Dream Theater: New Scenes from a Memory

Jordan Rudess explains the new Dream Theater live album, which combines the present with a very special past of the worldwide prog metal giant

By Daniel Dutra and Guilherme Spiazzi

Don't miss the count: Distant Memories is Dream Theater's ninth live album, and anyone who likes to joke has a full plate: it's a release with three CDs + two DVDs or two Blu-rays, but it also is available as quadruple vinyl, as a box set... The best thing, however, is that the fans aren’t bothered in the least because the new release is a document of the tour of the album that put the quintet back on track, Distance Over Time, along with the celebration of 20 years of Scenes From A Memory, a masterpiece played in full at the shows that passed through Brazil in December 2019. A luxury souvenir for those who can watch James LaBrie (vocals), John Petrucci (guitar), Jordan Rudess (keyboards), John Myung (bass) and Mike Mangini (drums) on stage, and a gift for those who couldn't. To talk about this and a little more, we had a chat with Rudess in two sessions, and there is a lot of cool stuff on the following pages. Check it out!

Roadie Crew: Distant Memories comes from the tour to promote Distance Over Time [2019] and celebrate the two decades of Scenes From A Memory. How was the experience of combining different phases of Dream Theater in a single show?

Jordan Rudess: That was a great setlist! One thing we had to understand was that Distance Over Time was a very well received album. Considering the support that new albums receive, the response we received was unusual. It was among the ten best-selling rock albums on the charts around the world, and people really wanted to hear those songs. Usually, bands go on tour and don't play many tracks from their most recent album, but in our case, people wanted to hear the new material. With that in mind, we made a set composed of songs from Distance Over Time and others from our catalog. And playing Scenes From A Memory was very exciting – after all, it is one of our most celebrated records. We were able to celebrate its anniversary and the new album.

RC: Just as Distance Over Time follows The Astonishing [2016], in Scenes From A Memory we had a band that, because of the commercial failure of Falling Into Infinity [1997], sought to turn the tide. They are distinct phases of Dream Theater, but they carry similarities. Do you see the confluence of these different moments?

JR: Good question. Each work has a different underlying concept. Some albums may deviate a little from what people think is the core of Dream Theater, but at the same time, the band is this entity that has become quite comprehensive and with a lot of capacity to make music that combines different styles. In a work like Distance Over Time, I would say that we managed to make a sound that corresponds to what at least we consider to be the essential sound of the band. The Astonishing, in turn, even though it is fully integrated into our self-expression, did not necessarily have the main sound of Dream Theater. The record is about bringing in new elements and trying different things. Six Degrees Of Inner Turbulence [2002], for example, has parts in which we also experiment and try different things. We have always been good at understanding what we like and what elements of the group are considered central. This attention has been shown to be constant over the years, and I feel that it establishes a good connection between what we are and what we have been.

RC: So, I would like to talk about fans who have said it is strange to see the band playing Scenes From A Memory without Mike Portnoy. I don't want to go into the subject of the separation, because that is water under the bridge, but Dream Theater also played all Images And Words recently, and the keyboardist who recorded that album was Kevin Moore. In other words, I believe that you have a very particular opinion about this situation, correct?

JR: The big thing here is that people will always complain about something, because people are like that. [laughs] Over the past 20 years, I've played a lot of songs from Images And Words, and as you mentioned, also the full album more recently, and the truth is that I feel connected to them. There is that connection, in fact, and I believe I played them very well, but here comes someone and says “But it was Kevin Moore who recorded Images And Words!” [laughs] Okay, I understand that, because it makes sense from that point of view. But just in that one, because the band is the whole group, not just a member. Especially in bands that have been on the road for a long time, changes inevitably happen, so you need to take advantage of what is being offered to you. If the result is great, if the band is living up to its own history, this is what should really be the most important thing. And I can say that there is a very strong connection between Dream Theater’s members and the band's music. In the case of Scenes From A Memory, Mike Mangini has done a fabulous job, and the other four musicians are an integral part of the original recording. It is simple math, but, in the end, there is always the fan who laments: “Ah, how I miss this or that member.” This is the reality.

RC: But other than the issue of Dream Theater playing a classic album without one of its founding members, fans should feel privileged that the band is composing, recording and releasing records and doing shows. In fact, it should be for fans of any group.

JR: Yes, that is exactly it! Sure, lineup changes are important for fans, because they mess with them, but look at Dream Theater: there haven't been so many lineup changes in more than 30 years of a career. In fact, there has only been one in the last 20 years! [laughs] And Mike Mangini has been in the band for a decade, which is incredible. It is more time than a lot of bands are active [laughs], and I believe that there are not many groups out there with a history like ours. This is kind of crazy, on second thought.

RC: Coming back to Distance Over Time briefly, since the disc itself was already a subject in Roadie Crew [editor’s note: in issue #241], I would like to talk about the bonus track, ‘Viper King’, because it is not typical for Dream Theater and, at the same time, one of its best works...

JR: [laughing] Ah, ‘Viper King’ is a direct result of the atmosphere we had in the studio. It was so good, and we were having so much fun, that it was composed in the final stretch of the recording sessions, precisely because we were so inspired. I was able to use a really cool rock’n’roll sound, putting distortion on the organ, and that provided a different groove and ‘feeling’ that everyone liked. But there was another factor that helped us: Mike Mangini came up with a great riff that we used as a basis for the verses, and the best thing was that everyone participated in the construction of a song that was a little unusual for us, a more straightforward rock with a strong Deep Purple sound.

RC: And I imagined that you were the right member to talk about it, despite being a collective work. [laughs] But it's because of the Hammond's sound...

JR: Yes! I used a Hammond XK5. It is a new model of the company and probably the coolest organ ever made since the Hammond B3, because it really covers all possible sounds wonderfully well. I'm loving using it, and you can hear on the record how fantastic it sounds. [laughs]

RC: And still on Distance Over Time, it shows the band with a more objective sound, of course taking into account the parameters of simplicity of Dream Theater. [laughs] Did this have to do with the fan division regarding The Astonishing [2016]?

JR: Well, The Astonishing was something we really wanted to do, that is, to go in a very particular direction that was that great project, from the recordings to the tour, because the shows had the biggest production we have done to date. But at the same time that we were really satisfied with the result, there was a polarization of the fans. Some loved the album and the live performances, and others didn't like it or didn't understand the presentation, so they didn't care. Honestly, we don't feel bad about it, after all, we know that we did something great to represent what we wanted to do, but at the same time we felt the need to release a new album that was more in line with our roots, that showed what Dream Theater really is. When we got together to compose and started making some jams, we had this approach in mind, and that vibe helped in the process. It was a conscious thing to go back to heavier material, perhaps more concise and focused, and Distance Over Time is the result of that.

RC: You mentioned the grandeur of The Astonishing tour, with the album being presented in full at the shows, and it is a surprise that Dream Theater did not document this by releasing a DVD...

JR: And that was a hesitation, wasn't it? [laughs] The production of that tour was very intense, it demanded a lot of work from everyone and it also cost a lot of money. To top it off, the fans as a whole were not on our side regarding The Astonishing. It made us go in another direction, because we couldn't continue with the tour if people didn't like it, and that's basically what happened. We didn't even make recordings for a DVD, and there is a sad aspect about that: we decided that videos and photos would not be allowed during any shows, because we were tired of seeing people all the time with cell phones in their hands. Unfortunately, the result of this is that if you were there, fantastic! You managed to watch the show and you know how it went, and for those who lost the opportunity, it will never happen again.

RC: Talking about the current times, Dream Theater has always been active and willing to look forward, regardless of the pandemic we are facing. Do you plan to do something different from what other bands have been doing for 2021?

JR: We know that there won't be a tour for the band for quite some time. Until the world opens up again, and that leads us to question what activities we can undertake. We have our manager and agents seeing the possibilities and what would be cool for the fans, but so far we have nothing planned. With the rapid opening of technologies like streaming, there may be the possibility of doing something advanced and cool. Musically, we were in the studio writing. That was one of the things that helped me to keep my sanity, because it's been a good distraction, a relief from everything, because I'm not used to being forced to not travel and things like that. Overall, we kind of created our own social bubble and are working hard.

RC: Let's talk a little about your solo career, especially the shows that you did in Brazil in 2018. How was the experience?

JR: Wonderful! It was a great opportunity to show another side of my music to Brazilian fans, because they were piano concerts. Literally, because it was just me and a piano on stage. I mean, I used GeoShred, my instrumental app, but the piano was basically the instrument of the shows. Musically, it allowed me to turn all my attention to what I consider my training base, because it was on the piano that everything started for me. In addition, the audience was fantastic and really appreciated my work. I spent an incredible period in Brazil.

RC: And the following year you released your 13th solo album, Wired For Madness, which took you back to the band format. I would like to speak specifically about the title track, a 35-minute suite so incredible that I define it as Emerson, Lake & Palmer of the new millennium, and that's really a compliment...

JR: Wow! Thank you, because this was a really big project, something really important to me. I would say that each of those pieces and a download from my musical mind [editor’s note: there are two parts: the first has three sections, and the second, seven], because I entered the studio with the freedom to do whatever I wanted. And I did it. The most interesting thing, however, is that I didn't know exactly what to do, because I started the whole process with just one idea in mind: creating. Suddenly, I was in the middle of that madness, literally, and I realized the path I was taking: “Definitely, this is nothing like a pop song. It’s much more engaging.” [laughs] That's when I decided that the song would be as long as I wanted, because I didn't feel the need to compose something more concise, so I continued until I was satisfied. Originally, Wired For Madness would be an album with only one track, the title track, because I thought I could stretch it out enough for that, and it would be fun. But when I showed the song to my wife, Danielle, she thought it was both interesting, intense and difficult to digest, so she suggested that I write songs that are easier to absorb. I confess that I was kind of upset at first [laughs], because I wanted something completely progressive, but then I realized that she was right. I ended up composing other songs going to a more simple side, so to speak.

RC: And two of them are also among the favorites. ‘Perpetual Shine’, for example, has a groove that enriches the album as a whole.

JR: Interesting, because ‘Perpetual Shine’ was originally composed to play with my group OrKeystra, aiming at the shows that we do with several keyboard players and a drummer. I wanted something cool and that could be performed live, but I realized that it would be great to put it on Wired For Madness because of its style, something more fusion and jazzy. And it fits the goal to include more direct songs on the album.

RC: Well, the other is ‘Just Can’t Win’. Its big band footprint is incredible, and Joe Bonamassa's participation was a great catch. In fact, it's my favorite on Wired For Madness.

JR: It's great to hear that, because I've always loved playing the blues, even though it doesn't show up so much in my work or people don't realize it, since they're more used to the more progressive material. So, it was the perfect opportunity to take this path a little bit, and I was still able to use a set of metals, count on Joe in the music and also sing in something that was more crude and dirty. It was a lot of fun.

RC: Returning to Dream Theater, how is the production of the 15th studio album going?

JR: We worked until the end of 2020, so we stopped for the holidays and resumed work now [editor’s note: at the beginning of 2021]. This time, we have more time than usual to work on the record. We are grating, and the album is going well. By the way, I think people are going to love what we're preparing. It is not about thinking about doing things that are absolutely new, but about making the best music we can as a group of dedicated musicians.

RC: Thinking about a new album and the usual promotional tour that follows, the concert part is especially important, and not only for you musicians, but also for the approximately 30 people that Dream Theater employs. How is your crew dealing with the situation of an uncertain future regarding the resumption of tours?

JR: That’s true. We are all concerned. We realized that Dream Theater employs several people, and I am not only referring to the crew and the management staff, but there are also producers, agents, etc. The fact that the band is not on the road affects a lot of people. Some people are doing well, while others are experiencing difficulties. This sucks, and there's not much we can do. However, we are doing our best to stay active so that things continue to be a consideration for our crew as well.

RC: In a way, Distant Memories can be seen as the celebration of something that was abruptly taken away from us, and we don't know if it will return. Does that make sense?

JR: I'm glad we didn't have to stop the tour before recording it. It is nice to be able to bring a little joy to people during this crisis caused by COVID-19.

Original text

Dream Theater: Novas Cenas De Uma Memória

Jordan Rudess explica o novo album ao vivo do Dream Theater, que junta o presente a um passado bem especial do gigante do prog metal mundial

Por Daniel Dutra e Guilherme Spiazzi

Não perca a conta: Distant Memories é o nono album ao vivo do Dream Theater, e quem gosta de fazer piada tem um prato cheio: trata-se de um lançamento com três CDs + dois DVDs ou dois Blu-rays, mas tem também vinil quádruplo, box set... O melhor, no entanto, é que os fãs não dão a mínima, até porque o novo trabalho é o registro da turnê do disco que colocou o quinteto de volta aos trilhos, Distance Over Time, com a comemoração dos 20 anos de Scenes From A Memory, obra-prima tocada na íntegra nos shows que passaram pelo Brasil em dezembro de 2019. Um souvenir de luxo para quem pode assistir a James LaBrie (vocal), John Petrucci (guitarra), Jordan Rudess (teclados), John Myung (baixo) e Mike Mangini (bateria) em cima do palco, e um presente para quem não pôde. Para falar sobre isso e mais um pouco, batemos um papo com Rudess em duas sessões, e tem muita coisa legal nas próximas linhas e páginas. Confira!

Distant Memories surge de uma turnê para promover Distance Over Time (2019) e comemorar as duas décadas de Scenes From A Memory. Como foi a experiência de combiner diferentes fases do Dream Theater num show único?

Jordan Rudess: Aquele foi um grande repertório! Uma coisa que tivemos de compreender foi que Distance Over Time foi um disco muito bem recebido. Considerando o respaldo que novos trabalhos recebem, a resposta que tivemos foi incomum. Ele figurou entre os dez álbuns de rock mais vendidos nas paradas ao redor do mundo, e as pessoas realmente queriam ouvir aquelas músicas. Geralmente, as bandas saem em turnê e não tocam muitas faixas do seu disco mais recente, mas, no nosso caso, as pessoas queriam ouvir o novo material. Com isso, fizemos um set compost de canções de Distance Over Time e outras do nosso catálogo. E tocar Scenes From A Memory foi muito empolgante, afinal, é um dos nossos discos mais celebrados. Pudemos comemorar o seu aniversário e o novo album.

Assim como Distance Over Time sucede The Astonishing (2016), em Scenes From A Memory tínhamos uma banda que, por causa do fracasso commercial de Falling Into Infinity (1997), buscou virar o jogo. São fases distintas do Dream Theater, mas que carregam similaridades. Você enxerga a confluência desses diferentes momentos?

Jordan: Boa pergunta. Cada trabalho tem um conceito subjacente diferente. Alguns discos podem se distanciar um pouco daquilo que as pessoas pensam ser o cerne do Dream Theater, mas, ao mesmo tempo, a banda é essa entidade que se tornou bastante abrangente e com muita capacidade de fazer música que combine diferentes estilos. Em um trabalho como Distance Over Time, eu diria que conseguimos fazer um som que corresponde àquilo que pelo menos nós consideramos ser a sonoridade essencial da banda. The Astonishing, por sua vez, mesmo considerando que está totalmente integrado à nossa autoexpressão, não necessariamente trouxe a sonoridade principal do Dream Theater. O disco é sobre trazer novos elementos e tentar coisas diferentes. Six Degrees Of Inner Turbulence (2002), por exemplo, tem partes nas quais também experimentamos e tentamos coisas diferentes. Sempre fomos bons em entender o que gostamos e quais elementos do grupo são considerados centrais. Essa atenção tem se mostrado constante através dos anos, e sinto que isso estabelece uma boa conexão entre o que somos e o que temos sido.

Sendo assim, gostaria de falar sobre os fãs que têm ditto ser estranho ver a banda tocando o Scenes From A Memory sem Mike Portnoy. Não quero entrar no assunto da separação, porque são águas passadas, mas o Dream Theater também tocou todo o Images And Words recentemente, e o tecladista que gravou o disco foi Kevin Moore. Ou seja, creio que você tem uma opinião bem particular a respeito dessa situação, não?

Jordan: O grande lance aqui é que as pessoas sempre vão reclamar de alguma coisa, porque as pessoas são assim (risos). Ao longo dos últimos 20 anos, eu toquei muitas músicas do Images And Words e, como você mencionou, também o album na íntegra mais recentemente, e a verdade é que me sinto conectado a elas. Existe essa ligação, de fato, e acredito que as toquei muito bem, mas aí vem alguém e diz ‘Mas foi o Kevin Moore quem gravou o Images And Words!’ (risos). Ok, eu entendo isso, porque faz sentido em um ponto de vista. Mas em apenas um, porque a banda é o todo, não somente um integrante. Especialmente as bandas que estão na Estrada há muito tempo, porque inevitavelmente acontecem mudanças, então é preciso aproveitar aquilo que está sendo oferecido a você. Se o resultado for ótimo, se a banda estiver fazendo jus a sua propria história, é isso que deveria ser realmente o mais importante. E posso dizer que há uma conexão muito forte dos membros do Dream Theater com a música da banda. No caso de Scenes From A Memory, Mike Mangini tem feito um trabalho fabuloso, e os outros quatro músicos são parte integrante da gravação original. É uma matemática simples, mas, no fim das contas, sempre tem o fã que lamenta: ‘Ah, como eu sinto falta desse ou daquele integrante’. Essa é a realidade.

Mas do que a questão de o Dream Theater estar tocando um album clássico sem um de seus fundadores, os fãs deveriam se sentir privilegiados com o fato de a banda estar compondo, gravando e lançando discos e fazendo shows. Na verdade, isso deveria server para os fãs de qualquer grupo.

Jordan: Sim, é exatamente isso! Claro, mudanças de formação são importantes para os fãs, porque mexem com eles, mas veja o caso do Dream Theater: não houve tantas mudanças na formação em mais de 30 anos de carreira. Na verdade, aconteceu apenas uma nos últimos 20 anos! (risos) E o Mike Mangini está na banda faz uma década, o que é incrível. É mais tempo do que muita banda consegue ficar na ativa (risos), e creio que não há muitos grupos por aí com uma história como a nossa. Isso é meio louco, pensando bem.

Voltando brevemente a Distance Over Time, uma vez que o disco em si já foi assunto na Roadie Crew (N.R.: na ed. #241), gostaria de falar sobre a faixa bonus, ‘Viper King’, porque ela não é peculiar ao Dream Theater e, ao mesmo tempo, uma das melhores do trabalho...

Jordan: (rindo) Ah, ‘Viper King’ é resultado direto do clima que tínhamos no estúdio. Era tão bom, e estávamos nos divertindo tanto, que ela foi composta na reta final das sessões de gravação, justamente porque estávamos bastante inspirados. Pude usar um som mais rock’n’roll realmente muito legal, colocando distorção no órgão, e isso proporcionou um groove e um ‘feeling’ diferentes que todos gostaram. Mas houve outro fator que nos ajudou: Mike Mangini veio com um ótimo riff que usamos como base nos versos, e o melhor de tudo foi que todos participaram na construção de uma música um pouco incomum para nós, um rock mais direto e com um acento mais forte de Deep Purple.

E eu imaginava que você fosse o integrante certo para falar sobre ela, apesar de ser um trabalho coletivo (risos). Mas é por causa do trabalho de Hammond...

Jordan: Isso! Usei um Hammond XK5. É um novo modelo da empresa e, provavelmente, o órgão mais legal já feito desde o Hammond B3, porque realmente cobre maravilhosamente bem todas as sonoridades possíveis. Estou amando usá-lo, e você pode ouvir no disco como o som dele é fantástico (risos).

E ainda sobre Distance Over Time, ele mostra a banda com uma sonoridade mais objetiva, claro que levando em consideração os parâmetros de simplicidade do Dream Theater (risos). Isso teve a ver com a divisão dos fãs em relação ao The Astonishing (2016)?

Jordan: Bom, The Astonishing foi algo que realmente queríamos fazer, ou seja, seguir numa direção bem particular que foi aquele grande projeto, das gravações à turnê, porque os shows tiveram a maior produção que fizemos até hoje. Mas ao mesmo tempo em que estávamos realmente satisfeitos com o resultado, houve uma polarização dos fãs. Alguns amaram o album e as apresentações ao vivo, e outros não gostaram ou não entenderam a proposta, então não deram a minima. Honestamente, não nos sentimos mal com isso, afinal, sabemos que realizamos algo ótimo para representar o que queríamos fazer, mas ao mesmo tempo sentimos a necessidade de lançar um novo disco que fosse mais de acordo com as nossas raízes, que mostrasse o que o Dream Theater é de verdade. Quando nos reunimos para compor e começamos a fazer algumas jams, tínhamos essa abordagem em mente, e essa vibração ajudou no processo. Foi algo consciente voltar para um material mais pesado, talvez mais concise e focado, e Distance Over Time é o resultado disso.

Você mencionou a grandiosidade da turnê de The Astonishing, com o album sendo apresentado na íntegra nos shows, e não deixa de ser uma surpresa que o Dream Theater não tenha registrado isso lançando um DVD...

Jordan: E isso foi um vacilo, não? (risos) A produção daquela turnê foi muito intense, demandou bastante trabalho de todos e também custou muito dinheiro. Para completer, os fãs como um todo não estavam mesmo ao nosso lado em relação ao The Astonishing. Isso nos fez seguir em outra direção, até porque não poderíamos continuar com uma turnê se as pessoas não estavam gostando, e foi basicamente isso que aconteceu. Não chegamos nem mesmo a fazer gravações para um DVD, e tem um aspect meio triste nisso: nós decidimos que não seriam permitidos vídeos e fotos em nenhuma apresentação, porque estávamos cansados demais de ver as pessoas o tempo todo com os celulares na mão. Infelizmente, o resultado disso é que se você estava lá, fantástico! Você conseguiu assistir ao show e sabe como foi, e para quem perdeu, aquilo nunca mais vai acontecer novamente.

Falando sobre os tempos atuais, o Dream Theater sempre se mostrou ativo e disposto a olhar para frente, independentemente da pandemia que estamos enfrentando. Vocês planejam fazer algo diferente daquilo que outras bandas têm feito para 2021?

Jordan: Sabemos que não haverá uma turnê da banda por um bom tempo. Até que o mundo se abra novamente, e isso nos leva a questionar quais atividades podemos empreender. Temos nosso empresario e os agentes vendo as possibilidades e o que seria legal para os fãs, mas até o momento não temos nada planejado. Com a rápida abertura de tecnologias como a de streaming, pode ser que haja a possibilidade de fazermos algo avançado e legal. Musicalmente, estávamos em estúdio compondo. Isso foi uma das coisas que me ajudou a manter a sanidade, porque tem sido uma boa distração, um alívio de tudo, porque não estou acostumado a ser obrigado a não viajar e coisas assim. No geral, nós meio que criamos a nossa propria bolha social e estamos trabalhando duro.

Vamos falar um pouco da sua carreira solo, especialmente dos shows que realizou no Brasil em 2018. Como foi a experiência?

Jordan: Maravilhosa! Foi uma ótima oportunidade de mostrar outro lado da minha música para os fãs brasileiros, porque foram concertos de piano. Literalmente, porque ´ramos apenas eu e um piano no palco. Quer dizer, usei o GeoShred, meu aplicativo instrumental, mas o piano foi basicamente o instrumento dos shows. Musicalmente, permitiu que eu voltasse todas as minhas atenções para o que consider a minha base de formação, porque foi no piano que tudo começou para mim. Além disso, o público foi fantástico e apreciou de verdade o meu trabalho. Passei um período incrível no Brasil.

E no ano seguinte você lançou seu 13º album solo, Wired For Madness, que o levou de volta ao formato com banda. Eu gostaria de falar especificamente sobre a faixa-título, uma suite de 35 minutos tão incrível que eu define como Emerson, Lake & Palmer do novo milênio, e isso é mesmo um elogio...

Jordan: Uau! Obrigado, porque esse foi um projeto realmente grande, algo verdadeiramente importante para mim. Eu diria que cada uma daquelas peças e um download da minha mente musical (N.R.: são duas partes: a primeira tem três seções, e a segunda, sete), porque entrei no estúdio com a Liberdade para fazer o que eu bem entendesse. E fiz isso. O mais interessante, no entanto, é que eu não sabia exatamente o que fazer, porque comecei todo o processo com uma ideia apenas na cabeça: criar. De repente, estava no meio daquela loucura, literalmente, e percebi o caminho que estava tomando: ‘Definitivamente, isso não é nada paredcido com uma canção pop. É algo muito mais envolvente’ (risos). Foi aí que decidi que a música seria tão longa quanto eu quisesse, porque não sentia a necessidade de compor algo mais concise, então continuei até me sentir satisfeito. Originalmente, Wired For Madness seria um disco com apenas uma faixa, a faixa-título, porque achei que poderia esticá-la o suficiente para isso, e seria divertido. Mas quando eu mostrei a canção à minha esposa, Danielle, ela achou que era ao mesmo tempo interessante, intensa e difícil de digerir, então sugeriu que eu compusesse músicas mais fáceis de absorver. Confesso que fiquei meio contrariado no início (risos), porque queria algo completamente progressive, mas depois percebi que ela estava certa. Acabei compondo outras músicas indo para um lado mais simples, digamos assim.

E duas delas também estão entre as favoritas. ‘Perpetual Shine’, por exemplo, tem um groove que enriquece o album como um todo.

Jordan: Interessante, porque ‘Perpetual Shine’ foi originalmente composta para tocar com o meu grupo OrKeystra, visando aos shows que fazemos com vários tecladistas e um baterista. Eu queria algo legal e que pudesse ser apresentado ao vivo, mas percebi que seria ótimo colocá-la em Wired For Madness por causa de seu estilo, algo mais fusion e jazzy. E ela se encaixa na proposta de incluir canções mais diretas no album.

Bom, a outra é ‘Just Can’t Win’. A pegada Big Band dela é incrível, e a participação de Joe Bonamassa foi uma grande sacada. De fato, é a minha favorita em Wired For Madness.

Jordan: É muito bom ouvir isso, porque eu sempre adorei tocar blues, apesar de isso não aparecer tanto no meu trabalho ou de as pessoas não perceberem, uma vez que estão mais acostumadas ao material mais progressivo. Assim, era a oportunidade perfeita de enveredar um pouco por esse caminho, e ainda pude usar um conjunto de metais, contar com o Joe na música e, também, cantar em algo que fosse mais bruto e sujo. Foi bastante divertido.

Voltando ao Dream Theater, a quantas anda a produção do 15º album de estúdio?

Jordan: Trabalhamos até o fim de 2020, então paramos para os feriados de fim de ano e retomamos o trabalho agora (N.R.: no início de 2021). Desta vez, temos mais tempo do que o habitual para trabalhar no disco. Estamos ralando, e o album está indo bem. Por sinal, acho que as pessoas vão amar o que estamos preparando. Não é sobre pensar em fazer coisas que sejam absolutamente novas, mas fazer a melhor música que podemos fazer. Como um grupo de músicos dedicados.

Pensando num novo disco e na usual turnê promocional que o sucede, a parte de shows é especialmente importante, e não apenas para vocês músicos, mas também para as cera de 30 pessoas que o Dream Theater emprega. Como a sua equipe está lidando com a situação de um future incerto em relação à retomada das turnês?

Jordan: Verdade. Estamos todos preocupados. Percebemos que o Dream Theater emprega várias pessoas, e não me refiro apenas à equipe e ao pessoal do empresariamento, mas também há os Produtores, agentes et cetera. O fato de a banda não estar na Estrada afeta muita gente. Algumas pessoas estão bem, enquanto outras estão passando dificuldades. Isso é uma merda, e não há muito que possamos fazer. No entanto, estamos fazendo o possível para nos mantermos ativos para que as coisa continuem também em consideração à nossa equipe.

De certa forma, Distant Memories pode ser encarado como a celebração de algo que nos foi abruptamente tirado e não sabemos se será devlvido. Faz sentido?

Jordan: Ainda bem que não tivemos que parar a turnê antes de gravá-lo. É legal poder levar um pouco de alegria para as pessoas durante essa crise provocada pela Covid-19.