Dream Theater – Distance and Time

New album for Dream Theater, who look back and draw on their past to rediscover a ‘choral’ way of making music.

Interview: Luca Fassina

With Distance Over Time, Dream Theater marks a return to their roots, not only to a harder sound, but also to a way of composing and being together, which harks back to their early days. John Petrucci talks about it in a calm, deep tone, his magnetic eyes staring at you through his shock of hair and hipster beard.

Luca Fassina: How did you arrive at an album so different from your recent works?

John Petrucci: Our previous album, The Astonishing, was also quite different from anything we’d done before. It was composed by Jordan Rudess and I in a very private way, between my house and his: we created the music together, I wrote the story and lyrics, and then we presented it to the band. We had the orchestra, a huge production, the tour... it was a very important project. Then we went on tour for the anniversary of Images And Words, which took us back to the ‘90s for the first time in a long time. In the spring, I was discussing with my wife how we should approach the new album, and she suggested we get together, rediscover our mutual connections.

LF: A sort of return to our roots?

JP: Exactly: we had to remember our origins, go back to our early twenties, when we all got together, playing nonstop for hours, all day. It was a shared feeling; we all wanted to rediscover that feeling, those simple gestures: setting up the gear, plugging the instruments into the amps, and off you go. It worked really well. The music we created has spirit, it’s fun, the riffs are strong, natural. We rediscovered our heavy side and dusted off a certain kind of prog that resides in our deepest selves. The place we holed up in definitely contributed a lot.

LF: And where did you hole up?

JP: We found this place in Monticello, near New York, among mountains, lakes, nature and forests, deer, bears... There was a small house where we could live with a barn converted into a professional studio; it had its own particular way of capturing live sound, which certainly influenced our writing, pushing us towards sounds that were best suited to those wooden walls with high ceilings. We stayed there for four months last summer. It had a summer camp feel. We even had a nice barbecue available, and we took turns cooking.

LF: Who was the best?

JP: Me, of course! A few years ago, Sterling Bass of Ernie Ball Music Man got me into smoking meats. I brought my own smoker and cooked all sorts of things. Mike Mangini tried his hand at chicken wings, James LaBrie at burgers... we ate a lot.

LF: You produced the album, as you have been doing since the release of Metropolis Pt. 2. How do you feel you’ve improved in this role?

JP: Scenes From A Memory was the first album where we didn’t use an outside producer. Portnoy and I really put in the work, and after Mike left, I continued on my own. You learn from experience; the more you practice, the better. But it’s not just about the production; there’s so much involved when you make a new album: the logistics, who’s doing it, where it’s going, who’s going to be hired, not to mention the fact that you always have to keep in mind the collective vision of the band, the direction it’s going in. You have to make sure everyone gives their all in the allotted time without losing sight of the primary objective... there’s a lot to do!

LF: What has stayed with you from this experience?

JP: When I listen back to Distance Over Time, I can remember exactly where I was and how I felt while writing every single song. It’s a very powerful feeling.

LF: I’ve noticed that all your lyrics, no matter how harsh, end with a line of hope...

JP: Thanks, that’s something no one ever sees. Even in a short song like ‘Barstool Warrior,’ I like to create a narrative curve that twists, makes people smile, and brings a bit of optimism. In ‘Paralyzed,’ I thought about the way I interacted with my parents as a kid; I was very stubborn and always sought provocation, confrontation, and endless arguments over everything... I thought about what it would be like, as an adult, to go back in time to meet that kid me and tell him to cut it out. Because by doing that, he blocked anything positive from happening and then paralyzed the situation without getting anywhere!

LF: Is it somehow connected to the song that precedes it on the album, ‘Untethered Angel’?

JP: In that song, I addressed a different fear: I was talking about young people today, who, when they finish school and face the world, are afraid to take the plunge. We live in a difficult world; social media creates expectations we didn’t have and creates a fear of facing the world and not making it, of not being successful, perhaps because it puts you in a box corresponding to a life you should have. When I was their age, it seemed like we weren’t afraid of anything, but that’s not true. The best advice I can give you is that at a certain point you have to just go for it, or you’ll get stuck halfway. You shouldn’t give in to fear.

LF: How did ‘Fall Into The Light’ come about?

JP: It’s something I wrote with John Myung, like ‘S2N’. John writes using very poetic imagery, but the sung form is necessarily different, so my job has always been to make his words singable. I’ve done it often in the past, but this time he wanted me to co-write the song because “I worked too hard on it.”

LF: What’s the message behind ‘S2N’?

JP: In ‘Signal To Noise,’ John talks about all the noise that hits us, bombarding us with negative news that blares from the high-sounding media headlines, giving us no respite from the television, the portable devices, the screens that surround us everywhere: there’s never any peace. You have to turn everything off, put down your smartphone, to be able to think more clearly.

LF: Where is the ‘Room 137’ Mike Mangini talks about?

JP: Mike is a very... mathematical guy. First of all, the piece has 137 beats per minute. Mike is also a fan of the philosopher Wolfgang Pauli – about whom he knows everything – who was also obsessed with finding the meaning of this number that recurs so often in the universe. Curious how Pauli ultimately died in the hospital, in Room 137.

LF: Have you found someone who should save us from ourselves, as you write in ‘Pale Blue Dot’?

JP: We travel through space on that “pale blue dot”, as that great science communicator Carl Sagan calls it, who made this beautiful reflection on the human race and our responsibility to each other and to our planet. I haven’t yet found anyone who could save us. Maybe there isn’t anyone, but why not keep believing?

Original text

Dream Theater – La Distanza E Il Tempo

Nuovo disco per i Dream Theater, che guardano indietro e ripescano dal loro passato un modo di fare musica ‘corale’.

Intervista: Luca Fassina

Con Distance Over Time, i Dream Theater segnano un ritorno alle origini, non solo rispetto a sonorità più dure, ma anche al modo di comporre e di stare assieme, che li riporta ai loro esordi. John Petrucci ne parla con tono calmo e profondo e due occhi magnetici che ti fissano tra la massa di capelli e la barba alla hipster.

Luca Fassina: Come siete arrivati a un album così differente dai vostri ultimi lavori?

John Petrucci: Anche il nostro disco precedente, The Astonishing, differiva parecchio da qualsiasi cosa avessimo fatto prima. Era stato composto da me e Jordan Rude in un modo molto privato, tra casa mia e casa sua: abbiamo creato assieme le musiche, io ho scritto la storia e i testi e poi lo abbiamo presentato alla band. Avevamo l’orchestra, una produzione enorme, il tour... era stato un progetto molto importante. Poi siamo stati in tour per l’anniversario di Images And Words, che ci ha riportati per la prima volta dopo tanto tempo nei nostri anni Novanta. In primavera, stavo discutendo con mia moglie su come avremmo dovuto affrontare il nuovo disco e lei ha suggerito che saremmo dovuti stare assieme, ritrovare le nostre reciproche connessioni.

LF: Una sorta di ritorno alle origini?

JP: Esattamente: dovevamo ricordarci delle nostre origini, ritornare ai nostri primi vent’anni, quando ci trovavamo tutti assieme suonando ininterrottamente per ore, per intere giornate. Era un sentimento condiviso, abbiamo tutti voluto ritrovare quel feeling, quei gesti semplici: sistemare le apparecchiature, connettere gli strumenti agli amplificatori e via. Ha funzionato molto bene. La musica che abbiamo creato ha spirito, è divertente, i riff sono forti, naturali. Abbiamo ritrovato il nostro lato heavy e rispolverato un certo tipo di prog che risiede nel nostro io più profondo. Sicuramente, il posto in cui ci siamo rintanati ha contribuito molto.

LF: E dove vi siete rintanati?

JP: Abbiamo trovato questo posto a Monticello, vicino a New York tra montagne, laghi, natura e foreste, cervi, orsi... C’era una casetta dove potevamo abitare con un granaio convertito in uno studio professionale; aveva un suo modo particolare di catturare il suono dal vivo che ha sicuramente influenzato anche la nostra scrittura, spingendoci verso le sonorità che meglio si adattavano a quelle pareti di legno dall’alto soffitto. Ci siamo stati quattro mesi, la scorsa estate. C’era un’aria da campo estivo. Avevamo anche un bel barbecue a disposizione e ci siamo alternati alla cucina.

LF: Chi è stato il più bravo?

JP: Io, ovviamente! Qualche anno fa Sterling Bass della Ernie Ball Music Man mi ha convertito all’affumicatura delle carni. Ho portato un mio affumicatore e ho cucinato di tutto. Mike Mangini si è cimentato con le alette di pollo, James LaBrie con gli hamburger... abbiamo mangiato molto.

LF: Il disco lo hai prodotto tu, come del resto fai da dopo l’uscita di Metropolis Pt. 2. Come ti senti migliorato in questa veste?

JP: Scenes From A Memory è stato il primo disco in cui non abbiamo usato un produttore esterno. Io e Portnoy ci siamo messi d’impegno e dopo che Mike se ne è andato, ho continuato da solo. S’impara con l’esperienza, più ti eserciti e meglio ti viene. Ma non si tratta solo della produzione, c’è così tanto in ballo quando fai un nuovo disco: la logistica, chi lo farà, dove lo si farà, chi andrà assunto, senza contare il fatto che devi sempre tener presente la visione collettiva della band, la direzione in cui si sta andando. Devi assicurarti che tutti diano il massimo nel tempo previsto senza perdere l’obiettivo primario... c’è tanto da fare!

LF: Cosa ti è rimasto dentro di questa esperienza?

JP: Quando riascolto Distance Over Time, riesco a ricordarmi esattamente in che posto ero e che cosa provavo mentre scrivevo ogni singola canzone. È una sensazione molto potente.

LF: Ho notato che tutti i tuoi testi, per quanto siano duri, chiudono con un verso di speranza...

JP: Grazie, è una cosa che non vede mai nessuno. Anche in un pezzo corto come ‘Barstool Warrior’ mi piace creare una curva narrativa che abbia una svolta, faccia sorridere e porti un po’ di ottimismo. In ‘Paralyzed’ pensavo al modo in cui da ragazzo interagivo con i miei genitori; ero molto testardo e cercavo sempre la provocazione, lo scontro, avevo delle infinite discussioni per qualsiasi cosa... pensavo a come sarebbe stato tornare, da adulto, indietro nel tempo per incontrare quel me ragazzino e dirgli di darci un taglio. Perché facendo così, bloccava qualsiasi cosa positiva dall’accadere e poi paralizzava la situazione senza andare da nessuna parte!

LF: È in qualche modo legata alla canzone che la precede nell’album, ‘Untethered Angel’?

JP: In quel brano, ho trattato di una paura differente: parlavo dei giovani di oggi, che quando finiscono la scuola e si affacciano al mondo, hanno paura di buttarsi. Viviamo in un mondo difficile; i social media creano delle aspettative che noi non avevamo e provocano la paura di affrontare il mondo e di non farcela, di non avere successo, forse perché ti inseriscono in un casella corrispondente a una vita che dovresti avere. Quando avevo la loro età, sembrava che non avessimo paura di nulla, ma non è vero. Il miglior consiglio che posso darvi è che a un certo punto dovete buttarvi e basta, o vi bloccherete a metà. Non bisogna darla vinta alla paura.

LF: Come è nata ‘Fall Into The Light’?

JP: È una cosa che ho scritto con John Myung, come ‘S2N’. John scrive utilizzando immagini molto poetiche, ma la forma cantata è necessariamente diversa, quindi io ho sempre avuto il compito di rendere cantabili le sue parole. L’ho fatto spesso in passato, ma questa volta lui ha voluto che co-firmassi il pezzo, perché “ci ho lavorato troppo”.

LF: Che messaggio c’è tra le righe di ‘S2N’?

JP: In ‘Signal To Noise’ John parla di tutto il rumore che ci investe, che ci bombarda con notizie negative che strillano dai titoli altisonanti dei media, che non ti danno tregua dalla televisione, dai dispositivi portatili, dagli schermi che ci circondano ovunque: non c’è mai pace. Devi spegnere tutto, mettere giù il tuo smartphone, per poter ragionare in maniera più chiara.

LF: Dove si trova la ‘Room 137’ di cui parla Mike Mangini?

JP: Mike è un tipo molto... matematico. Innanzitutto, il pezzo ha 137 battiti al minuto. Mike è anche un patito del filosofo Wolfgang Pauli – di cui sa tutto – che era a sua volta fissato sul trovare il significato di questo numero che ricorre molto spesso nell’universo. Curioso come Pauli alla fine sia morto in ospedale, nella stanza 137.

LF: Hai trovato chi dovrebbe salvarci da noi stessi, come scrivi in ‘Pale Blue Dot’?

JP: Noi viaggiamo nello spazio su quel pallido pallino azzurro, come lo chiama quel grande comunicatore scientifico di Carl Sagan, che ha fatto questa bellissima riflessione sulla razza umana e sulla responsabilità che abbiamo nei confronti l’uno dell’altro e del nostro Pianeta. Non ho ancora trovato chi potrebbe salvarci. Forse non c’è nessuno, ma perché non continuare a credere?