Tony Levin & Liquid Tension Experiment

More than two decades after the last time the fusion metal all-star band Liquid Tension Experiment recorded together in the studio in November 1998, its members – guitarist John Petrucci, keyboardist Jordan Rudess (both Dream Theater), drummer Mike Portnoy (ex-Dream Theater, The Winery Dogs), and bassist Tony Levin (King Crimson, Peter Gabriel) – are now opening a new chapter. The lockdown-induced hiatus from their other projects opened an unexpected window of opportunity, allowing them to record another LTE album.

As on their two previous albums, LTE 1 (1998) and LTE 2 (1999), the musicians showcase their exceptional technical skills on LTE 3, combined with accomplished compositions that are only missing vocals for mass-market appeal. Nevertheless, LTE 3 will undoubtedly find its buyers, as the band’s musicianship is absolutely captivating and has resulted in four stylistically very different songs, two distinctive duets, a spontaneous jam session called ‘Liquid Evolution,’ and an unusual cover version of George Gershwin’s ‘Rhapsody In Blue.’

We spoke with Los Angeles native Tony Levin about the studio session, characterized by mutual respect, and learned a great deal about his musical philosophy.

Matthias Mineur: Hi Tony, before we delve into more detail: When and with what objective did you decide to open a third chapter of Liquid Tension Experiment?

Tony Levin: First of all, there was no specific plan, no specific objective, and no firm agreements regarding the content. Last summer, Mike Portnoy called me and asked, “What’s up? Fancy a new LTE album?” To be honest, I was a little surprised, since we couldn’t really do any studio work due to the lockdown. But Mike had developed a good safety plan, and since everyone was enthusiastic about the idea of ​​producing a new LTE album, we quickly explored possible dates.

I was flexible with my time, especially since I didn’t have anything to prepare, as John Petrucci and Jordan Rudess usually handle the material gathering for LTE. They came up with a number of first-rate ideas again this time, so all I had to do was learn what they had come up with. But even that is always a huge challenge for me, because the others are incredibly virtuosic, have an extremely quick grasp of things, and finger technique that I can only admire. I’m not as quick as Mike, John, and Jordan at understanding and implementing things. But that’s precisely what I always enjoy so much: making music at a level that pushes me to my limits.

MM: Can you tell the difference between LTE 1 and LTE 3?

TL: Well, of course there are a few things that are different. Back then, before we recorded LTE 1, I didn’t know my three bandmates yet. We met up in Mike’s basement, jammed a bit, and tested whether we clicked musically and personally. At first, I was shocked by the incredibly high level of skill the three of them played. I’m not exactly the slowest on my instrument either, but I had to get used to Mike, John, and Jordan’s pace. But that’s exactly what appealed to me, even though I was always a little behind at the very beginning.

Luckily, the three of them were very patient with me. You can tell that we like each other and that everyone is considerate of one another. That also helped me to further develop my technique and be a better musician today than I was back then. My technique is more refined, and my understanding is faster.

MM: If you’re able to make music at this level, are there still things, songs, styles that don’t work?

TL: Yes, there definitely are. Thanks to John, Jordan, and Mike, we always have a lot of strong rock and metal ideas. Of course, they work – how could they not with the Dream Theater guys? It gets trickier when you want to incorporate jazzy parts or elements of Gypsy music. So you look for a way to still include them somehow, without compromising the band’s characteristic style.

LTE has its own sound. I like that. You can hear that we knew beforehand what this band should sound like. We suspected that the combination would work and appeal to the fans. Nevertheless, our songs are always a little different – sometimes fast and hard, then groovy and powerful, or even melodic and anthemic. Improvisation plays a big role in LTE, which is why we deliberately included the jam session ‘Liquid Evolution’ to show this side of LTE as well.

MM: As a bassist in a rock band, you’re usually the link between the melodic and rhythmic aspects of a song. Who do you look to more for inspiration, Mike Portnoy or the Petrucci/Rudess crowd?

TL: That’s a very good question, one I’ve never really thought about in detail. I think it varies from song to song and from passage to passage. When John or Jordan lay down a virtuoso riff, I naturally try to play it as precisely as possible. It’s always breathtaking how tight they play. I have to really push myself every time to keep up. When LTE is playing straightforward rock, I focus more on Mike Portnoy and look at the breaks he plays and where he places his fills. And when Jordan or John come up with an anthemic number, I analyze the melody very carefully and try to find something that fits. But of course, in all cases, I primarily listen to my own musical taste and my artistic experience.

MM: Are you generally more groove- or melody-oriented?

TL: I get asked that question quite often, and every time I have to think about it anew. I used to be the typical American groove player, primarily rhythm-oriented, whose goal was to deliver the best possible groove quality. Later, when I met Bill Bruford and Peter Gabriel, I learned a completely different approach. It was practically the exact opposite of what I had been doing up to that point. For Bruford, and also for Peter Gabriel, the tone, the sound, the mood of a song is far more important than technical accuracy.

In 1981, I joined King Crimson, another milestone in my career. That was the first time I picked up a Chapman Stick, and it completely changed my playing. Suddenly, the notes were more important to me than the grooves. I was invited into the studio by Paul Simon to play on his album. Paul has a very unique way of working: He sings the song to you, then you try out a few bass lines until Paul comes back and sings the desired bass part. Of course, this part is sung from a singer’s perspective, and my job is to turn it into the bass part of a bassist. I hope you understand what I mean! But Paul Simon also played a significant role in helping me think more melodically after a few productions with him.

MM: Have your style and taste changed significantly over the years?

TL: I can’t really answer that because I almost never listen to earlier albums. I’m too busy and constantly have new projects that I have to and want to take care of; there’s no time for retrospectives. But of course, I’ve had different phases, like every musician. That also depended on the instruments I was playing. I used to have a Fender bass, which had a relatively raw sound and distorted easily. Back then, that’s how people wanted it, and the pickups sounded accordingly. Today, I prefer a clearer sound with virtually no distortion. And the older I get, the more versatile I want to be.

MM: Do you remember your very first professional bass?

TL: Yes, I do, although I have to say I couldn’t pinpoint the exact moment when I started feeling like a professional. From a young age, all I wanted to do was make music, and it didn’t matter when I started getting paid for it. My first bass was a double bass, which I also played in the orchestra in Rochester. It was perfect for me because it was so loud that I could use it in my jazz bands as well.

Then, in 1965, as you probably know, I got my Ampeg Baby Bass, which I used for jazz concerts. In 1967, a jazz band came to Rochester whose bassist played a Fender Precision, which was quite unusual for jazz bands at the time. I wasn’t familiar with this bass model and asked, “What kind of bass is that?” The answer was, “If you’re interested in an instrument like this, go to New York and ask about a used Fender Precision. They’re affordable even for those on a budget.”

So I went to New York and actually found a used Precision for $180, which I then played for many years. It was very important for my career as a studio musician because back then all the producers wanted that raw Precision sound. These days, the demands have changed; now people want the Fender sound plus more low end. That’s how I ended up at Music Man in 1978.

MM: Are there specific things you’ve learned from Portnoy, Petrucci, and Rudess?

TL: I admire their work ethic. When we’re on tour with LTE, John, Jordan, and Mike practice all day long. I, on the other hand, am lazy, but I’m indirectly forced to practice more on tour. Besides, all three are committed team players, even though they’re outstanding individuals. That’s why LTE works so smoothly, because there’s a huge amount of mutual respect in the band. Being a good musician is one thing, but being a socially conscious person is at least as important.

Respect for each other’s work is a fundamental requirement for making music together. There’s mutual respect in LTE, and that’s why I love the band. The division of roles is clear anyway: John and Jordan bring the ideas, and Mike and I react to them. I think this division of labor is great; I’m not the type to push myself to the forefront. It’s important to me that I and my contributions aren’t ignored, and since everyone at LTE fully respects me, I couldn’t feel more at home in this band.

MM: Thank you for the interesting conversation, Tony, and all the best!

Original text

Tony Levin & Liquid Tension Experiment

von Matthias Mineur

Mehr als zwei Jahrzehnte nach dem letzten gemeinsamen Studiotermin der Fusion-Metal-Allstar-Band Liquid Tension Experiment im November 1998, schlagen deren Mitglieder – Gitarrist John Petrucci, Keyboarder Jordan Rudess (beide Dream Theater), Schlagzeuger Mike Portnoy (Ex-Dream Theater, The Winery Dogs) und Bassist Tony Levin (King Crimson, Peter Gabriel) – nun ein neues Kapitel auf. Die Lockdown-bedingte Zwangspause ihrer sonstigen Projekte hat ihnen ein unerwartetes Zeitfenster geöffnet und die Aufnahmen eines weiteren LTE-Albums ermöglicht.

Wie schon auf den beiden Vorgängerwerken ‚LTE 1‘ (1998) und ‚LTE 2‘ (1999) zeigen die Beteiligten auf ‚LTE 3‘ ihre exorbitant hohen technischen Fertigkeiten, verbunden mit gelungenen Kompositionen, zu deren massenkompatibler Vermarktung eigentlich nur der Gesang fehlt. Dennoch wird auch ‚LTE 3‘ zweifelsohne seine Käufer finden, denn die Musikalität der Formation ist absolut faszinierend und hat zu vier stilistisch ganz unterschiedlichen Songs, zwei eigenwilligen Duetten, einer spontanen Jamsession namens ‚Liquid Evolution‘ und einer ungewöhnlichen Coverversion von George Gershwins ‚Rhapsody In Blue‘ geführt.

Wir haben uns mit dem aus Los Angeles stammenden Tony Levin über die von gegenseitigem Respekt geprägte Studiosession unterhalten und dabei auch eine Menge über seine musikalische Philosophie erfahren.

Matthias Mineur: Hallo Tony, bevor wir stärker ins Detail gehen: Wann und mit welcher Zielsetzung habt ihr entschieden, ein drittes Kapitel von Liquid Tension Experiment aufzuschlagen?

Tony Levin: Zunächst einmal: Es gab keinen speziellen Plan, keine spezielle Zielsetzung und keine festen inhaltlichen Verabredungen. Im vergangenen Sommer rief mich Mike Portnoy an und fragte: „Wie sieht’s aus? Bock auf ein neues LTE-Album?“ Ich war, ehrlich gesagt, ein wenig überrascht, da wir aufgrund des Lockdowns ja eigentlich keine Studioarbeit machen konnten. Aber Mike hatte ein gutes Sicherheitskonzept ausgearbeitet, und da alle von der Idee begeistert waren, ein neues LTE-Album zu produzieren, wurden schnell Terminmöglichkeiten abgeklopft.

Ich war zeitlich flexibel, zumal ich nichts vorzubereiten hatte, denn das Materialsammeln übernehmen bei LTE für gewöhnlich John Petrucci und Jordan Rudess. Sie kamen auch diesmal wieder mit einer Reihe erstklassiger Ideen an, sodass ich einfach nur zu lernen hatte, was sie sich ausgedacht hatten. Aber auch das ist für mich stets eine riesige Herausforderung, denn die anderen sind unglaublich virtuos, haben eine extrem schnelle Auffassungsgabe und eine Fingertechnik, vor der ich nur den Hut ziehen kann. So schnell, wie Mike, John und Jordan Dinge begreifen und umsetzen können, bin ich nicht. Aber genau das ist für mich ja auch immer wieder der große Spaß, nämlich auf einem Niveau Musik zu machen, das mich an meine Grenzen bringt.

MM: Kannst du Unterschiede zwischen ‚LTE 1‘ und ‚LTE 3‘ erkennen?

TL: Na ja, natürlich gibt es ein paar Dinge, die anders sind. Damals, bevor wir ‚LTE 1‘ aufnahmen, kannte ich meine drei Kollegen noch nicht. Wir trafen uns bei Mike im Keller, jammten ein wenig und testeten, ob wir uns musikalisch und menschlich verstehen. Am Anfang war ich geschockt, auf welch unglaublich hohem Niveau die drei spielen. Ich bin auf meinem Instrument auch nicht gerade der Langsamste, aber an das Tempo von Mike, John und Jordan musste ich mich erst einmal gewöhnen. Aber genau das reizte mich, obwohl ich ganz am Anfang immer ein wenig hinterherhinkte.

Zum Glück waren die drei sehr geduldig mit mir. Man merkt, dass wir uns mögen und jeder auf den anderen Rücksicht nimmt. Auch das hat dazu geführt, dass ich meine Technik weiterentwickeln konnte und heute ein besserer Musiker bin als damals. Meine Technik ist ausgefeilter und meine Auffassungsgabe schneller.

MM: Wenn man in der Lage ist, auf diesem Niveau Musik zu machen, gibt es dann noch Dinge, Songs, Stile, die nicht funktionieren?

TL: Ja, die gibt es durchaus. Durch John, Jordan und Mike haben wir immer eine Menge starker Rock- und Metal-Ideen. Die funktionieren natürlich, wie sollte es bei den Dream-Theater-Jungs auch anders sein. Wenn man jazzige Parts oder Elemente von Gypsy-Musik einbauen möchte, wird es schon kniffliger. Also sucht man nach einem Weg, sie dennoch irgendwie stattfinden zu lassen, ohne dass der charakteristische Stil dieser Band darunter leidet.

LTE haben einen eigenen Sound. Mir gefällt das. Man hört, dass wir vorher wussten, wie diese Band in etwa klingen soll. Wir ahnten, dass die Kombination funktionieren und den Fans gefallen wird. Trotzdem sind unsere Songs immer ein wenig anders, mal schnell und hart, dann wieder groovend und kraftvoll, oder auch melodisch und sogar hymnisch. Der Improvisationsgedanke spielt bei LTE eine große Rolle, auch deshalb haben wir bewusst die Jamsession ‚Liquid Evolution‘ draufgelassen, um auch diese Seite von LTE zu zeigen.

MM: Als Bassist einer Rockband ist man zumeist das Bindeglied zwischen dem melodischen und dem rhythmische Aspekt eines Songs. An wem orientierst du dich stärker, an Mike Portnoy oder an der Petrucci/Rudess-Fraktion?

TL: Das ist eine sehr gute Frage, über die ich noch nie konkret nachgedacht habe. Ich denke, es ändert sich von Song zu Song und von Passage zu Passage. Wenn John oder Jordan ein virtuoses Riff raushauen, spiele ich das natürlich möglichst exakt mit. Es ist immer wieder atemberaubend, wie tight sie spielen. Ich muss mich da jedes Mal mächtig sputen, um mithalten zu können. Wenn bei LTE gradlinig gerockt wird, konzentriere ich mich stärker auf Mike Portnoy und schaue mir an, welche Breaks er spielt und wo er Fills setzt. Und wenn Jordan oder John mit einer Hymne ankommen, analysiere ich ganz genau die Melodie und versuche, etwas Passendes dazu zu finden. Aber natürlich höre ich in allen Fällen vor allem auf meinen eigenen musikalischen Geschmack und auf meine künstlerische Erfahrung.

MM: Bist du generell eher Groove- oder Melodie-orientiert?

TL: Diese Frage stellt man mir öfter, und jedes Mal muss ich aufs Neue darüber nachdenken. Früher war ich der typische amerikanische Groove-Spieler, der überwiegend rhythmisch ausgerichtet war und dessen Ziel lautete, die bestmögliche Groove-Qualität zu liefern. Als ich später dann Bill Bruford und Peter Gabriel traf, lernte ich einen völlig anderen Ansatz kennen. Es war quasi das pure Gegenteil von dem, was ich bis dahin gemacht hatte. Für Bruford und auch für Peter Gabriel ist der Ton, der Klang, die Stimmung eines Songs weitaus wichtiger als spielerische Genauigkeit.

1981 kam ich zu King Crimson, ein weiterer Meilenstein in meiner Karriere. Damals nahm ich zum ersten Mal einen Chapman Stick in die Hand, und damit änderte sich mein gesamtes Spiel. Plötzlich waren mir die Töne wichtiger als die Grooves. Ich wurde von Paul Simon ins Studio geladen, um auf seinem Album zu spielen. Paul hat eine ganz eigene Arbeitsweise: Er singt einem den Song vor, dann testet man ein paar Basslinien, bis Paul wieder reinkommt und den gewünschten Bass-Part vorsingt. Natürlich ist dieser Part dann aus Sicht eines Sängers gesungen, und meine Aufgabe ist es, daraus den Bass-Part eines Bassisten zu machen. Ich hoffe, du verstehst, was ich meine!? Aber auch Paul Simon hat maßgeblich dazu beigetragen, dass ich nach ein paar Produktionen mit ihm von ganz alleine melodischer dachte.

MM: Haben sich dein Stil und dein Geschmack im Laufe der Jahre signifikant verändert?

TL: Darauf kann ich dir eigentlich keine Antwort geben, weil ich mir so gut wie nie frühere Alben anhöre. Ich bin zu beschäftigt und habe ständig neue Projekte, um die ich mich kümmern muss und will, da bleibt keine Zeit für Retrospektiven. Aber natürlich hatte ich unterschiedliche Phasen, wie jeder Musiker. Das lag aber auch an den jeweiligen Instrumenten, die ich spielte. Früher hatte ich einen Fender Bass, der relativ rau klang und schnell verzerrte. Damals wollte man das so, dementsprechend klangen die Pickups. Heute stehe ich auf einen klareren Sound mit quasi null Verzerrung. Und je älter ich werde, um so vielseitiger möchte ich spielen.

MM: Kannst du dich noch an deinen allerersten professionellen Bass erinnern?

TL: Ja, kann ich, wobei ich dazu sagen muss, dass ich nicht genau den Zeitpunkt benennen könnte, ab wann ich mich als Profi fühlte. Denn ich wollte von klein auf nur Musik machen, und da spielte es keine Rolle, ab wann ich dafür bezahlt wurde. Mein erster Bass war ein Kontrabass, den ich auch in Rochester im Orchester spielte. Er war perfekt für mich, denn er war so laut, dass ich ihn auch in meinen Jazzbands einsetzen konnte.

1965 folgte dann, wie du sicherlich weißt, mein Ampeg Baby Bass, mit dem ich dann die Jazz-Konzerte bestritt. 1967 kam eine Jazzband nach Rochester, deren Bassist einen Fender Precision spielte, was für damalige Jazzbands ziemlich ungewöhnlich war. Ich kannte dieses Bassmodell nicht und fragte: „Was für ein Bass ist das?“ Die Antwort lautete: „Wenn dich ein solches Instrument interessiert, fahr nach New York und frag nach einem gebrauchten Fender Precision. Die sind auch für den kleinen Geldbeutel bezahlbar.“

Ich fuhr also nach New York, fand tatsächlich einen gebrauchten Precision für 180 Dollar, den ich dann viele Jahre gespielt habe. Er war für meine Karriere als Studiomusiker sehr wichtig, denn damals wollten alle Produzenten diesen rauen Preci-Sound. Heutzutage haben sich die Ansprüche geändert, heute möchte man den Fender-Sound plus mehr Low-End. So bin ich 1978 bei Music Man gelandet.

MM: Gibt es bestimmte Dinge, die du von Portnoy, Petrucci und Rudess lernen konntest?

TL: Ich bewundere ihre Arbeitsmoral. Wenn wir mit LTE auf Tour sind, üben John, Jordan und Mike den ganzen Tag über. Ich dagegen bin faul, werde aber indirekt dazu gezwungen, auch mehr auf Tournee zu üben. Außerdem sind alle drei überzeugte Teamplayer, und das, obwohl sie hervorragende Individualisten sind. Deshalb funktioniert LTE auch so stresslos, weil in dieser Band ein riesiger gegenseitiger Respekt herrscht. Ein guter Musiker zu sein ist das eine, aber auch ein sozial denkender Mensch zu sein ist mindestens genauso wichtig.

Respekt vor der Leistung des jeweils anderen ist eine Grundvoraussetzung, um gemeinsam Musik machen zu können. Bei LTE gibt es gegenseitigen Respekt und dafür liebe ich die Band. Die Rollenverteilung ist sowieso klar: John und Jordan schleppen die Ideen an, Mike und ich reagieren darauf. Ich finde diese Aufgabenteilung super, ich bin kein Typ, der sich in den Vordergrund drängelt. Mir ist wichtig, dass man mich und meine Beiträge nicht ignoriert, und da mich bei LTE alle voll respektieren, könnte ich mich in dieser Band kaum wohler fühlen.

MM: Vielen Dank für das spannende Gespräch, Tony, und weiterhin alles Gute!