Beyond Genres

Thirty years ago, Dream Theater released their second album, Images And Words. Eight splendid songs in which the American band takes inspiration from Rush and Marillion, combining speed, technique, inventiveness, and a sense of melody.

Text: Paolo Carnelli

“Prog metal or metal prog? At the time, no one was using these terms yet. We simply defined ourselves as a prog band from Long Island with a metal sound.” [John Petrucci’s statements are taken from a video interview conducted by Revolver magazine last July on the occasion of the thirtieth anniversary of Images And Words.] John Petrucci, guitarist and founding member of Dream Theater, has a clear idea of the context in which the band took its first steps in its career. The ‘80s brought us the Hair Metal phenomenon and so many great albums thanks to artists like Rush, Iron Maiden, and Ozzy Osbourne. Then came a huge shift in the music landscape: 1991 saw the arrival of Nirvana’s Nevermind, Pearl Jam’s Ten, Soundgarden’s Badmotorfinger... the previous year, Alice in Chains’ Facelift had been released.

Their Recording Debut

In such a context, no one knew what to expect from an album like Images And Words, the second album from the band formed in Massachusetts in 1985 by three Berklee College of Music students: Petrucci, bassist John Myung, and drummer Mike Portnoy. Along with keyboardist Kevin Moore and singer Charlie Dominici, the three signed to Mechanic Records and released their first album, When Dream And Day Unite, in 1989. Despite the record company’s lackluster promotional efforts – a sub-label created by MCA in the late 1980s, which also included Voivod – I clearly remember the moment my brother brought home that vinyl and, especially, the weeks that followed, with the strains of ‘Ytse Jam’ and ‘The Killing Hand’ blasting from the speakers. After their debut, however, the band entered a kind of limbo: the tour to promote When Dream And Day Unite was limited to a few dates in the New York area, including one at the Ritz as opening act for Marillion, and so Dream Theater decided to terminate their record deal and simultaneously change their singer. Auditions continued for about a year and a half, during which time the four musicians fortunately continued to write new music. In the end, the choice fell on Canadian James LaBrie, formerly of the glam band Winter Rose. The band signed a new deal with Atco Records, thanks in part to the positive feedback of former Gentle Giant member Derek Shulman: “I remember they didn’t sign us right away, but we were ‘on trial’ for a while: they sent us into the studio and had us record a demo tape containing three songs. Of course, they wanted to hear James, and at that point they were convinced. Unfortunately, we made a mistake no band should ever make: signing a contract for eight albums. The label had the option to renew the contract or not after each album, which they duly did, but over the years, a lot has changed: Atco was constantly in and out of touch, and even though the label was still part of the Warner group, it first merged with EastWest and then with Elektra...”

The Birth of Images And Words

The recording sessions for Dream Theater’s second album took place at BearTracks Studios in New York between October and December 1991 under the direction of producer David Prater, fresh from his huge commercial success with the glam metal band Firehouse. The studio, owned by Jay Beckenstein of Spyro Gyra, was created in the early 1980s by converting a farm complex featuring a large stone barn. The band finally had the opportunity to capture on tape (the entire album was recorded analog) all the songs they conceived over the past year and a half, though there were still challenges, as Petrucci recalls: “Obviously, David was brought in by the record company to make our sound more accessible. His inspiration was Firehouse, with whom he’d just had a lot of success, but they were playing a completely different genre than ours, and this choice initially left us very perplexed. But in the end, I think the combination of our ‘prog’ style and his approach as a producer, which was to make everything very clear and crisp to the ear, as if it were a ‘pop’ album, was one of the keys to the album’s success.” Images And Words remains Dream Theater’s most successful album, thanks in large part to the opening track, ‘Pull Me Under’, which was released as a single and for which a promotional video was also made [edited to just under five minutes long] and placed in heavy rotation on MTV. For us, it was just a collection of songs of varying lengths, all characterized by unconventional arrangements. The fact that it sold so well really surprised everyone. In my opinion, the album should be listened to in one go. As a young man, we were big fans of Rush’s Hemispheres; we never listened to a single track from the album, but rather both sides in a row... it was like watching a movie. Although Images And Words is not a true concept album, there is this idea of creating a tracklist that defines a sort of path: for example, we would never have decided to open the album with ‘Another Day’ instead of ‘Pull Me Under’, because that would have been too soft a start. Instead, the album closes with an epic piece like ‘Learning To Live’. The way the music flows within an album was and still is very important to us: it is never simply a sequence of songs but, regardless of whether it is a concept album or not, a listening path that should be followed. enjoyed in the same way we were used to listening to our vinyl records as kids.”

Listening Guide

1. Pull Me Under (8’13”)

The album opens immediately with its flagship track, ‘Pull Me Under,’ which played a decisive role in making the band known worldwide. From its length – over eight minutes, even though the song was edited down to just under five minutes for the music video – to its structure, it’s a composition seemingly ill-suited to radio promotion: just consider that LaBrie starts singing after two minutes and that the chorus only arrives after almost four turns of the clock. “We didn’t set out to write a song that could be successful on the radio. It’s still an eight-minute song with a lot of variations within it. I think it had a lot to do with the historical context: in a period in which the music market was dominated by grunge, ‘Pull Me Under’ had a very different sound, and this became a sort of distinctive brand. College radio was the first to notice it, and from there the song exploded.” The song is credited to the entire group, even though the initial guitar riff was composed by Petrucci alone: “It all started almost by chance with the opening guitar riff: I started playing it alone and thought it was interesting, so we developed it until we had the complete song. Technically, to achieve such a full-bodied guitar sound, we recorded the same part several times, changing the tape speed to achieve a real chorus effect: I think there are as many as six guitar tracks layered together, played and mixed differently. After an instrumental coda, the song ends abruptly, as if someone had turned off the power and the CD player or turntable had suddenly stopped playing. Apparently, unable to figure out how to handle the final crescendo, Mike Portnoy had the idea of emulating the Beatles’ ‘I Want You (She’s So Heavy),’ included on Abbey Road (1969), and making a clean cut.

2. Another Day (4’23”)

After the opening fireworks, Dream Theater take a breather with the second track and indulge in the ritual ballad. ‘Another Day’ features guest appearances by BearTracks Studios owner Jay Beckenstein, who contributes his soprano sax to this song, giving it a unique flavor. The harmonic progression of the central part recalls the first chords of Marillion’s ‘Heart Of Lothian’, confirming how the English band was a tangible source of inspiration for the four American boys.

3. Take The Time (8’20”)

We return to the long form with ‘Take The Time,’ a song that would serve as a template for many of the band’s future compositions. The structure itself isn’t that of a pop song, as it features many instrumental sections, but it still features a very catchy chorus that gets stuck in your head. “From Images And Words onward, our goal has been to always try to include something catchy, even within the most complex pieces, to ensure that as many people as possible can relate to our compositions.” ‘Take The Time’ is the only song on the album where the lyrics were written collectively: each member of the band contributed a verse. Memorable is the use of a sample from Giuseppe Tornatore’s 1990 Oscar-winning film Cinema Paradiso, in which you can hear the phrase in Italian, “ora che ho perso la vista ci vedo di più.”

4. Surrounded (5’30”)

A piece that begins slowly, recalling The harmonic modulation of Frankie Goes to Hollywood’s ‘The Power of Love’ is quite evident, and it also picks up some Marigold atmospheres. Regarding this track, Petrucci recalls a funny anecdote: “When it came time to record the guitar solo, I played it as I had in mind, but David Prater rushed out of the control room to tell me that he thought it was horrible and just sounded like a bad copy of an Eddie Van Halen solo. I was very surprised by his negative opinion, but in the end we found common ground, and the result is what you hear on the album: a more rhythmic guitar part that helps the song flow. Unfortunately, I don’t have the recording of the original solo, but on that occasion I learned that sometimes during the production of an album, even the things that seem most successful and special can be questioned.”

5. Metropolis – Part I: The Miracle And The Sleeper (9’32”)

The quintessential “Dream Theater sound” features nearly ten minutes of instrumental evolutions with repeated solos, including one featuring keyboardist Kevin Moore and guitarist John Petrucci simultaneously. The song’s title is a tribute to Rush: “I proposed that title – Metropolis Part 1 – because I really liked the fact that Rush used titles like ‘Cygnus X-1 Book I’ for their songs, and then only released Part 2 on the next album. We called it ‘Metropolis Part 1’ without knowing when we’d release Part 2. In the end, ten years later, we recorded an entire album called Metropolis Pt. 2 Scenes From A Memory, in the same studio as Images And Words.” Again, there was friction between the band and the producer: “David wanted to handle the album mix himself. When we first heard it, we were very surprised because there were so many things we weren’t expecting. For example, the intro to ‘Metropolis Part I’ was entirely constructed by David, stealing various things here and there and adding percussion and vocals.

6. Under A Glass Moon (7’03”)

Another excellent track featuring a breathtaking drum pattern and a very catchy chorus. “I wrote the lyrics while sitting in the car in front of my house: it was raining but there was a moon, and this image was the main source of inspiration. Then I remember that the section where I had to overdub the guitar solo was very strange and peculiar, so much so that I had to hole up at home to try to find a solution. In the end, an interesting solo emerged, even if a bit heterogeneous in terms of the techniques used, but that’s because the rhythmic basis was really complicated to follow.”

7. Wait For Sleep (2’31”)

‘Wait For Sleep’ is a bit of a prologue to the following track, ‘Learning To Live’. Indeed, the musical themes present in this interlude for voice and piano will be fully developed in the following track. “Over time, it’s become one of our trademarks: introducing themes in a song that will then be reprised later in the same piece or in other compositions. It’s a technique commonly adopted by many bands we love, like Yes, Rush, or Pink Floyd.”

8. Learning To Live (11’30”)

A fitting finale to an album without any dips in tone, in which Petrucci also treats us to a fine acoustic guitar solo: “I should have recorded an electric guitar solo with the acoustic guitar as support, but in the end, the exact opposite happened!”

Original text

Oltre I Generi

Trent’anni fa i Dream Theater pubblicavano il loro secondo album, Images And Words. Otto splendidi brani in cui la band americana riprende la lezione di Rush e Marillion, coniugando velocità, tecnica, inventiva e senso della melodia.

Testo: Paolo Carnelli

“Prog metal o metal prog? All’epoca nessuno utilizzava ancora questi termini. Noi stessi ci definivamo semplicemente un gruppo prog di Long Island che aveva sonorità metal”. [Le dichiarazioni di John Petrucci sono tratte da una videointervista realizzata dalla rivista «Revolver» lo scorso luglio in occasione del trentennale di Images And Words.] John Petrucci, chitarrista e membro fondatore dei Dream Theater, ha le idee chiare sul contesto in cui la band ha mosso i primi passi della sua carriera. “Gli anni Ottanta ci avevano regalato il fenomeno Hair Metal e tanti dischi bellissimi grazie ad artisti come Rush, Iron Maiden e Ozzy Osbourne. Poi c’è stato un grande cambiamento nel panorama musicale: nel 1991 arrivarono i Nirvana di Nevermind, i Pearl Jam di Ten, Badmotorfinger dei Soundgarden... l’anno precedente era uscito Facelift degli Alice in Chains”.

Il debutto discografico

In un contesto del genere, nessuno sapeva cosa aspettarsi da un album come Images And Words, secondo lavoro della band nata in Massachusetts nel 1985 dall’unione di tre allievi del Berklee College of Music: Petrucci, il bassista John Myung e il batterista Mike Portnoy. Insieme al tastierista Kevin Moore e al cantante Charlie Dominici, i tre firmano un contratto con la Mechanic Records e nel 1989 pubblicano il loro primo album, When Dream And Day Unite. Nonostante lo scarso impegno promozionale della casa discografica – una sotto etichetta creata dalla MCA alla fine degli anni Ottanta, di cui facevano parte anche i Voivod – ricordo chiaramente il momento in cui mio fratello portò a casa quel vinile e soprattutto le settimane successive, in cui dalle casse risuonavano in continuazione le note di ‘Ytse Jam’ e ‘The Killing Hand’. Dopo il debutto, la band entra però in una specie di limbo: il tour per promuovere When Dream And Day Unite si limita infatti a poche date nell’area di New York, tra cui una al Ritz come gruppo di apertura per i Marillion, e così i Dream Theater decidono di sciogliere il contratto discografico e allo stesso tempo di cambiare cantante. Le audizioni vanno avanti per circa un anno e mezzo, periodo durante il quale i quattro musicisti fortunatamente continuano a scrivere nuova musica. Alla fine la scelta ricade sul canadese James LaBrie, proveniente dalla glam band Winter Rose. La band firma un nuovo contratto con la Atco Records, grazie anche al parere positivo dell’ex Gentle Giant Derek Shulman: “Ricordo che non ci hanno messo subito sotto contratto, ma siamo stati ‘in prova’ per un certo periodo: ci hanno mandati in studio e ci hanno fatto registrare un demo tape contenente tre pezzi. Ovviamente hanno voluto ascoltare James e a quel punto si sono convinti. Purtroppo abbiamo fatto un errore che nessuna band dovrebbe mai fare, cioè firmare un contratto per ben otto album. L’etichetta aveva l’opzione di rinnovare o meno il contratto dopo ogni album, cosa che puntualmente ha fatto, ma negli anni molte cose sono cambiate: alla Atco c’era un via vai continuo di gente, e anche se l’etichetta faceva sempre parte del gruppo Warner, prima si è fusa con la East West e poi con la Elektra...”.

Le nascita di Images And Words

Le sessioni di registrazione del secondo album dei Dream Theater si svolgono ai BearTracks Studios di New York tra l’ottobre e il dicembre del 1991 sotto la direzione del produttore David Prater, fresco reduce dal grande successo commerciale con la band Glam Metal Firehouse. Lo studio, di proprietà di Jay Beckenstein degli Spyro Gyra, era stato creato all’inizio degli anni Ottanta riconvertendo un complesso agricolo dotato di un grande fienile in pietra. Finalmente la band ha la possibilità di fissare su nastro (tutto l’album è stato registrato in analogico) tutte le canzoni che ha concepito nell’ultimo anno e mezzo, anche se le problematiche non mancano, come ricorda Petrucci: “Ovviamente David venne coinvolto dalla casa discografica per rendere il nostro sound più accessibile. Il suo riferimento erano i Firehouse, con cui aveva appena avuto molto successo, però loro facevano un genere completamente diverso dal nostro e questa scelta inizialmente ci lasciò molto perplessi. Però alla fine credo che la combinazione tra il nostro stile “prog” e il suo approccio come produttore, che era quello di rendere tutto molto limpido e chiaro all’ascolto, come se si trattasse di un disco “pop”, sia stata una delle chiavi della riuscita del disco”. Images And Words rimane infatti tuttora l’album di maggior successo dei Dream Theater, soprattutto grazie alla traccia iniziale, ‘Pull Me Under’, pubblicata come singolo e per la quale venne anche realizzato un video promozionale (dalla durata editata a poco meno di cinque minuti) che fu inserito in rotazione su MTV. “Per noi si trattava solo di una collezione di canzoni di varia lunghezza, caratterizzate tutte da arrangiamenti non convenzionali. Il fatto che sia andato così bene a livello di vendite ha veramente sorpreso tutti quanti. A mio avviso l’album andrebbe ascoltato tutto di seguito. Da giovani eravamo dei grandi fan di Hemispheres dei Rush: non ascoltavamo mai una singola traccia del disco ma tutte e due le facciate di seguito... era come vedere un film. Nonostante Images And Words non sia un vero e proprio concept album, c’è questa idea di creare una tracklist che definisca una specie di percorso: per intenderci, non avremmo mai deciso di aprire il disco con ‘Another Day’ invece che con ‘Pull Me Under’, perché si sarebbe trattato di un inizio troppo morbido. La chiusura invece è affidata a un pezzo epico come ‘Learning To Live’. Il modo in cui fluisce la musica all’interno di un album per noi era ed è tuttora molto importante: non si tratta mai semplicemente di una sequenza di canzoni ma, al di là del fatto che sia un concept o meno, di un percorso di ascolto che andrebbe fruito nello stesso modo in cui noi da ragazzi eravamo abituati ad ascoltare i nostri vinili”.

Guida All'ascolto

1. Pull Me Under (8’13”)

L’album si apre subito con il suo pezzo di punta, ovvero quella ‘Pull Me Under’ che contribuì in maniera decisiva a far conoscere la band in tutto il mondo. A partire dalla durata – oltre otto minuti, anche se il brano venne editato a poco meno di cinque minuti per realizzare il relativo videoclip – fino alla struttura, si tratta di una composizione apparentemente poco adatta per la promozione radiofonica: basti pensare che LaBrie inizia a cantare dopo due minuti e che il ritornello arriva solo dopo quasi quattro giri di orologio. “Non abbiamo deciso a tavolino di scrivere un pezzo che potesse avere successo in radio. Si tratta pur sempre di un brano di otto minuti con un sacco di variazioni al suo interno. Penso che è dipeso molto dal contesto storico: in un periodo in cui il mercato musicale era dominato dal grunge, ‘Pull Me Under’ aveva delle sonorità molto differenti e questo è diventato una sorta di marchio distintivo. Le radio dei college sono state le prime ad accorgersene e da lì in poi il pezzo è esploso”. La canzone è accreditata all’intero gruppo, anche se il riff di chitarra iniziale è stato composto dal solo Petrucci: “Tutto è nato quasi per caso dal riff di chitarra in apertura: ho iniziato a suonarlo da solo e ho pensato fosse interessante, così lo abbiamo sviluppato fino ad avere la canzone completa. A livello tecnico, per ottenere un suono di chitarra così corposo abbiamo registrato la stessa parte diverse volte cambiando la velocità del nastro per avere un effetto reale di chorus: credo siano addirittura sei le tracce di chitarra sovrapposte, suonate e mixate in maniera differente”. Dopo una coda strumentale il brano si interrompe bruscamente, come se qualcuno avesse staccato la corrente e il lettore Cd o il piatto avessero smesso improvvisamente di suonare: a quanto pare, non riuscendo a capire come gestire il crescendo finale, Mike Portnoy ebbe l’idea di emulare i Beatles di ‘I Want You (She’s So Heavy)’, inclusa in Abbey Road (1969) e operare un taglio netto.

2. Another Day (4’23”)

Dopo i fuochi d’artificio d’apertura, con la seconda traccia i Dream Theater tirano il fiato e si concedono la ballad di rito. In ‘Another Day’ è presente come ospite il proprietario dei BearTracks Studios, ovvero Jay Beckenstein, che contribuisce a questa canzone con il suo sax soprano, conferendogli un sapore particolare. La progressione armonica della parte centrale ricorda nei primi accordi quella di ‘Heart Of Lothian’ dei Marillion, a conferma di come la band inglese abbia costituito una fonte di ispirazione tangibile per i quattro ragazzi americani.

3. Take The Time (8’20”)

Si torna alla lunga durata con ‘Take The Time’, un brano che rappresenterà il modello per molte altre composizioni future della band: di per sé la struttura non è quella di un pezzo pop, perché ci sono molte sezioni strumentali, ma è comunque presente un ritornello molto orecchiabile che ti rimane in testa. “Da Images And Words in poi il nostro obiettivo è stato quello di cercare di inserire sempre qualcosa di orecchiabile, anche all’interno dei pezzi più complessi, per fare in modo che un maggior numero di persone potesse relazionarsi con le nostre composizioni”. ‘Take The Time’ è l’unica canzone dell’album in cui il testo è stato scritto collettivamente: ogni componente del gruppo si è preso carico di una strofa. Memorabile l’utilizzo di un campionamento tratto dal film Nuovo Cinema Paradiso di Giuseppe Tornatore, premio Oscar nel 1990, in cui è possibile ascoltare la frase in italiano “ora che ho perso la vista ci vedo di più”.

4. Surrounded (5’30”)

Un pezzo che inizia lento richiamando in modo abbastanza evidente la modulazione armonica di ‘The Power Of Love’ dei Frankie Goes to Hollywood e che riprende anche alcune atmosfere marilliche. A proposito di questa traccia, Petrucci ricorda un aneddoto divertente: “Quando arrivò il momento di registrare l’assolo di chitarra lo suonai come avevo in mente, ma David Prater uscì di corsa dalla sala regia per dirmi che secondo lui era orribile e sembrava solo una brutta copia di un assolo di Eddie Van Halen. Rimasi molto sorpreso del suo giudizio negativo, ma alla fine trovammo un punto di incontro e il risultato è quello che si sente nel disco: una parte di chitarra più ritmica che aiuta la canzone a scorrere. Purtroppo non ho la registrazione dell’assolo originale, ma in quell’occasione ho imparato che a volte durante la produzione di un album anche le cose che ci sembrano più riuscite e più speciali possono essere messe in discussione”.

5. Metropolis – Part I: The Miracle And The Sleeper (9’32”)

La quintessenza del “Dream Theater sound” in quasi dieci minuti di evoluzioni strumentali con soli a ripetizione, tra cui spicca quello che vede protagonisti in contemporanea il tastierista Kevin Moore e il chitarrista John Petrucci. Il titolo del brano è un omaggio ai Rush: “Ho proposto quel titolo – Metropolis parte 1 – perché mi piaceva molto il fatto che i Rush per le loro canzoni utilizzassero titoli come ‘Cygnus X-1 Book I’, e poi pubblicassero la seconda parte solo nel disco successivo. L’abbiamo chiamato ‘Metropolis Part I’ senza sapere quando avremmo pubblicato la seconda parte. Alla fine dopo dieci anni abbiamo registrato un intero album intitolato Metropolis Pt. 2 Scenes From A Memory, tra l’altro proprio nello stesso studio di Images And Words”. Anche in questo caso non mancano gli attriti tra band e produttore: “David ha voluto occuparsi da solo del mix dell’album. Quando l’abbiamo ascoltato per la prima volta siamo rimasti molto sorpresi, perché c’erano un sacco di cose che non ci aspettavamo. Ad esempio l’introduzione di ‘Metropolis Part I’ è stata interamente costruita da David rubando varie cose qua e là e aggiungendo delle percussioni e delle parti vocali”.

6. Under A Glass Moon (7’03”)

Altro ottimo brano caratterizzato da un pattern di batteria mozzafiato e da un ritornello molto orecchiabile. “Ho scritto il testo mentre ero seduto in macchina davanti casa: pioveva ma c’era la luna, e questa immagine è stata la principale fonte di ispirazione. Poi ricordo che la sezione in cui dovevo sovraincidere l’assolo di chitarra era molto strana e particolare, tanto che mi sono dovuto rintanare a casa per cercare di trovare una soluzione. Alla fine è uscito fuori un assolo interessante anche se un po’ eterogeneo dal punto di vista delle tecniche utilizzate, ma il motivo è che la base ritmica era veramente complicata da seguire”.

7. Wait For Sleep (2’31”)

‘Wait For Sleep’ è un po’ il prologo della successiva ‘Learning To Live’. Infatti i temi musicali che sono presenti in questo interludio per voce e piano si svilupperanno compiutamente nella traccia seguente. “Col tempo è diventato uno dei nostri marchi di fabbrica: anticipare in un brano dei temi che poi saranno ripresi successivamente nello stesso pezzo o in altre composizioni. Del resto si tratta di una tecnica adottata abitualmente da parecchie band che amiamo, come Yes, Rush o Pink Floyd”.

8. Learning To Live (11’30”)

Il degno finale di un album privo di cadute di tono, in cui Petrucci ci regala anche un pregevole assolo di chitarra acustica: “Avrei dovuto registrare un assolo di chitarra elettrica con il supporto della chitarra acustica e invece alla fine è successo l’esatto contrario!”.