Dream Theater: The Roaring Forties

This year, seemingly out of nowhere, Dream Theater celebrates its 40th anniversary. This anniversary was fittingly celebrated with a special tour (the 40th Anniversary Tour 2024-2025), also celebrating the return of drummer Mike Portnoy to the band, which saw him perform in front of an audience that had never been larger. The quintet’s concert at the Adidas Arena in Paris on November 23, 2024, as part of this event, was filmed for the release of a live album in the coming months. As Dream Theater prepares to release its sixteenth studio album, Parasomnia [February 7 – Ed.], John Petrucci, the band’s guitarist and founder, spoke to us about the band’s latest news. By Stéphane Auzilleau – Interview conducted on January 15, 2025

Stéphane Auzilleau: Can you tell us a little more about how Mike Portnoy’s return to the band came about? What triggered this comeback?

John Petrucci: People often find it hard to believe, but it happened almost instantly, without any anticipation. It’s as if we didn’t need to talk about it. Everyone assumed that the fact that Mike played on my latest solo album and went on tour with me immediately after we recorded a Liquid Tension Experiment album together in 2020 [the supergroup comprising John Petrucci, Mike Portnoy, Jordan Rudess, and Tony Levin – Ed.] was a way of preparing the ground and would inevitably lead to Mike’s return. However, during all this time, there were no real plans for his return. At the end of 2023, our fortieth anniversary was approaching, and we were starting to think about creating a new studio album, which was already planned for recording in 2024. That’s when I had a simple conversation with Mike, and we said, “Okay, the time has come!” It made sense. And the weird thing is, everyone understood, including Mike Mangini.

SA: It must have been a tough call to tell Mike Mangini, who was Dream Theater’s drummer from 2010 to 2023. Did you take charge of that?

JP: Yes. It’s never fun having to let someone go. I’ve been in that position before, and it’s definitely not my favorite. But honestly, Mike Mangini made the conversation much easier. When I called him to explain the situation, and told him we’d made the decision to bring Mike Portnoy back, he literally replied, “I totally understand, it makes sense!” It’s almost as if he knew it was coming, even though none of us really had it in mind.

SA: Mike Portnoy also went to see Dream Theater live in New York in 2022. It was his first time since he left the band. At that point, people thought something was up...

JP: Probably, but that wasn’t the case at the time. You have to understand that following Mike’s departure, we remained very close, our families and us, to the point that our daughters live together, etc. This decision to have Mike Portnoy return is important. No one wanted to disrupt anything in the band dynamic at that time. The fact that it happened so quickly and so naturally was kind of the only obvious way to proceed. It’s really hard to explain, but it just suddenly appeared one day as the right thing to do. Specifically, this idea came to me during a discussion with our manager. We concluded that conversation by saying, “Okay, let’s do it!”

SA: How did you prepare for this tour celebrating your fortieth anniversary and Mike’s return to the drums? Were there any particular adjustments that needed to be made to bring him back into the band? How did you choose the songs you play on this anniversary tour, particularly those from the Mike Mangini era?

JP: The very first thing I did when Mike came back was to ask him to take care of the setlists again. Honestly, it’s a difficult job. I’ve been doing it for the past 14 years and I didn’t find it fun. But I think Mike is really good at it. He takes it very seriously and excels at it. He not only understands what the fans expect from us, but also knows the history of what we’ve played in the different countries and cities we’ve played in. He also has a sense of setlist structure, that is, an ability to articulate the sequence of songs in a very natural and relevant way. So he’s perfect for that. As for the songs from the Mangini era, he didn’t know many of them. So we made a few suggestions, and he ultimately settled on the two songs we’re performing on this tour: ‘This Is The Life’ and ‘Barstool Warrior.’ He listened to them and thought they were excellent. As for preparing for the tour itself, we did the same as any other tour. We put in a lot of work first to make sure we had the chosen repertoire down to a tee, before moving on to live rehearsals with the full production lineup: lighting, staging, lasers, and everything else. It took us a while, but we wanted to be ready for the first show, which was at the O2 in London, a very large venue for a show that was bound to be very high-profile [October 20, 2024 – Ed.]. I think that, thanks to all that preparation, those dates put on a great show. But it felt very, very natural and normal to be playing with Mike again. Nothing unusual or surprising.

SA: It was perhaps more obvious for you and Jordan because you had already played with Mike again, with Liquid Tension Experiment or on your solo album. Perhaps it was a little different for John Myung, given the necessary osmosis of the bass/drum rhythm session?

JP: Yes, that’s true. At the end of 2022, I did a whole tour with Mike, during which we traveled across the United States and Canada. So I was very comfortable. But I think we probably got all that out in the studio, because we started writing together in February of last year, which led to a lot of jamming. And it felt totally natural, as it always has [when we spoke with John Myung after the first show at the O2, he told us that, for him, playing with Mike Portnoy again was “the most natural thing in the world” – Ed.].

SA: Are you satisfied with the first leg of this tour, especially in terms of attendance and audience reception?

JP: How could you not be? I’m more than satisfied: blown away by the turnout. It’s incredible! We’re playing a lot of big venues, and most of them are sold out. The audience reaction is simply extraordinary, even when we start playing ‘Night Terror,’ which is a new song. Seeing people react to a brand new song in such a positive way is very satisfying. I look out at the audience and see people crying, hugging, laughing, and so on. It’s very moving, very meaningful. I think for fans who have been following us for a long time, like you, this is a big moment that people have been waiting for and hoping for. As for younger fans, many of them have never seen Mike play in Dream Theater. So, for them, it’s also incredibly exciting.

SA: Why did you choose to record the Paris concert for a Blu-ray release? For technical reasons?

JP: First of all, I want to say that the Paris audience is always extraordinary. When we choose a city for a live recording, it’s always the result of a carefully considered approach. We think about the different audiences and cities that best convey their passion and devotion, and provide us with that boosting energy. And Paris is definitely one of them! We’ve always received an incredible welcome in your capital. Another reason was the type of venue we wanted to film this show in. We really wanted to do it in a proper arena. Some of the venues we play in are nice, but they’re not really conducive to video recording. In Germany, for example, most venues are converted halls and not specifically designed for concerts. The first big shows of this tour, when we played the O2 in London, or Milan and Rome in Italy, were cool, but they came too soon. So we chose a time a little closer to the end of the tour to make sure we had complete control of the show, in all its aspects: musical, obviously, but also technical. And you still need a few dates to fully get the hang of it. Paris sort of matched everything we were looking for. Hence our choice. Also, even if it’s a coincidence, our producers are French-Canadian, and they speak French. Which made things easier.

SA: Unfortunately for you, you were sick that day... Were you able, despite everything, to give your best and enjoy the moment?

JP: Yes, but it’s so frustrating when you’re on tour, knowing that at some point, you’re probably going to get sick. We travel so much and meet so many people that it’s inevitable. So you dread the day you’re told that the first member of the team is sick. As it happens, Jordan caught a virus right after the first London show. You know that the fateful moment of recording is coming and that you absolutely have to be at your best, without really being able to do anything except take every possible precaution. Unfortunately, I got sick in Paris. I must be cursed because it’s not the first time. When we recorded Score [2006] at Radio City Music Hall in New York, I was also in a terrible state! So I consulted a doctor the morning of the Paris show and did my best. But I think I’ve played much better on other dates.

SA: I seem to remember that you got a bit confused on the solo in ‘Hollow Years’...

JP: Indeed, and it’s the only time on this tour! [laughs] So, I’m going to have to “fix” that. To do that, I think we’ll use the recording of the previous show. I can’t let that go.

SA: When will this live album recorded in Paris be released?

JP: Towards the end of the year. I don’t have a specific release date to give you, but I know it’s not anytime soon.

SA: Now let’s talk about this new album, Parasomnia. First of all, given the shared theme of the songs dealing with sleep and dreams, would you say it’s a concept album?

JP: Yes, definitely, even if it’s not in the classic sense of the term, but more in the style of Pink Floyd’s The Dark Side Of The Moon [1974], or Six Degrees Of Inner Turbulence [2002], at least the first disc, or Octavarium [2005]. The notion of a concept album is flexible. Parasomnia is, in this sense, different from Metropolis Part 2: Scenes From A Memory [1999], which told a single story. This is a conceptual album because it should be listened to as a whole. It too has a beginning and an end, as well as recurring themes that, in a way, connect the songs together. We also paid great attention to ensuring that the production accentuates this effect, particularly through arrangements that subtly echo each other at different points throughout the album.

SA: For over fifteen years now, that is, since Mike Portnoy’s departure, you’ve taken sole charge of the band in many areas, including the production of your albums. One might have thought that Mike’s return would change things and that the division of roles and the balance that existed between the two of you would be restored... However, it seems that this isn’t the case, since you produced this album alone, unlike all your albums released between 1999 and 2007, which were co-produced by Mike.

JP: Mike and I had a long conversation before he joined the band, so I could explain to him what had changed since his departure. He was particularly understanding and respectful of our new way of working. He understood the trajectory of the band in his absence, the directions we wanted to go in, etc. He saw what we accomplished without him and how I led and ensured consistency in our journey. He also complimented me a lot on many of the decisions and things I did. But at the same time, as you know, Mike is very creative. He wants to be involved and have his say. But he is also very respectful. In a word, he was great! He asked my permission to do certain things. The communication was excellent. Our roles were defined in such a way that it was clearly stated that I was going to produce this record alone. But as it was being designed, Mike asked me if I minded him being there during the singing sessions or other key moments. It made sense. I told him he was back in Dream Theater and that it was his band, but he understood the evolution and didn’t question the changes that had taken place. The same goes for the preparation of the tour, in which he got a little more involved and found his new place, his new role. I think he feels good about it. There are a lot of aspects that he used to supervise that he no longer needs to manage. And he’s probably more comfortable now! But there are a lot of things that really interest him because he’s a very proactive person. He’s creative and he wants to be involved. And for me, that’s really cool because I haven’t really had, since he left in 2009, another partner to ask “Hey, what do you think about this? And that?” It’s very nice for me to have this opportunity to get his opinion and to be sort of “challenged.” It also takes some pressure off my shoulders because I’m not carrying the weight of all the decisions alone.

SA: Does that mean the way you worked on this new album has changed a bit compared to what you did on your previous album with Mike Mangini?

JP: Mike Portnoy is very involved when we’re composing with him. He’s not the type to sit in a corner and wait for someone to tell him what to do. On the contrary, he’s very active, giving his opinion, suggesting ideas. And above all, when we play something and wonder if it sounds like another one of our songs, he’ll immediately be able to answer precisely, like, “Yes, it reminds us of this passage from this song on the Train Of Thought album!” So yes, clearly, this kind of more proactive contribution in the band has undoubtedly changed our dynamic, but in a very good way, as it has always been the case in the past. The biggest difference is, again, that he now defers to me on the production side. But he still has that same personality and comes up with a ton of ideas. I respect that a lot, and it’s great to be able to lean on him. He’s a fabulous partner!

SA: Since you mention references to your previous albums, it seems to me that the epic track ‘The Shadow Man Incident’ contains a few nods to Metropolis Part 2: Scenes From A Memory. Am I wrong?

JP: It does, but it’s not intentional. The funny thing is, there’s a rhythmic figure that introduces this sort of John Williams-esque Star Wars section of the track, which does indeed sound very Metropolis Part 2. At one point, when we were writing it, we deliberately mixed it with ‘Metropolis’ for a few seconds, as a sort of teaser. For fun too. But we quickly came back to this idea because we told ourselves we didn’t want people to be misled into thinking this track was ‘Metropolis Part 3.’ While some melodies are reminiscent of the album in question, nothing was done on purpose, even though, at several points during the writing process, I really felt it sounded like Scenes From A Memory. It’s probably the more melodic side of this last track, when Jordan accompanies me on piano, that recalls the atmosphere of that album.

SA: Often, when a journalist discovers an album, they try to compare, label, and find references. After listening to Parasomnia many times, it seems to me that it’s generally closer to Train Of Thought [2003] in the very heavy and powerful nature of certain tracks, as well as to Scenes From A Memory in its melodies. What do you think?

JP: I agree with that 100%. It’s a combination of those elements, like what we’ve done on some albums before Mike left: I’m thinking of Systematic Chaos [2007] and Black Clouds And Silver Linings [2009], where we already found some slightly darker passages, on a track like ‘The Dark Eternal Night’, for example. But yes, I agree with the obvious reference to the atmosphere of the two albums you mentioned. Whenever it happens when we’re writing, that is to say that something reminds us of a previous song or album, we accept it. We just say to ourselves that it’s cool and that we shouldn’t be afraid of it. We’re not going to parody ourselves or copy what we’ve already done. That would be stupid. But if a passage recalls Train Of Thought or Scenes From A Memory, it’s perhaps a good thing, because Mike’s return also induces a bit of nostalgia and a retro feel. So we decided to accept it. Every time this happened, we’d think, “Okay, this song reminds us a little bit of ‘In The Name Of God’. What do we do?” Usually, we ended up saying that we shouldn’t be afraid of it. We think our long-time fans will feel this familiarity and smile. It’s the same for us: it makes us feel good.

SA: This record ends, once again, with a twenty-minute song. Does this mean that slipping an epic song at the end of the album is now a must for Dream Theater?

JP: I have a feeling it is! [laughs] Could fans resent us for releasing a Dream Theater album without an epic song at the end? I don’t know, but it’s sure that some of them might admit to being dissatisfied. It’s funny. So, I think it’s definitely a tradition now.

SA: Did you feel any particular pressure during the making of this new album, especially because of the fans’ expectations?

JP: We obviously knew there would be a lot of expectations for this record. As a producer, it was my duty to make sure the album sounded as good as possible. We don’t want people to be distracted by the audio quality of a recording. That shifts the appreciation of an album and the discussions into something other than the artistic, like, “Oh, I don’t like the sound of the snare drum, etc.” So I wanted to make sure we had our usual team, with Jimmy T and Andy Sneap, on hand for the mix to ensure the best possible sound. That’s what happened, and I’m very happy with the result. As for pressure... I don’t really know. I think we all realized that if we just be ourselves and let the musical chemistry that binds us work, everything will be fine. If we work on songs that excite us, that make us happy and put a smile on our faces, then we can deliver the best of ourselves and are able to put all our energy into our music. Before starting this album, I had prepared myself perfectly: I had researched ideas, collected many riffs, etc. I knew that each of us would give our all and that the performances would be excellent. In fact, I don’t think anyone puts more pressure on us than ourselves! But yes, there are definitely a lot more expectations than in the past. As you know, fans have been hoping for this moment, some of them since Mike left in 2009. They were wondering what the new Dream Theater repertoire would sound like with him back behind the drums. We knew that the spirit of the band was still there, obviously. At the end of recording, we realized that this record sounded exactly as we had imagined it. And even though it may seem a little strange, given that some time has passed since then, it seems to us to be in the same vein as Black Clouds And Silver Linings...

SA: It really is... The production on the album is remarkable, and your guitar, like Jordan’s keyboards, sounds simpler, more natural than before...

JP: Thank you very much! It’s not easy to figure out how to make guitar or keyboard parts sound spacious, to reproduce the result you might hear in a large venue. And, perhaps counterintuitively, this sometimes involves simplifying the effects. The sounds on Parasomnia may also seem more familiar or retro because we purchased and used the original Neve preamps we used on Images And Words [1992], Six Degrees Of Inner Turbulence [2002], Scenes From A Memory [1999], and Train Of Thought [2003]. We bought them back from Doug Oberkircher, our sound engineer at the time, who came to the studio and sold them to us. This allowed us to immerse ourselves in a familiar sonic environment, which was very pleasant, and almost reassuring in a way.

SA: What was the first song you wrote?

JP: It was ‘Night Terror,’ our first single. It set the tone for the album because it’s a pretty crazy, very rich track. It’s based on powerful riffs with a dark and mysterious tone. It sets the mood for Parasomnia. It’s technical, melodic, full of riffs, with catchy choruses, in other words, all the things we love combined in one song.

SA: Have you paid particular attention to fan reactions to the first two tracks released so far, namely ‘Night Terror’ and ‘A Broken Man’?

JP: I’m always very cautious about that. But I know that when we release a new song, it’s exciting to get reactions because no one has heard it yet and we’re kind of blind. For the most part, what I saw and read was very positive. And what I found interesting, about ‘A Broken Man’ in particular, is that people reacted a lot to the guitar solo. It’s a topic that’s become very prominent in forum discussions. This solo is a bit unusual, especially if a metal fan isn’t familiar with the Dixie Dregs style or rock ‘n’ roll swing. Because, in that case, they wonder what this UFO is! So it was quite exciting to see that. Exciting and cool...

SA: Do you have a favorite song on this album?

JP: I have two. My favorite is probably ‘Dead Asleep.’ I really like that song, its riff, and the main theme of the song that follows. I actually tried to capture the spirit of Ozzy Osbourne’s ‘Diary of a Madman,’ which evokes dark, rainy roads. That song, and the album of the same title, are a reference point for me and were a part of my youth. I also really like ‘The Shadow Man Incident,’ especially the “Latin” section: that jam with the acoustic piano, an extended Latin solo, in the spirit of Chick Corea and his band Return To Forever. Again, Return To Forever is one of my major influences and helped shape much of our original sound. Some young metal fans may not be familiar with this reference and may not know that our music also stems from Dixie Dregs, Return To Forever, Chick Corea, and other bands from this musical school. These influences still shape our artistic approach and our compositions, perhaps more subconsciously than consciously.

SA: ‘The Shadow Man Incident’ also features some very beautiful vocal melodies...

JP: Thank you! Yes, that’s true. We wanted James [LaBrie] to perform in his best register, the one where the emotions he expresses are incredibly accurate and transport you. So we made sure to keep him in that range. And I’m very happy with the result. I think the melodic side of Dream Theater is incredibly important. Most of the time, that “singing” and melodic side is the glue that holds crazy songs together. In any case, yes, he did a good job.

SA: I suppose you also paid attention to ensuring that he could then easily perform these songs live...

JP: Yes, exactly, it’s extremely important. Sometimes, during the recording, he would tell us that he wanted to perform certain parts in a particular way, to take a particular piece further, and I would tell him that he had to keep in mind that he would have to be able to reproduce everything we recorded live. And when he felt that it might be difficult for him to achieve that, he would say, “Okay, you’re right. I understand.” We had these kinds of exchanges throughout the recording.

SA: For many years, James has often been criticized for his live performances. This was less true during your last tour, where, after a few warm-up dates, he really delivered some great performances. I’m thinking in particular of a song like ‘Octavarium’...

JP: That’s right, and I’m really happy for him. People can be extremely harsh and say some truly horrible things about him. He’s been working very hard, with a coach, over the last year to make sure he’s able to perform at his best. He’s doing very well, and I’m glad things have calmed down in that regard. James is my favorite singer of any genre, so I just want to see him succeed. He’s also a really good person. So I’m glad things have calmed down because there’s no justification for it.

SA: Also on this new record is ‘Midnight Messiah,’ which is definitely one of the most powerful songs in your repertoire...

JP: Thank you so much! We’ll be releasing it very soon, and I can’t wait for people to finally hear it. I think it’s going to be a great song live. I can already imagine the fans reacting to it. It’s going to be cool. It’s important to mix it up. Offering audiences songs of different styles is part of our DNA. However, I must admit that I love playing particularly heavy songs like this one.

SA: Speaking of which, do you already have in mind which songs from this album you’ll be playing live after this 40th anniversary tour? Will you be making any changes to your setlist for the American leg of this tour, which kicks off on the day of the album’s release?

JP: Since Mike is back in charge of the setlists, we’ll indeed be making some changes, the idea being to play several songs each night. Then, after our summer tour of European festivals, we’ll be focusing on Parasomnia. Our idea is to put together a show that leverages the concept of Parasomnia, to create a kind of audience experience around the album’s theme. We’re really keen to play the entire album live because it really makes sense. That’s what we’ve discussed together and what we have in mind at this stage. I’m particularly excited for everyone to see the work Hugh Syme, our illustrator, has done on this album and its concept. It’s very scary and dark, and we think that transposing all these ideas onto the stage could produce something powerful. We’re used to playing a lot of concerts, and sometimes touring several times for the same album, which means we have to be able to always offer something different and inspiring, to renew ourselves.

SA: When you were a young student at Berklee College of Music in 1985, did you imagine yourself, forty years later, talking to a journalist about your 16th album, after a tour of venues in Europe and South America?

JP: No, of course not. We couldn’t be certain. But we dreamed about it and aspired to make that dream come true, and that’s why we worked so hard. I met Mike at Berklee, when we were barely 18. I already knew John Myung from middle school. Our heroes were Iron Maiden, Rush, and those bands that were both very successful and had exemplary careers. I particularly mention Iron Maiden for the international dimension of their career. They played all over the world, gave huge concerts... It's something we wanted to do, something we aspired to. John Myung and I spent hours and hours covering the entire Maiden repertoire, and in particular the albums Killers [1981] and The Number Of The Beast [1982], of which we knew every song from the first to the last second. We were crazy about this band. As was Mike, for that matter. If John Myung and I quickly became friends at Berklee, it’s because we shared a love for metal and complex progressive rock, while most of our classmates were much more into jazz or fusion. But at that time, even though we were living totally for music and practicing our instruments and our first compositions like crazy, I couldn’t imagine that we would have the journey that we have. A career is truly a journey, and when I realize that Dream Theater is in its fortieth year, it makes me a little dizzy. It’s a lot, but on the other hand, I’m still the same person. I still feel that same excitement when I go on stage, and I can’t believe that we’re playing some songs that we wrote more than thirty years ago! We’re very lucky because, if you look back, few bands have such a long, uninterrupted career and such a loyal following, which is even continuing to grow. The success of our recent tour is wonderful... You can only dream of that.

SA: Dream Theater is particularly renowned for the technical prowess of each of its musicians. How do you maintain this technique? Do you practice your instrument a lot and are you still trying to learn new things?

JP: It’s funny you should ask because I was just talking about it with Steve Morse [Dixie Dregs, ex-Deep Purple] just last night! To be a professional musician, especially when you’re playing in a demanding musical style, you always have to be at your best. When people decide to go to a concert, they sometimes buy their tickets months in advance and look forward to it. On the day of the show, they come to the show and don’t care if this or that musician is sick or weakened for some reason. So, on that day, if you pick up your guitar for the first time in two weeks, you won’t be able to live up to the legitimate expectations of your audience. People want to see a band in top form. It’s like when you watch the Olympic Games: you want to see the athletes at the peak of their performance, pushing themselves to the limit and attempting to break records. And these athletes can’t get to such an event without having trained and prepared tirelessly. It requires so much work that you have to be constantly “in it.” Laziness is not an option! [laughs] The first date of our American tour is on February 7th. Please believe me, I play guitar every day, both to rehearse the songs we will be performing, but also to try new things, innovate, and learn techniques I haven’t mastered yet. If I didn’t force myself to do that, I wouldn’t be able to live up to the expectations of the fans who come to see us. It’s as simple as that, and you have no choice. I think people who aren’t musicians don’t realize that playing a song you haven’t played in a while is not easy. You have to be able to remember what you wanted to express, and how you went about doing it. Sometimes, when I go back to some of our older songs, I think “my God, what was I playing there? This is crazy. Why did I do that?” [laughs] There is never, ever, a single moment where you can say to yourself “OK, I’m just going to sit down and be quiet.” Now, this is not specific to music, or even to sports, high level or not, because it concerns all professions requiring a form of skill, whether physical or intellectual. After too long a break, a craftsman or trader will also probably find it difficult to return to his job as efficiently as before without a period of time to regain his skills, to relearn how to do what he is supposed to master. Maybe if you play slightly simpler music, you can have a few drinks before a concert, but I assure you that this is absolutely unthinkable for us. It is also a question of respect for the people who paid to come and see us. Given the price of concert tickets today, some fans have to make sacrifices and deprivations to experience this moment of musical sharing with you. We must be aware of this and respect it. This respect for the public therefore involves this daily requirement to stay in top shape and always seek to surpass oneself. In any case, this is my vision of things, and that of the group as a whole.

Original text

Dream Theater : La Quarantaine Rugissante

Cette année, l’air de rien, Dream Theater fête ses 40 ans de carrière. Cet anniversaire a été dignement célébré par une tournée ad hoc (le 40th Anniversary Tour 2024-2025), fêtant également le retour du batteur Mike Portnoy au sein du groupe, qui a vu ce dernier jouer devant un public n’ayant jamais été aussi conséquent. Le concert donné par le quintet à l’Adidas Arena de Paris le 23 novembre 2024 dans ce cadre a d’ailleurs été filmé en vue de la publication d’un live dans les mois à venir. Au moment où Dream Theater s’apprête par ailleurs à sortir son seizième album studio, Parasomnia (Ndlr : le 7 février), c’est John Petrucci, le guitariste et patron du groupe, qui s’est confié à nous à propos de l’actualité fournie du combo.

Par Stéphane Auzilleau – Interview réalisée le 15 janvier 2025

Stéphane Auzilleau : Peux-tu nous en dire un peu plus sur la manière dont s’est déroulé le retour de Mike Portnoy dans le groupe. Quel a été l’élément déclencheur de ce comeback ?

John Petrucci : Les gens ont souvent de la peine à le croire, mais ça s’est passé quasi instantanément, sans anticipation d’aucune sorte. C’est comme si nous n’avions pas eu besoin d’en parler. Tout le monde a imaginé que le fait que Mike joue sur mon dernier album solo et soit parti en tournée avec moi dans la foulée, après que nous avons, en 2020, enregistré ensemble un album de Liquid Tension Experiment (Ndlr: le super groupe comprenant en son sein John Petrucci, Mike Portnoy, Jordan Rudess et Tony Levin), était une manière de préparer le terrain et devait inexorablement conduire au retour de Mike. Or, pendant tout ce temps, il n’était pas vraiment prévu qu’il revienne. A la fin de l’année 2023, notre quarantième anniversaire commençait à se profiler et nous commencions à réfléchir à la conception d’un nouvel album studio, dont l’enregistrement était d’ores et déjà prévu courant 2024. C’est à ce moment-là que j’ai eu une conversation toute simple avec Mike, à l’issue de laquelle nous nous nous sommes dit: « d’accord, le moment est arrivé ! ». Cela avait du sens. Et ce qui est bizarre, c’est que tout le monde l’a compris, y compris Mike Mangini.

SA : Il n’a quand même pas dû être évident de l’annoncer à Mike Mangini, qui a été le batteur de Dream Theater de 2010 à 2023. Est-ce toi qui t’en es chargé ?

JP : Oui. Ce n’est jamais drôle de devoir laisser partir quelqu’un. Je me suis déjà trouvé dans cette position par le passé, et ce n’est clairement pas celle que je préfère. Mais honnêtement, Mike Mangini a rendu la conversation bien plus facile. Quand je l’ai appelé pour lui expliquer la situation, et que je lui ai dit que nous avions pris la décision de réintégrer Mike Portnoy, il m’a littéralement répondu : « Je comprends tout à fait, c’est logique ! ». C’est un peu comme s’il savait que ça allait arriver, alors qu’aucun d’entre nous ne l’avait réellement en tête.

SA : Mike Portnoy était également allé voir Dream Theater sur scène à New York en 2022. Une première depuis son départ du groupe. A ce moment-là, les gens ont pensé que quelque chose se tramait...

JP : Sans doute, mais ce n’était pas le cas à l’époque. Il faut bien comprendre que suite au départ de Mike, nous sommes restés très proches, nous et nos familles respectives, à tel point que nos filles habitent ensemble, etc. Cette décision que Mike Portnoy revienne est importante. Personne ne voulait casser quoi que ce soit dans la dynamique du groupe à ce moment-là. Le fait que ça se soit passé si rapidement et si naturellement était en quelque sorte la seule façon évidente de procéder. C’est vraiment difficile à expliquer, mais c’est apparu soudainement, un jour, comme la chose à faire. Très précisément, cette idée s’est imposée à moi lors d’une discussion avec notre manager. Nous avons conclu cette conversation en disant « Ok, faisons-le ! ».

SA : Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée célébrant votre quarantième anniversaire et le retour de Mike derrière les fûts ? Y a-t-il eu des ajustements particuliers à faire pour le réintégrer au sein du groupe ? Comment avez-vous choisi les chansons que vous jouez sur cette tournée anniversaire et en particulier celles de l’époque de Mike Mangini ?

JP : La toute première chose que j’ai faite quand Mike est revenu, c’est de lui demander de s’occuper à nouveau des setlists. Honnêtement, c’est un travail difficile. Je m’y suis collé ces 14 dernières années et je n’ai pas trouvé l’exercice amusant. Or, je pense que Mike est vraiment doué pour ça. Il prend cela très au sérieux et excelle dans ce domaine. Il comprend non seulement ce que les fans attendent de nous, mais connait aussi l’historique de ce que nous avons joué dans les différents pays et différentes villes dans lesquels nous nous sommes produits. Il a aussi le sens de l’agencement des setlists, c’est-à-dire une capacité à articuler l’enchainement des morceaux de manière très naturelle et pertinente. Il est donc parfait pour ça. En ce qui concerne les chansons de l’ère Mangini, il n’en connaissait pas beaucoup. Nous lui avons donc fait quelques suggestions et il a finalement porté son choix sur les deux titres que nous interprétons sur cette tournée, à savoir « This Is the Life » et « Barstool Warrior ». Il les a écoutés et a trouvé que ces morceaux étaient excellents. Quant à la préparation de la tournée proprement dite, nous avons fait comme pour n’importe quelle autre tournée. Nous avons d’abord beaucoup travaillé afin de nous assurer de maîtriser parfaitement le répertoire retenu, avant de passer aux répétitions en conditions réelles, avec l’ensemble de la production : les lumières, la mise en scène, les lasers et tout le reste. Cela nous a pris du temps, mais nous voulions être prêts pour le premier concert, qui a eu lieu à l’O2 de Londres, une très grande salle pour un show forcément très médiatisé (Ndlr : le 20 octobre 2024). Je pense que, grâce à toute cette préparation, ces dates ont proposé un grand spectacle. Mais c’était très, très naturel et normal de jouer de nouveau avec Mike. Rien d’inhabituel ou de surprenant.

SA : C’était peut-être plus évident pour Jordan et toi car vous aviez déjà rejoué avec Mike, avec Liquid Tension Experiment ou sur ton album solo. Peut-être était-ce un peu différent pour John Myung au regard de la nécessaire osmose de la session rythmique basse/batterie ?

JP : Oui, c’est vrai. Fin 2022, j’ai fait toute une tournée avec Mike, au cours de laquelle nous avons parcouru les États-Unis et le Canada. J’étais donc très à l’aise. Mais je pense que nous avons probablement évacué tout ça en studio, parce que nous avons commencé à écrire ensemble en février de l’année dernière, ce qui nous a amenés à beaucoup jammer. Et ça s’est avéré totalement naturel, comme ça l’a toujours été (Ndlr : lorsque nous avions discuté avec John Myung à l’issue du premier concert à l’O2, ce dernier nous avait confié que, pour lui, le fait de rejouer avec Mike Portnoy était « la chose la plus naturelle au monde »).

SA : Êtes-vous satisfaits de la première partie de cette tournée, notamment en termes de fréquentation et d’accueil du public ?

JP : Comment ne pas l’être ? Je suis plus que satisfait : époustouflé par l’affluence. C’est incroyable ! Nous jouons dans beaucoup de grandes salles et la plupart de ces endroits affichent complet. La réaction du public est tout simplement extraordinaire, même lorsque nous commençons à jouer « Night Terror », qui est une nouvelle chanson. Voir les gens réagir à un tout nouveau morceau de manière aussi positive est quelque chose de très satisfaisant. Je regarde le public et je vois des gens qui pleurent, qui se serrent dans les bras, qui rient, etc. C’est très émouvant, très significatif. Je pense que, pour les fans qui nous suivent depuis longtemps, comme c’est ton cas, c’est un grand moment que les gens attendaient et espéraient. Quant aux fans plus jeunes, beaucoup d’entre eux n’ont jamais vu Mike jouer dans Dream Theater. Alors, pour eux, c’est aussi terriblement excitant.

SA : Pourquoi avez-vous choisi d’enregistrer le concert de Paris en vue d’une sortie en Blu-ray ? Pour des raisons techniques ?

JP : Tout d’abord, je veux dire que le public de Paris est toujours extraordinaire. Quand on choisit une ville pour un enregistrement live, c’est toujours le fruit d’une démarche mûrement réfléchie. Nous pensons aux différents publics et villes qui parviennent le mieux à nous transmettre leur passion, leur dévotion, et nous fournissent cette dose d’énergie qui nous booste. Et Paris est assurément l’une d’entre elles ! Nous avons toujours reçu un accueil incroyable dans votre capitale. Une autre raison était le type de salle dans laquelle nous voulions filmer ce spectacle. Nous voulions vraiment le faire dans une Arena digne de ce nom. Certains lieux dans lesquels nous jouons sont sympas, mais ils ne sont pas vraiment propices à une captation vidéo. En Allemagne, par exemple, la plupart des salles sont des halles aménagées et non des lieux spécifiquement adaptés aux concerts. Les premiers grands shows de cette tournée, lorsque nous avons joué à l’O2 de Londres, ou à Milan et Rome en Italie, étaient cool, mais ils arrivaient trop tôt. Nous avons donc retenu un moment un peu plus proche de la fin de la tournée, afin d’être sûrs de maîtriser totalement le show, dans tous ses aspects : musicaux, évidemment, mais également techniques. Et il faut quand même quelques dates pour pleinement se roder. Paris correspondait en quelque sorte à tout ce que nous recherchions. D’où notre choix. En plus, même si c’est une coïncidence, nos réalisateurs sont canadiens francophones, et ils parlent français. Ce qui facilitait les choses.

SA : Hélas pour toi, tu étais malade ce jour-là... As-tu pu, malgré tout, donner le meilleur de toi-même et apprécier le moment ?

JP : Oui, mais c’est tellement frustrant, lorsque tu es en tournée, de savoir qu’à un moment donné, tu vas sans doute être malade. Nous voyageons tellement et rencontrons tant de gens que c’est inévitable. Alors tu appréhendes le jour où on t’annonce qu’une première personne de l’équipe est malade. En l’occurrence, Jordan a chopé un virus juste après le premier concert de Londres. Tu as conscience que le moment fatidique de l’enregistrement arrive et que tu dois absolument être au meilleur de ta forme, sans pouvoir vraiment faire quoi que ce soit, sinon prendre toutes les précautions possibles. Malheureusement, je suis tombé malade à Paris. Je dois être maudit car ce n’est pas la première fois. Lorsque nous avons enregistré Score (2006) au Radio City Hall de New York, j’étais également dans un sale état ! J’ai donc consulté un médecin le matin du concert de Paris et j’ai fait de mon mieux. Mais je pense que j’ai bien mieux joué sur d’autres dates.

SA : Je crois me souvenir que tu t’es un peu emmêlé les pinceaux sur le solo de « Hollow Years »...

JP : Effectivement, et c’est la seule fois sur cette tournée ! (rires) Du coup, je vais être obligé de « réparer » cela. Pour ce faire, je pense que nous utiliserons l’enregistrement du concert précédent. Je ne peux pas laisser passer ça.

SA : Quand sortira ce live enregistré à Paris ?

JP : Vers la fin de l’année. Je n’ai pas de date de sortie précise à te donner, mais je sais que ce n’est pas pour tout de suite.

SA : Parlons maintenant de ce nouveau disque, Parasomnia. Tout d’abord, au regard de la thématique commune des morceaux traitant du sommeil et du rêve, dirais-tu qu’il s’agit d’un album conceptuel ?

JP : Oui, clairement, même s’il ne l’est pas au sens classique du terme, mais plutôt à la manière de The Dark Side Of The Moon (1974) de Pink Floyd, ou de Six Degrees Of Inner Turbulence (2002), du moins son premier disque, ou encore d’Octavarium (2005). La notion de concept-album est à géométrie variable. Parasomnia est, en ce sens, différent de Metropolis Part 2: Scenes From A Memory (1999) qui racontait une seule et même histoire. Il s’agit d’un album conceptuel car il doit être écouté dans son ensemble. Il a lui aussi un début et une fin, ainsi que des thèmes récurrents qui, d’une certaine manière, relient les chansons entre elles. Nous avons également prêté une grande attention à ce que la production accentue cet effet, notamment grâce à des arrangements qui se répondent subtilement à différents moments de l’album.

SA : Depuis plus de quinze ans maintenant, c’est-à-dire depuis le départ de Mike Portnoy, tu as pris en charge seul les rênes du groupe dans de nombreux domaines, et notamment la production de vos albums. On pouvait penser que le retour de Mike allait changer la donne et que la répartition des rôles et l’équilibre qui existait entre vous deux seraient rétablis... Or, il semble que ce ne soit pas le cas puisque tu as produit seul cet album, contrairement à tous vos albums sortis de 1999 à 2007, qui étaient coproduits par Mike.

JP : Mike et moi avons eu une grande conversation avant qu’il rejoigne le groupe, afin que je lui explique ce qui avait changé depuis son départ. Il a été particulièrement compréhensif et respectueux de notre nouveau mode de fonctionnement. Il a bien compris quelle avait été la trajectoire du groupe en son absence, dans quelles directions nous avions souhaité évoluer, etc. Il a vu ce que nous avons accompli sans lui et comment j’ai dirigé et assuré la cohérence de notre parcours. Il m’a d’ailleurs beaucoup complimenté à propos de nombreuses décisions ou choses que j’ai faites. Mais en même temps, comme tu le sais, Mike est très créatif. Il veut s’impliquer et avoir son mot à dire. Mais il est aussi très respectueux. En un mot, il a été génial ! Il m’a demandé la permission de faire certaines choses. La communication a été excellente. Nos rôles ont été définis de telle sorte qu’il était clairement acté que j’allais produire ce disque seul. Mais au fur et à mesure de sa conception, Mike m’a demandé si ça ne me dérangeait pas qu’il soit là durant les sessions de chant ou à d’autres moments-clés. C’était logique. Je lui ai répondu qu’il faisait à nouveau partie de Dream Theater et que c’était donc son groupe, mais il a bien perçu l’évolution et n’a pas remis en cause les changements intervenus. Idem pour la préparation de la tournée, dans laquelle il s’est impliqué un peu plus et a trouvé sa nouvelle place, son nouveau rôle. Je pense qu’il s’y sent bien. Il y a beaucoup d’aspects qu’il avait l’habitude de superviser et qu’il n’a plus besoin de gérer. Et il est probablement plus à l’aise maintenant ! Mais il y a beaucoup de choses qui l’intéressent vraiment car c’est une personne très proactive. Il est créatif et il veut s’impliquer. Et pour moi, c’est vraiment cool parce que je n’avais, depuis son départ en 2009, pas vraiment d’autre partenaire à qui demander « hé, que penses-tu de ceci? Et de cela ? ». C’est très agréable pour moi d’avoir cette possibilité de recueillir son avis et d’être en quelque sorte « challengé ». Cela m’ôte également une certaine pression des épaules car je ne porte pas seul le poids de toutes les décisions.

SA : Est-ce que cela signifie que la façon dont vous avez travaillé sur ce nouvel album a un peu changé par rapport à ce que vous avez fait sur votre précédent disque avec Mike Mangini ?

JP : Mike Portnoy est très impliqué quand on compose avec lui. Il n’est pas du genre à s’asseoir dans un coin et à attendre qu’on lui dise quoi faire. Il est au contraire trés actif, donne son opinion, suggère des idées. Et par-dessus tout, lorsqu’on joue des trucs et qu’on se demande si ça ne sonne pas comme une autre de nos chansons, il va tout de suite être capable de répondre précisément, du genre « oui, cela rappelle tel passage de tel morceau sur l’album Train Of Thought ! »· Donc oui, clairement, ce genre de contribution plus proactive dans le groupe a sans aucun doute changé notre dynamique, mais d’une très bonne manière, comme ça a toujours été le cas par le passé. La plus grande différence est, encore une fois, qu’il s’en remet désormais à moi dans le domaine de la production. Mais il a toujours cette même personnalité et propose une tonne d’idées. Je respecte beaucoup ça et c’est génial de pouvoir s’appuyer sur lui. C’est un partenaire fabuleux !

SA : Puisque tu parles de références à vos précédents albums, il me semble que le morceau épique qu’est « The Shadowman Incident » renferme quelques clins d’œil à Metropolis Part 2: Scenes From A Memory. Est-ce que je me trompe?

JP : C’est vrai, c ‘est le cas, mais ce n’est pas intentionnel. Ce qui est amusant, c’est qu’il y a une figure rythmique qui introduit cette espèce de section Star Wars, à la John Williams, du morceau, qui sonne effectivement très Metropolis Part 2. A un moment donné, lorsque nous l’écrivions, nous l’avons volontairement conjuguée à la sauce Metropolis pendant quelques secondes, comme une sorte de teaser. Pour nous marrer aussi. Mais nous sommes rapidement revenus sur cette idée parce que nous nous sommes dit que nous ne voulions pas que les gens soient induits en erreur et pensent que ce morceau était « Metropolis Part 3 ». Si certaines mélodies rappellent l’album en question, rien n’a été fait exprès, même si, à plusieurs moments pendant l’écriture, j’ai vraiment eu l’impression que ça ressemblait à Scenes From A Memory. C’est probablement le côté plus mélodique de ce dernier morceau, quand Jordan m’accompagne au piano, qui rappelle l’ambiance de cet album.

SA : Souvent, lorsqu’un journaliste découvre un album, il essaie de comparer, d’étiqueter, de trouver des références. Après de nombreuses écoutes de Parasomnia, il me semble qu’il se rapproche globalement de Train Of Thought (2003) par le côté très heavy et puissant de certains morceaux, ainsi que de Scenes From A Memory par ses mélodies. Qu’en penses-tu ?

JP : Je suis 100% d’accord avec cela. C’est une combinaison de ces éléments, à l’instar de ce que nous avons déjà fait sur certains albums avant que Mike ne parte : je pense à Systematic Chaos (2007) et Black Clouds And Silver Linings (2009), où l’on retrouvait déjà des passages un peu plus sombres, sur un morceau comme « The Dark Eternal Night », par exemple. Mais oui, je suis d’accord avec la référence évidente à l’ambiance des deux album s que tu as cités. Chaque fois que ça arrive quand nous écrivons, c’est-à-dire que quelque chose nous rappelle une chanson ou un album précédent, nous l’acceptons. Nous nous disons simplement que c’est cool et que nous ne devons pas avoir peur de ça. Nous n’allons pour autant pas nous parodier ou recopier ce que nous avons déjà fait. Ce serait idiot. Mais si un passage rappelle Train Of Thought ou Scenes From A Memory, c’est peut-être une bonne chose, parce que le retour de Mike induit aussi un peu de nostalgie et un côté rétro. Nous avons donc décidé de l’accepter. Chaque fois que cela se produisait, nous nous disions : « Ok, cette chanson nous rappelle un peu « In The Name Of God ». Que fait-on ? ». Généralement, nous finissions par nous dire que nous ne devions pas craindre ça. Nous pensons que les fans qui nous suivent depuis longtemps vont ressentir ce côté familier et avoir le sourire aux lèvres. C’est la même chose pour nous : cela nous fait du bien.

SA : Ce disque se termine, une fois encore, par une chanson de vingt minutes. Est-ce que cela signifie que le fait de glisser un morceau épique en fin d’album est maintenant un passage obligé pour Dream Theater?

JP : J’ai bien l’impression que c’est le cas ! (rires) Les fans pourraient-ils nous en vouloir de sortir un album de Dream Theater sans chanson épique à la fin ? Je ne sais pas, mais il est sûr qu’une partie d’entre eux pourraient s’avouer insatisfaits. C’est amusant. Du coup, je crois que, désormais, c’est clairement une tradition.

SA : Avez-vous ressenti une pression particulière pendant la réalisation de ce nouvel album, notamment à cause de l’attente des fans ?

JP : Nous savions évidemment qu’il y aurait beaucoup d’attentes vis-à-vis de ce disque. En tant que producteur, il était donc de mon devoir de faire en sorte que l’album sonne aussi bien que possible. Nous ne voulons pas que les gens soient distraits par la qualité audio d’un enregistrement. En effet, cela fait basculer l’appréciation d’un album et les discussions dans un autre champ que celui de l’artistique, du genre « oh, je n’aime pas le son de la caisse claire, etc. ». Je voulais donc m’assurer que nous aurions notre équipe habituelle, avec Jimmy T et Andy Sneap, pour le mixage, afin de garantir le meilleur son possible. C’est ce qui s’est passé, et je suis très satisfait du résultat. En ce qui concerne la pression... Je ne sais pas trop. Je pense que nous avons tous réalisé que si nous étions simplement nous-mêmes et laissions opérer l’alchimie musicale qui nous lie, tout se passerait bien. Si nous travaillons sur des morceaux qui nous passionnent, qui nous rendent heureux et nous donnent le sourire, alors nous pouvons livrer le meilleur de nous-mêmes et sommes capables de mettre toute notre énergie dans notre musique. Avant d’attaquer cet album, je m’étais parfaitement préparé : j’avais cherché des idées, collecté de nombreux riffs, etc. Je savais que chacun d’entre nous se donnerait à fond et que les performances seraient excellentes. En fait, je ne pense pas que quelqu’un nous mette plus de pression que nous-mêmes ! Mais oui, il y a clairement bien plus d’attentes que par le passé. Comme tu sais, les fans ont espéré ce moment, pour certains depuis le départ de Mike en 2009. Ils se demandaient à quoi ressemblerait le nouveau répertoire de Dream Theater avec son retour derrière les fûts. Nous savions que l’esprit du groupe était toujours bien là, évidemment. A la fin de l’enregistrement, nous avons réalisé que ce disque sonnait exactement comme nous l’avions imaginé. Et même si cela peut paraître un peu étrange, car du temps s’est écoulé depuis, il nous semble s’inscrire dans la droite lignée de Black Clouds And Silver Linings...

SA : C’est vraiment le cas.., La production de l’album est remarquable et ta guitare, comme les claviers de Jordan, sonne de manière plus simple, plus naturelle, qu’auparavant...

JP : Merci beaucoup ! Ce n’est pas facile de trouver comment faire sonner de manière ample des parties de guitare ou de claviers, de restituer le résultat que tu pourrais entendre dans une grande salle. Et, de manière peut-être contre-intuitive, cela passe parfois par la simplification des effets. Les sonorités sur Parasomnia peuvent aussi sembler plus familières ou rétro parce que nous avons acheté et utilisé les préamplis originaux Neve auxquels nous avions eu recours sur Images And Words (1992), Six Degrees Of Inner Turbulence (2002), Scenes From A Memory (1999) et Train Of Thought (2003). Nous les avons rachetés à Doug Oberkircher, notre ingénieur du son de 1’époque, qui est venu au studio et nous les a vendus. Cela nous a permis de nous replonger dans un environnement sonore familier, ce qui était très agréable, et presque rassurant d’une certaine manière.

SA : Quel est le premier morceau que vous avez composé ?

JP : Il s’agit de « Night Terror », notre premier single. Cela donnait le ton de l’album car c’est un titre assez dingue, très riche. Il est basé sur des riffs puissants avec une tonalité sombre et mystérieuse. Cela met dans l’ambiance de Parasomnia. C’est à la fois technique, mélodique bourré de riffs, avec des refrains accrocheurs, autrement dit, toutes les choses que nous aimons voire réunies dans une chanson.

SA : As-tu prêté une attention particulière aux réactions des fans aux deux premiers titres dévoilés jusqu’à présent, à savoir « Night Terror » et « A Broken Man » ?

JP : Je suis toujours très prudent par rapport à ça. Mais je sais que, quand nous sortons un nouveau morceau, c’est excitant d’avoir des réactions parce que personne ne l’a encore entendu et que nous sommes en quelque sorte aveugles. Pour l’essentiel, ce que j’ai vu et lu était très positif. Et ce que j’ai trouvé intéressant, à propos de « A Broken Man » en particulier, c’est que les gens réagissaient beaucoup au solo de guitare. C’est un sujet qui a pris beaucoup d’importance dans les discussions sur les forums. Ce solo est un peu inhabituel, surtout si un fan de metal ne connaît pas le style des Dixie Dregs ou du swing rock’n’roll. Car, dans ce cas, ils se demandent ce que c’est que cet ovni ! C’était donc assez excitant de voir ça. Excitant et cool...

SA : As-tu une chanson préférée sur cet album ?

JP : J’en ai deux. Ma préférée est probablement « Dead Asleep ». J’aime vraiment ce titre, son riff, le thème principal de la chanson qui en découle. En fait, j’ai essayé de retrouver l’esprit du titre « Diary Of A Madman » d’Ozzy Osbourne, qui évoque des routes sombres et pluvieuses. Ce morceau, et l’album du même titre, sont une référence pour moi et ont bercé ma jeunesse. J’aime aussi beaucoup « The Shadow Man Incident », et notamment la section « latine » qu’il renferme : cette jam avec le piano acoustique, un solo latin prolongé, dans l’esprit de Chick Corea et de son groupe Return To Forever. Là encore, Return To Forever est l’une de mes influences majeures et a contribué à foger une grande partie de notre son d’origine. Certains jeunes fans de metal ne connaissent peut-être pas cette référence et ignorent que notre musique découle aussi de celle des Dixie Dregs, de Return To Forever, de Chick Corea et d’autres groupes de cette école musicale. Ces influences demeurent encore structurantes dans notre démarche artistique et nos compositions, peut-être plus inconsciemment que consciemment d’ailleurs.

SA : « The Shadow Man Incident » comporte aussi de très belles mélodies vocales...

JP : Merci ! Oui, c’est vrai. Nous voulions que James (LaBrie) évolue dans son meilleur registre, celui où les émotions qu’il exprime sont d’une incroyable justesse et te transportent. Nous nous sommes donc assurés de le maintenir dans cette gamme. Et je suis très content du résultat. Je pense que le côté mélodique de Dream Theater est incroyablement important. La plupart du temps, ce côté « chantant » et mélodique est la colle qui maintient des chansons folles ensemble. En tout cas, oui, il a fait du bon boulot.

SA : Je suppose que vous avez également prêté attention à ce qu’il puisse ensuite interpréter sans difficulté ces chansons en concert...

JP : Oui, exactement, c’est extrêmement important. Parfois, pendant l’enregistrement, il nous disait qu’il voulait interpréter certaines parties de telle ou telle manière, emmener tel morceau plus loin, et je lui répondais alors qu’il fallait qu’il garde à l’esprit qu’il devrait être capable de reproduire ensuite en concert tout ce que nous enregistrions. Et lorsqu’il sentait qu’il serait peut-être compliqué pour lui d’y parvenir, il me répondait « ok tu as raison. Je comprends ». Nous avons eu ce genre d’échanges tout au long de l’enregistrement.

SA : Depuis de nombreuses années, James est souvent critiqué pour ses performances live. C’était moins vrai lors de votre dernière tournée, où, après quelques dates de chauffe, il a vraiment délivré de très belles performances. Je pense notamment à un titre comme « Octavarium »...

JP : C’est exact, et je suis vraiment content pour lui. Les gens peuvent être extrêmement durs et dire des choses vraiment horribles à son propos. Il a travaillé très dur, avec un coach, au cours de l’année dernière, pour s’assurer d’être en mesure de donner le meilleur de lui-même. Il s’en sort très bien et je suis ravi que les choses se soient calmées de ce côté-là. James est mon chanteur préféré, tous styles confondus, alors je ne veux que le voir réussir. C’est en plus quelqu’un de très bien. Je suis donc heureux de voir que cela s’est calmé parce que ce n’est pas justifié.

SA : Sur ce nouveau disque, on trouve également « Midnight Messiah », qui est certainement l’une des chansons les plus puissantes de votre répertoire...

JP : Merci beaucoup ! Nous allons la dévoiler très prochainement et j’ai hâte que les gens puissent enfin écouter. Je pense que ça va être une super chanson en live. J’imagine déjà les fans réagir à ça. Ça va être cool. Il est important de varier les plaisirs. Proposer au public des morceaux de différents styles fait partie de notre ADN. Je dois néanmoins avouer que j’adore jouer les titres particulièrement heavy comme celui-ci.

SA : A ce propos, avez-vous déjà en tête les chansons de cet album que vous allez jouer en live après cette tournée du 40ème anniversaire ? D’ailleurs, allez-vous effectuer quelques changements dans votre setlist pour la partie américaine de cette tournée qui débute le jour de la sortie de l’album ?

JP : Mike étant de nouveau en charge des setlists, nous allons effectivement procéder à quelques modifications, l’idée étant de faire tourner plusieurs morceaux chaque soir. Ensuite, après notre tournée estivale des festivals européens, nous allons nous focaliser sur Parasomnia. Notre idée est de monter un show qui exploite le concept de Parasomnia, de créer une sorte d’expérience pour le spectateur autour de la thématique de l’album. Nous avons très envie de jouer l’intégralité de ce disque sur scène car cela a vraiment du sens. C’est en tout cas ce dont nous avons parlé ensemble et ce que nous avons en tête à ce stade. J’ai particulièrement hâte que tout le monde découvre le boulot effectué par Hugh Syme, notre illustrateur, pour cet album et son concept. C’est très effrayant et sombre, et nous pensons qu’une transposition scénique de toutes ces idées pourrait donner quelque chose de fort. Nous avons l’habitude de donner beaucoup de concerts, et parfois de faire plusieurs tournées pour un même album, ce qui implique d’être capables de proposer toujours quelque chose de différent et de motivant, de nous renouveler.

SA : Lorsque tu étais un jeune élève du Berklee College Of Music, en 1985, t’imaginais-tu, quarante ans plus tard, en train de parler à un journaliste de votre 16ème album, après une tournée des salles en Europe et en Amérique du Sud ?

JP : Non, bien sûr. Nous ne pouvions avoir aucune certitude en la matière. Mais nous en rêvions et nous aspirions à réaliser ce rêve, et c’est la raison pour laquelle nous avons énormément travaillé. C’est à Berklee que j’ai rencontré Mike, alors que nous avions à peine 18 ans. Je connaissais déjà John Myung depuis le collège. Nos héros étaient Iron Maiden, Rush, et ces groupes qui avaient à la fois beaucoup de succès et des parcours exemplaires. Je cite en particulier Iron Maiden pour la dimension internationale de sa carrière. Ils jouaient partout dans le monde, donnaient des concerts énormes... C’est quelque chose que nous voulions faire, ce à quoi nous aspirions. John Myung et moi avons passé des heures et des heures à reprendre tout le répertoire de Maiden, et en particulier les albums Killers (1981) et The Number Of The Beast (1982), dont nous connaissions tous les morceaux de la première à la dernière seconde. Nous étions dingues de ce groupe. Tout comme Mike d’ailleurs. Si John Myung et moi avons rapidement sympathisé à Berklee, c’est parce que nous partagions un même amour pour le metal et le rock progressif complexe, alors que la plupart de nos camarades étaient bien plus branchés par le jazz ou la fusion. Mais à cette époque-là, quand bien même nous vivions totalement pour la musique et bossions nos instruments et nos premières compositions comme des tarés, je ne pouvais pas imaginer que nous aurions le parcours qui a été le nôtre. Une carrière c’est vraiment un voyage, et quand je réalise que Dream Theater est dans sa quarantième année, ça me procure une sorte de vertige. C’est beaucoup, mais d’un autre côté, je suis toujours la même personne. Je ressens toujours cette même excitation lorsque je monte sur scène, et je n’arrive pas à réaliser que nous jouons certains titres que nous avons composés il y a plus de trente ans ! Nous sommes très chanceux car, à bien y regarder, peu de groupes ont une carrière aussi longue, sans interruption, et un public toujours aussi fidèle, qui continue même de se développer. Le succès de notre récente tournée est merveilleux... Tu ne peux que rêver de ça.

SA : Dream Theater est particulièrement reconnu pour la performance technique de chacun de ses musiciens. Comment entretiens-tu cette technique ? T’entraines-tu beaucoup sur ton instrument et essaies-tu encore d’apprendre de nouvelles choses ?

JP : C’est marrant que tu poses cette question car j’en ai justement parlé avec Steve Morse (Dixie Dregs, ex-Deep Purple) pas plus tard qu’hier soir ! Pour être un musicien professionnel, surtout quand tu évolues dans un style musical exigeant, il faut toujours être au top. Lorsque les gens décident d’aller à un concert, ils achètent parfois leurs billets des mois à l’avance et attendent ce moment avec impatience. Le jour dit, ils viennent au spectacle et se fichent que tel ou tel musicien soit malade ou affaibli pour une quelconque raison. Alors, ce jour-là, si tu empoignes ta guitare pour la première fois depuis deux semaines, tu ne pourras pas être à la hauteur des attentes légitimes de ton public. Les gens veulent voir un groupe dans sa meilleure forme. C’est comme quand tu regardes les Jeux Olympiques : tu veux voir les athlètes au pic de leurs performances, dans une logique de dépassement de soi et de tentative de record. Et ces sportifs ne peuvent pas arriver à un tel événement sans s’être entraînés et préparés sans relâche. C’est exactement la même chose pour un musicien. Cela nécessite tellement de travail que tu dois constamment être « dedans ». La paresse n’est pas une option ! (rires) La première date de notre tournée américaine a lieu le 7 février. Je te prie de croire que je joue de la guitare tous les jours, à la fois pour répéter les titres que nous interpréterons, mais également pour essayer de nouvelles choses, innover, apprendre des techniques que je ne maîtrise pas encore. Si je ne m’astreignais pas à cela, je ne serais pas capable d’être à la hauteur des attentes des spectateurs qui viennent nous voir. C’est aussi simple que ça, et tu n’as pas le choix. Je pense que les gens qui ne sont pas musiciens ne réalisent pas qu’interpréter un morceau que tu n’as pas joué depuis un bon moment n’est pas chose aisée. Il faut arriver à se souvenir de ce que tu as voulu exprimer, et de la manière dont tu t’y es pris pour le faire. Parfois, lorsque je me replonge dans certains de nos titres un peu anciens, il m’arrive de penser « mon dieu, qu’est-ce que j’étais en train de jouer là ? C’est fou. Pourquoi ai-je fait cela ? » (rires). Il n’y a jamais, jamais, un seul moment où tu peux te dire « OK, je vais juste m’asseoir et rester tranquille »· Après, ce n’est pas spécifique à la musique, ni même au sport, de haut niveau ou non, car cela concerne tous les métiers faisant appel à une forme d’habileté, qu’elle soit physique ou intellectuelle. Après une période d’arrêt trop longue, un artisan ou un trader aura lui aussi sans doute du mal à reprendre son job en étant aussi performant qu’avant sans un laps de temps de remontée en compétence, pour réapprendre à faire ce qu’il est pourtant censé maîtriser. Peut-être que si tu joues de la musique un peu plus simple, tu peux prendre quelques verres avant un concert, mais je t’assure que c’est absolument inenvisageable pour nous. C’est aussi une question de respect des gens qui ont payé pour venir nous voir. Vu le prix des places de concert aujourd’hui, certains spectateurs doivent faire des sacrifices et des privations pour vivre ce moment de partage musical avec toi. Nous devons en avoir conscience et respecter cela. Ce respect du public passe donc par cette exigence quotidienne de se maintenir en pleine forme et de toujours chercher à se dépasser. C’est en tout cas ma vision des choses, et celle du groupe dans son ensemble.