did you not give importance to it and try to push yourself to your own limits?

John: Neither one nor the other. The disc just came out like that. I think we really went ahead and pushed ourselves to our limit when we did Six Degrees Of Inner Turbulence (2002) which was a double disc and had a song that was over 40 minutes long. And as the fans assimilated it easily, I think they can easily handle a song that’s only 20 minutes long... (laughs)

When we talked in 1997, you had released the album Falling Into Infinity, and you commented that the pre-production you were doing was practically a recording, as you were experimenting with new equipment and testing various instruments and amplifiers to get everything defined for the studio. Do you continue working this way?

John: Yes, without a doubt! We’re always trying to do something even better than what we’ve done in our career. And this record is very special because I’m debuting a new guitar model. I’ve been using my Music Man signature model for a long time, but between Systematic Chaos (2007) and the last record, they developed a new version of it. So I had more tone options which made recording Black Clouds & Silver Linings an even more exciting experience for me. Also, Mesa Boogie (N.T.: amp maker) released a new model called the Mark V in time for me to use it in recording (N.R.: the model has a box with four Celestion Vintage speakers). In the end, it’s a bit of a tiring and methodical process, but I don’t let it drive me crazy. There are people who impose an insane level of demand when it comes to finding their timbre when making a record, but I’m not like that. I focus on what I have to do and try to determine the best way to do it. It’s a combination of three things, the instrument, the amp and the snare. It’s obvious, but that’s how it works.

You never used Marshalls?

John: Never. The only time I tried a Marshall was when I was still a teenager and I had a combo from that brand. I remember it was a good device. It was small, somewhere around 30 watts. But as soon as I could afford it, I went after a Mesa Boogie.

Was it because you heard someone using that brand?

John: Several of my favorite bands use Mesa Boogie and when I first saw one of them at a show I was blown away by the sound. A lot of people use them: Pat Thrall, Metallica, Soundgarden... Who else? King’s X! It’s a really good sound. And another thing I love about it is that it’s very well built. It’s not just about using the best quality components, it works spectacularly, it never causes a problem, which is extremely important.

You mentioned Pat Thrall and Metallica, but there’s a style of guitar player that we know you also admire, like Robert Fripp and Andrew Belew. Because, musically, Dream Theater brings many elements of this current...

John: Without a doubt, I’ve heard a lot of King Crimson. But I can’t say I’m a big fan of them. Of course it’s top quality music, but I don’t even know what kind of equipment they use, just to give you an idea.

Funny, because the two names you mentioned, Pat Thrall and Metallica, I find it even harder to identify in your music.

John: I think Metallica’s influence is evident in our music, all the weight we have comes from them. Guitarists like Pat are always great instrumentalists and, in addition to technique, they have a lot of feeling and convey a lot of emotion when they play. And I say that as a guitar fan! And there’s also the Progressive side, I’ve always listened to Yes, Dixie Dregs and Frank Zappa a lot. I think our biggest influence comes from that – and also from early Rush.

When we talked about Falling Into Infinity, you said that one of the hallmarks of your songwriting process is working on just one song at a time, focusing only on that song until it’s fully done, and then starting to write another song. In Black Clouds & Silver Linings did you also work that way?

John: Well, I guess you could say it was pretty much the same. We would write a song, rehearse a little, make a recording with the basic tracks and then complete it with the other instruments. We were focused on a song until we recorded the basic tracks. Then we went on. I mean, it wasn’t exactly the same process as Falling Into Infinity because there we would only start another song after completing the recording of the previous one – vocals, keyboards, everything! This time we recorded the guitar, bass and drum basic tracks and then started another one. So we ended up recording the keyboards, the solos and the vocals all at once.

The record opens with A Nightmare To Remember and what comes after seems to be acoustic guitars. Do you like to play guitar?

John: The guitar works in a few different ways for me. One of them is to serve as a kind of guide to be followed. Like in the song The Best Of Times, where it enters the final part and takes charge. Another use is when you do something in a cleaner timbre, like an arpeggio or anything else that calls for an acoustic overdub. In this case, the guitar cleans up the sound and gives a more Pop atmosphere to the song. And it can even be used as the main instrument and some music. It all depends on what the music requires and how I use it. It can be to give some texture, it can be as a complement or it can be as a main instrument. I don’t play acoustic guitar as much as I play electric guitar, nor do I consider myself a great acoustic guitarist, but I have some Taylor guitars that I really enjoy playing.

In A Nightmare To Remember there is a beautiful solo split between you and Jordan Rudess on keyboard in a question-and-answer scheme. And this happens several other times on the disk. How did this idea come about? Was it inspired by Jeff Beck and Jan Hammer?

John: Well, that’s a very common formula in bands that have guitars and keyboards. Deep Purple does this a lot, as does the Dixie Dregs, Yngwie Malmsteen with Rising Force... Even bands with two or more guitarists use this feature, like Iron Maiden. So that’s influenced by a lot of bands that have two soloists. It’s something that needs some training but it’s a lot of fun to do, it turns into a kind of duel that ends with the two of them doubling the same stretch. I compare it to a tennis match between guitar and keyboard (laughs).

How was the composition of the solos on the new album?

John: It just depends on each song. For the most part, I wrote seven or eight different solos, listened to each one and selected the best parts of each one. There are occasions when I didn’t like anything and started the process over from scratch. There were also those songs where I did the entire solo at once, practically improvising. And there are those that you build note by note. But it depends on each song, as I said. My philosophy on this is that solos have to be musical, they can’t be tiring or boring. They must keep the momentum of the song, keep the listener’s interest in it. And, obviously, it has to follow the mood of the song, in the same way that the vocalist does.

Do you consider yourself a better lead guitarist than you were on the first Dream Theater records?

John: Well, I hope so... (laughs) I don’t think I need to be obsessed with it, I believe that after all I wrote and played, I ended up improving as a musician. And I was very pleased with what I did on this new record.

When you formed Dream Theater, did you intend to have a keyboardist in the band instead of a second guitarist?

John: Yes, from the beginning! I had a good friend who grew up playing piano and keyboards, and he ended up becoming Dream Theater’s first keyboardist (N.R.: referring to Kevin Moore, who stayed in the band from 1986 to 1994). We always wrote together and the bands we liked the most had guitar and keyboards in the lineup, like Yes, Pink Floyd and The Doors, although we also like groups with two guitarists, like AC/DC, Metallica and Iron Maiden. But I always wanted to be the only guitarist in the band and the inclusion of keyboards gave me the freedom to do what I wanted.

Naturally, you’ve reached a level where you have complete freedom to do whatever you want musically and you’ve produced, along with Mike Portnoy, the last six Dream Theater records. What is it like to work on two fronts, as a musician and producer?

John: It’s not difficult. We’ve evolved a lot in these two roles; Mike and I have become better producers with each record. It gets easier every day to make decisions, define arrangements and determine what will work, what we need, what we don’t need... This work gets more intense and more delicate at the time of mixing. But I love it all, I love having this double journey. The process as a whole fascinates me and I feel very good to participate intensely in it.

A Rite Of Passage, on the other hand, draws attention for its riff and guitar timbre. How would you define your timbre in this song?

John: Whenever I make a stronger riff like this I try to work more carefully on the timbre, but it’s always a combination of a Music Man guitar and a Mesa Boogie amp. As I said, I’ve been using Mesa Boogie since forever and I try to take the distortion directly from them. In this case, I looked for a “fat” and aggressive tone. And besides, I tried to imprint a lot of personality on it, too. But I didn’t do anything different from what I usually do, I plugged the guitar into the amp and that was it.

On this song it’s you and Mike on backing vocals, right?

John: Yeah, this is the two of us. But that depends on each song. Some he does alone, others only I do it, and in others it’s the two of us. In A Rite Of Passage I do the voice with a lower tone.

Do you feel good doing backing vocals?

John: Yes. I don’t have a great vocal range, so I prefer to stick with the bass, going all the way to the mids. And it’s always a challenge to reproduce that live while playing guitar. It’s something you need to practice a lot, and that’s when my respect for Geddy Lee grows, who can play what he plays while singing everything he sings!

You wrote practically all the lyrics on the record. Did James LaBrie not participate in the songwriting process? Because it seems strange for a vocalist not to be involved in writing the songs he’s going to sing...

John: James, by and large, never participates in songwriting. He doesn’t play any instruments, he already told me that in his solo work he writes the riffs he creates for the guitarists and keyboardists, who develop the music from there. He has collaborated with lyrics and melodies on other records, which he does very well. On this record, what happened was I started to have a bunch of ideas for lyrics when we started writing, every song we did I was like, ‘Let me write this, I have a great idea for it!’ And so I wrote almost all of them. I mean, it has nothing to do with saying that James didn’t want to participate in the writing of the record. Maybe if we left it to him, the lyrics would come out even better than they did.

Wither is a ballad that puts a lot of emphasis on the guitar. Did you use a twelve-string guitar?

John: No, I used a baritone guitar (N.T.: six-string instrument with guitar body and double bass neck) tuned to B flat. This is yet another example where the clean sound of the guitar gives a new texture to the sound of the song as a whole.

When it comes to playing, is your approach very different between a rock song and a ballad?

John: When I’m playing something heavier, I use the guitar sound, it doesn’t have to change a lot. The most I do is include some effect. But the secret is to find a sound that works as a foundation for whatever music you play. There, you can adapt it to any circumstance. If you make a more busy riff, just lower the gain a little to give it more precision. If you’re going to do something simpler and heavier, just increase the gain. But you have to have the skill to do this accurately so as not to spoil the sound. But the basics don’t change; once you’ve found a good sound and placed the mic right, it’s just a matter of working out the details.

What’s more complicated for you, soloing in a ballad like Wither or a fast track like The Shattered Fortress? I ask this because we see several solos that sound forced in ballads.

John: Neither is complicated for me. It’s just different circumstances. The most important thing when it comes to a solo is to make it appropriate for that song. It has to be musically interesting and match the theme. The approach is very important, but there is no easier or harder.

Do you find it easy to turn the most basic ideas into finished tracks? Because I imagine that everything you touch comes into your head first. When you hear the finished track, does it sound similar to what you had imagined at first?

John: This is definitely the most fun part of it all! The way the creative process develops, the differences between when you write and when you interpret, all the experiments you can do... it’s all so much fun! You discover great things through trial and error, as well as terrible results, and knowing how to select and identify it all is the secret.

But there’s a big difference between recording an orchestrated part full of guitars and recording a bunch of notes... How do you identify this difference?

John: Yes, there is a risk of it becoming a pointless exercise... I think, as I said, the secret is to make everything musical. It’s very easy to write something that doesn’t make any sense, you just pick up the guitar and play something weird and atonal, someone folds it and that’s it, there’s a really weird thing. I said it’s easy, maybe not for everyone, but it’s a lot simpler than writing something that makes sense. That’s why I think you should go a step further, challenge yourself, use something you’ve never used before to make it work. And also, of course, you need to have notions of melody. Using these criteria, you can even make something weirder that will work just the same. That’s what distinguished Zappa from other bands, for example.

Where does your notion of harmony to compose come from? You cite Rush as an influence, but did you go deeper into analyzing their songs to see what chord progressions they used, for example? In short: what are your influences in the area of ​​music theory?

John: My influences come from everything I’ve heard, played, learned and seen in my life. Musicians are like sponges, every experience you have awakens something in your mind and stays there. You listen to a song on the radio and hear a chord that catches your ear, or you learn a snippet from a classical piece and keep it to yourself. Everything, after all, has a potential chance to influence you.

Dream Theater recently played in Israel. How was that experience?

John: It was great! We had never been there and it made us very anxious because we didn’t know what to expect. There are countries where you have to play a lot to build a fan base and there are countries where you can already play to full houses, and in Israel it was the latter. We played there on a beautiful day, it was an open air show. There were about ten thousand people and the Israeli fans were absolutely crazy to see us. It was something really very special.

You naturally know that the number of Prog Metal bands is growing more and more. Do you think Dream Theater’s success helped this phenomenon?

John: Yes, without a doubt. You can’t even compare the popularity of this style when we started with the fame it has today. Undoubtedly, today there are a lot more bands playing this kind of music, many of them taking a whole new approach to the genre, which is really cool for the style as a whole.

Original text

O Feeling E A Técnica De John Petrucci

Por Steven Rosen

Criado há quase 25 anos, o Dream Theater, se não criou um estilo – no caso, o Prog Metal – ao menos pode se orgulhar de ter se transformado no maior nome do gênero, como comprovam suas constantes turnês mundiais e sua vasta e bem sucedida discografia. No momento, o grupo prepara-se para mais uma visita ao Brasil no mês de março, na turnê de divulgação de seu mais novo disco, Black Clouds & Silver Linings, o décimo de sua carreira. Aproveitando um dos raros e rápidos momentos de folga, quando aguardava o início da passagem o som antes de mais um show da “Progressive Nation”, tour itinerante promovida pelo Dream Theater que reuniu, além da propria banda, Zappa Plays Zappa, Bigelf e Scale The Summit, Petrucci falou sobre o novo disco, sobre seu processo de composição e sobre sua carreira como músico, compositor e produtor.

Como foi o início do processo de concepção de Black Clouds & Silver Linings? Desde o princípio vocês já tinham definido que iriam fazer um disco com músicas mais longas ou isso aconteceu naturalmente?

John Petrucci: Elas foram ficando assim conforme eram compostas. Nós não nos reunimos e decidimos: ‘Vamos fazer um disco de temas épicos.’ Mas a cada vez que começamos a trabalhar num disco novo, nós encaramos isso como mais uma oportunidade de fazer o melhor que pudermos. Sempre nos desafiamos a dar o nosso melhor como compositores e como músicos, usando da forma mais apropriada toda a experiência que acumulamos na estrada e nos nossos discos anteriores, além de manter nossas mentes sempre abertas. Já fizemos álbuns em que o processo de criação foi mais direcionado, como no caso dos discos conceituais, mas no caso desse último apenas procuramos mostrar tudo aquilo que aprendetllos no passado.

Vocês chegaram a se preocupar como risco de acabar fazendo algo que fosse de difícil assimilação até mesmo para um fã do Dream Theater ou não deram importância a isso e procuraram avançar até seus próprios limites?

John: Nem uma coisa, nem outra. O disco simplesmente saiu assim. Eu acho que nós realmente avançamos e nos forçamos até nosso limite quando fizemos Six Degrees Of Inner Turbulence (2002) que era um disco duplo e tinha uma música de mais de 40 minutos. E como os fãs assimilaram com facilidade, acho que eles conseguem lidar sem problemas com uma música de apenas 20 minutos... (risos)

Nós conversamos em 1997, quando vocês tinham lançado o disco Falling Into Infinity, e você comentou que a pré-produção que vocês faziam já era praticamente uma gravação, uma vez que experimentavam novos equipamentos e testavam vários instrumentos e amplificadores para levar tudo definido para o estúdio. Vocês continuam trabalhando dessa forma?

John: Sim, sem dúvida! Nós sempre estamos tentando fazer algo ainda melhor do que já fizemos em nossa carreira. E esse disco é bem especial porque estou estreando um novo modelo de guitarra. Eu uso há tempos meu modelo signature da Music Man, mas entre Systematic Chaos (2007) e o último disco, eles desenvolveram uma nova versão dela. Então, tive mais opções de timbres o que deixou a gravação de Black Clouds & Silver Linings uma experiência ainda mais excitante para mim. Além disso, a Mesa Boogie (N.T.: fabricante de amplificadores) lançou um novo modelo chamado Mark V a tempo de eu usar na gravação (N.R.: o modelo tem caixa com quatro falantes Celestion Vintage). No fim das contas, é um processo um pouco cansativo e metódico, mas eu não deixo que isso me enlouqueça. Tem gente que se impõe um nível de exigência insano na hora de achar seu timbre quando vai fazer um disco, mas eu não sou assim. Foco naquilo que tenho que fazer e procuro determinar a melhor forma de fazê-lo. E uma combinação de três coisas, o instrumento, o amplificador e a caixa. É óbvio, mas é assim que funciona.

Você nunca usou Marshalls?

John: Nunca. A única vez em que eu testei um Marshall foi quando eu ainda era adolescente e tinha um combo dessa marca. Lembro que era um bom aparelho. Era pequeno, algo em torno de 30 watts. Mas assim que eu tive condições, fui atrás de um Mesa Boogie.

Foi por ter ouvido alguém usando essa marca?

John: Várias das minhas bandas favoritas usam Mesa Boogie e quando eu vi pela primeira vez um deles num show fiquei impressionado com o som. Muita gente us a, Pat Thrall, Metallica, Soundgarden... Quem mais? King’s X! É um som realmente muito bom. E outra coisa que eu adoro nele é que ele é muito bem construído. Não se trata de apenas usarem componentes da melhor qualidade, o funcionamento dele é espetacular, nunca dá problema, o que é extremamente importante.

Você mencionou Pat Thrall e Metallica, mas há um estilo de guitarrista que sabemos que você também admira, como Robert Fripp e Andrew Belew. Porque, musicalmente, o Dream Theater traz muitos elementos dessa corrente...

John: Sem dúvida, eu já ouvi bastante King Crimson. Mas não posso dizer que seja um grande fá deles. Claro que é música da melhor qualidade, mas eu nem sei que tipo de equipamento eles usam, pra você ter uma ideia.

Engraçado, porque os dois nomes que você citou, Pat Thrall e Metallica, eu acho até mais difícil de identificar na sua música.

John: Eu acho que a influência de Metallica é evidente na nossa música, todo o peso que temos vem deles. Já guitarristas como Pat são sempre grandes instrumentistas e, além da técnica, possuem muito feeling e transmitem bastante emoção quando tocam. E falo isso como fá de guitarra! E tem também o lado Progressivo, eu sempre ouvi muito Yes, Dixie Dregs e Frank Zappa. Eu acho que nossa maior influência vem daí – e também de Rush dos primórdios.

Quando falamos sobre Falling Into Infinity, você disse que uma das características do processo de composição de vocês é trabalhar em apenas uma música por vez, focando apenas nela até que esteja totalmente pronta, e só aí iniciarem a composição de outra. Em Black Clouds & Silver Linings vocês também trabalharam dessa forma?

John: Bem, acho que dá pra dizer que foi praticamente igual. Nós escrevíamos uma música, ensaiávamos um pouco, fazíamos uma gravação com as bases e depois completávamos com os demais instrumentos. Nós ficávamos concentrados numa música até a gravação das bases. Daí, passávamos adiante. Quer dizer, não foi um processo exatamente igual ao de Falling Into Infinity porque lá nós só começávamos outra música após completer a gravação da anterior – vocais, teclados, tudo! Dessa vez, gravávamos as bases de guitarra, baixo e bateria e aí começávamos outra. Assim, acabamos gravando os teclados, os solos e as vozes de uma vez só.

O disco abre com A Nightmare To Remember e o que vem em seguida parecem ser violões. Você gosta de tocar violão?

John: O violão funciona de algumas formas diferentes para mim. Uma delas é servir como uma espécie de guia a ser seguida. Como na música The Best Of Times, em que ele entra na parte final e assume o comando. Outra utilização se dá quando você faz algo num timbre mais limpo, como um arpejo ou qualquer outra coisa que peça uma dobra acústica. Nesse caso, o violão dá uma limpada no som e dá um clima mais Pop para a música. E ele ainda pode ser usado como o instrumento principal e alguma música. Tudo depende do que a música exige e da forma como eu o uso. Pode ser para dar alguma textura, pode ser como complemento ou pode ser como instrument principal. Eu não sou de tocar tanto violão como eu toco guitarra, nem me considero um grande violonista, mas tenho alguns violões Taylor que gusto muito de tocar.

Em A Nightmare To Remember há um belo solo dividido entre você e Jordan Rudess no teclado no esquema pergunta-e-resposta. E isso acontece várias outras vezes no disco. Como surgiu essa ideia? Teria sido inspirado por Jeff Beck e Jan Hammer?

John: Bem, essa é uma fórmula muito comum em bandas que têm guitarra e teclados. O Deep Purple faz muito isso, assim como o Dixie Dregs, Yngwie Malmsteen com o Rising Force... Mesmo bandas com dois ou mais guitarristas usam esse recurso, como o Iron Maiden. Então, isso é influenciado por muitas bandas que possuem dois solistas. É algo que precisa de um certo treino mas é muito divertido de fazer, vira uma espécie de duelo que culmina com os dois dobrando um mesmo trecho. Eu comparo isso com uma partida de tênis entre a guitarra e o teclado (risos).

Como foi a composição dos solos do novo disco?

John: Depende exclusivamente de cada música. Na maior parte delas, eu escrevi sete ou oito solos diferentes, ouvi cada um deles e selecionei as melhores partes de cada um. Há ocasiões em que não gostei de nada e recomecei o processo do zero. Houve também aquelas músicas em que fiz o solo inteiro de uma vez só, praticamente improvisando. E há aqueles que você constrói nota por nota. Mas depende de cada música, como eu disse. Minha filosofia em relação a isso é que os solos têm que ser musicais, não podem ser cansativos nem chatos. Eles devem manter o pique da canção, manter o interesse do ouvinte nela. E, óbvio, tem que acompanhar o clima da música, da mesma forma que o vocalista faz.

Você se considera um guitarrista solo melhor do que era nos primeiros discos do Dream Theater?

John: Bem, espero que sim... (risos) Acho que não preciso ficar encanando com isso, acredito que depois de tudo que compus e toquei, acabei me aprimorando como músico. E fiquei muito satisfeito com o que fiz nesse novo disco.

Logo que você montou o Dream Theater sua intenção era ter na banda um tecladista em vez de um segundo guitarrista?

John: Sim, desde o início! Eu tinha um grande amigo que cresceu tocando piano e teclados, e ele acabou se tornando o primeiro tecladista do Dream Theater (N.R.: refere-se a Kevin Moore, que ficou na banda de 1986 a 1994). Nós sempre compúnhamos juntos e as bandas de que mais gostávamos tinham guitarra e teclados na formação, como Yes, Pink Floyd e The Doors, apesar de gostarmos também de grupos com dois guitarristas, a exemplo de AC/DC, Metallica e Iron Maiden. Só que eu sempre quis ser o único guitarrista da banda e a inclusão de teclados me dava a liberdade para fazer o que queria.

Naturalmente, vocês atingiram um nível em que possuem total Liberdade para fazer o que quiserem em termos musicais e você produziu, junto com Mike Portnoy, os últimos seis discos do Dream Theater. Como é atuar em duas frentes, como músico e produtor?

John: Não é difícil. Nós evoluímos muito nessas duas funções, eu e Mike nos tornamos a cada disco produtores melhores. Fica a cada dia mais fácil tomar decisões, definir arranjos e determinar o que vai funcionar, o que precisamos, o que não precisamos... Esse trabalho fica mais intenso e mais delicado no momento da mixagem. Mas eu adoro isso tudo, adoro ter essa jornada dupla. O processo como um todo me fascina e me sinto muito bem por participar intensamente dele.

Já A Rite Of Passage chama a atenção pelo riff e pelo timbre da guitarra. Como você definiria o seu timbre nessa música?

John: Sempre que eu faço um riff mais forte como esse procuro trabalhar mais cuidadosamente o timbre, mas é sempre uma combinação de guitarra Music Man com amplificador Mesa Boogie. Como já disse, eu uso Mesa Boogie desde sempre e procuro tirar a distorção diretamente deles. Nesse caso, procurei um timbre “gordo” e agressivo. E, além disso, procurei imprimir muita personalidade a ele, também. Mas não fiz nada de diferente do que costumo fazer, liguei a guitarra no amplificador e só.

Nessa música são você e Mike nos backing vocais, certo?

John: Sim, nessa somos nós dois. Mas isso depende de cada música. Algumas ele faz sozinho, outras só eu faço, outras somos nós dois. Em A Ríte Of Passage eu faço a voz com tom mais baixo.

Você se sente bem fazendo backings?

John: Sim. Eu não tenho uma grande extensão vocal, então eu prefiro ficar com os graves, indo no máximo até os médios. E é sempre um desafio reproduzir isso ao vivo ao mesmo tempo em que toco guitarra. É algo que você precisa treinar bastante, e é nessas horas que aumenta meu respeito por Geddy Lee (N.T.: baixista, tecladista e vocalista do Rush), que consegue tocar o que ele toca ao mesmo tempo em que canta tudo o que canta!

Você escreveu praticamente todas as letras do disco. James LaBrie não participou do processo de composição? Porque parece estranho um vocalista não estar envolvido na composição das músicas que ele vai cantar...

John: James, de modo geral, nunca participa das composições. Ele não toca nenhum instrumento, ele já me disse que no seu trabalho solo ele solfeja os riffs que cria para os guitarristas e tecladistas, que desenvolvem a música a partir daí. Ele já colaborou com letras e melodias em outros discos, o que ele faz muito bem. Nesse disco, o que aconteceu foi que eu comecei a ter uma série de ideias para letras quando começamos a compor, a cada música que fazíamos eu dizia: ‘Deixa eu escrever essa, tenho uma ótima ideia para ela!’ E assim eu escrevi quase todas. Quer dizer, não tem nada a ver dizer que James não quis participar da composição do disco. Talvez se deixássemos com ele, as letras sairiam até melhores do que ficaram.

Wither é uma balada que dá muito destaque ao violão. Você usou um violão de doze cordas?

John: Não, usei um violão barítono (N.T.: instrumento de seis cordas com corpo de violão e braço de contrabaixo) afinado em si bemol. Esse é mais um exemplo em que o som limpo do violão dá uma nova textura ao som da música como um todo.

Na hora de tocar, sua abordagem é muito diferente entre um Rock e uma balada?

John: Quando estou tocando algo mais pesado, uso o som da guitarra, não tem que ficar mudando muito. O máximo que faço é incluir algum efeito. Mas o segredo é encontrar um som que funcione como base para todo o tipo de música que você venha a tocar. Aí, você pode adaptá-lo para qualquer circunstância. Se você faz um riff mais trabalhado, é só diminuir um pouco o ganho para dar mais precisão. Se vai fazer algo mais simples e pesado, é só aumentar o ganho. Mas você tem que ter habilidade para fazer isso com precisão a fim de não estragar o som. Mas o básico não muda; uma vez que você achou um bom som e posicionou certo o microfone, é só trabalhar os detalhes.

O que é mais complicado pra você, solar numa balada como Wither ou num tema rápido a exemplo de The Shattered Fortress? Pergunto isso porque a gente vê vários solos que soam forçados em baladas.

John: Nenhum dos dois é complicado pra mim. São apenas circunstâncias diferentes. O mais importante na hora de um solo é fazer com que ele seja apropriado para aquela música. Ele tem que ser musicalmente interessante e combinar com o tema. A abordagem é muito importante, mas não existe um mais fácil nem um mais difícil.

Você tem facilidade em transformar as ideias mais básicas em faixas finalizadas? Porque imagino que tudo o que você toca surge antes na sua cabeça. Quando você ouve a faixa pronta, ela soa semelhante àquilo que você tinha imaginado no início?

John: Definitivamente, essa é a parte mais divertida nisso tudo! A forma como o processo criativo se desenvolve, as diferenças entre o momento em que você escreve e o momento em que você interpreta, todos os experimentos que pode fazer... tudo isso é muito divertido! Você descobre coisas ótimas na base da tentativa e erro, assim como chega a resultados terríveis, e saber selecionar e identificar isso tudo é o segredo da coisa.

Mas há uma grande diferença entre gravar uma parte orquestrada repleta de guitarras e gravar um amontoado de notas... Como identificar essa diferença?

John: Sim, há o risco de ficar um negócio sem sentido... Eu acho, como já disse, que o segredo é deixar tudo bem musical. É muito fácil escrever algo que não faça sentido algum, é só pegar a guitarra e tocar algo estranho e atonal, alguém dobra isso e pronto, está lá um negócio realmente esquisito. Eu disse que é fácil, talvez nem o seja para todo mundo, mas é bem mais simples do que escrever algo que faça sentido. Por isso que eu acho que você deve dar um passo além, desafiar a você mesmo, usar algo que nunca tenha usado antes para fazer a coisa funcionar. E também, é claro, você precisa ter noções de melodia. Usando esses critérios, você pode até fazer algo mais estranho que vai funcionar do mesmo jeito. Era isso que distinguia Zappa das demais bandas, por exemplo.

De onde vem sua noção de harmonia para compor? Você cita Rush como influência, mas você chegou a se aprofundar na análise das músicas deles para verificar quais as progressões de acordes que eles usavam, por exemplo? Resumindo: quais suas influências na área de teoria musical?

John: Minhas influências vêm de tudo o que eu já ouvi, toquei, aprendi e vi na minha vida. Músicos são como esponjas, toda experiência que você tem desperta algo em sua mente e fica lá. Você ouve uma música no radio e escuta um acorde que chama sua atenção ou aprende um trecho de uma peça clássica e guarda aquilo com você. Tudo, enfim, tem chance potencial de influenciar você.

O Dream Theater tocou recentemente em Israel. Como foi essa experiência?

John: Foi ótimo! Nós nunca tínhamos estado lá e isso nos deixou bem ansiosos porque não sabíamos o que esperar. Há países em que você precisa tocar muitas vezes para criar uma base de fãs e há aqueles em que você já chega tocando em casas cheias. E em Israel foi desse último jeito. Nós tocamos lá num dia lindo, era um show ao ar livre. Tinha umas dez mil pessoas e os fãs israelenses se mostraram absolutamente malucos por nos ver. Foi algo realmente muito especial.

Você naturalmente sabe que cresce cada vez mais o número de bandas de Prog Metal. Você acha que o sucesso do Dream Theater ajudou nesse fenômeno?

John: Sim, sem dúvida. Não dá nem para comparar a popularidade desse estilo quando nós começamos com a fama que ele tem hoje. Sem dúvida, hoje há muito mais bandas tocando esse tipo de música, muitas delas dando uma abordagem totalmente nova ao gênero, o que é mu ito legal para o estilo como um todo.