John Petrucci Interview

Dream Theater’s brand new double live album is a good opportunity to delve into the band’s relationship with the stage.

Gianfranco Diletti: In Dream Theater concerts, what proportion is devoted to improvisation? Has this percentage changed over time?

John Petrucci: There is quite a bit of it; and anyway, yes, has it increased over the years? It’s improvised, of course, unaccompanied solos (keyboard, guitar and drum solos); in case we want to extend intros, or outros, we improvise on them; it’s true, we do a lot more of it now, it’s a big part of our shows.

GD: Do you have ‘cues’ [reference marks, calls] for when and where to restart together?

JP: Yes, a lot of these cues are visual; and sometimes they’re musical; we adjust to a certain drum roll; or a guitar phrase; we say ahead of time, “When I play this phrase it means I’m done with my part.”

GD: For a studio-recorded album, how much is played as a group and how much is overdubbed afterwards?

JP: Usually most of it is overdubbed. We play the whole track all together, then we just keep the drums and overdub everything else. But for example on the last studio album, Falling Into Infinity, we recorded much more live, together, and kept many of the ‘live’ tracks.

GD: What are the main differences between the ‘live’ and ‘studio’ approaches, from the point of view of rebuilding an arrangement to take it on tour?

JP: For the guitar I tend to keep fewer parts; with one ‘live’ part well, that dictates the whole feel; and maybe I only use one or two parts. But if I start from scratch and start building on it with overdubs, adding and doubling, the production becomes more complicated.

GD: How does the presence of the audience affect your approach as a musician? If it unnerves you, do you try to use it in a positive way? How?

JP: The feeling you have when you play in front of an audience certainly influences how you play; you try to keep yourself relaxed, centered, so that you’re able to concentrate to play correctly. But there’s something that the live audience gives you that you can’t get out of the studio; what it brings out is the adrenaline, the excitement and the interaction of playing for someone and seeing them react; sometimes more aggressively, or hitting harder, or you bring out some sounds that you wouldn’t normally do in the studio, calm and controlled.

GD: Does all the material on the CD really come from a single concert?

JP: Yes, one evening.

GD: It even seems unbelievable that for such challenging material you would even think of risking recording one night; if it comes out as well as it does on the CD...

JP: Well, to make sure it came out right we brought in Falling Into Infinity producer Kevin Shirley, so at least we were sure of the sound. Then we had a very long concert, three and a half hours; so that we could pick and choose, in case we messed up some of the parts. [laughs]

GD: But how long did it take you to rehearse, for a three-hour concert of such complex stuff?

JP: Actually we never rehearsed... we did a little festival tour in Europe, with a couple of headline shows a couple of weeks; at a festival you can’t play all those songs, so we didn’t really have time to rehearse; everyone was practicing on their own, in their own room, or at soundcheck, or on stage.

GD: Is there any trick you can suggest for recovering if you get lost in songs as rich as yours?

JP: It’s hard, really; I guess there are no tricks...! You have to listen, and maybe latch on to whoever you think is in the right; sometimes we get into real ‘train wrecks’ [laughs] where the whole band is in a mess; the rhythms are turned upside down and... it’s hard... to recovering when you play a complicated part, it’s very, very difficult! There are no tricks... more or less: you listen and you hope you’ll make it; for example, if you’re in the middle of a complicated part you wait for the next easy part to come, that maybe you can get it; a chord, a chorus...

GD: But can’t such high levels of concentration ruin the fun of playing?

JP: Absolutely not, because it’s fun to play that way. I have fun with it, and it doesn’t come between me and the fun; if you talk to the others in the band you can hear them say that when they play in concert they’re almost on autopilot [but... without rehearsing! ed]; if they have to think about what they’re playing, they’re not having fun; and I agree.

GD: So aren’t there some special systems to memorize all those breaks, stops, tempo changes...

JP: No, not tricks, but doing it and doing it and doing it...

GD: So: you know what you have to play and you play it....

JP: ...and sometimes you forget it... [laughs]

GD: What instrumentation did you use for the Once In A LIVEtime concert?

JP: Very simple; for the whole tour, including festivals, I didn’t have all my stuff, which I normally use; just a Mesa/Boogie Mark IV head and a couple of effects: TC electronics, 2290 and a Lexicon PCM70; plus a Dunlop wah-wah. In the studio it is much more complicated. Compared to the stuff illustrated in my instructional video, it’s a different story...

GD: It was not very clear why you needed two different Triaxis.

JP: Oh, because I wanted to combine some sounds; I was using two together at the same time.

GD: One last question about technique, regarding the 7-string guitar; one of the main problems is that guitarists tend to refer to the string that is ‘closest’ to them: the lowest. When you add the seventh string, lower than E (bass) it messes up most of your reference points; what do you think? And how did you overcome it?

JP: Yes, sometimes it confuses you because your reference low E is now a B [low]. Basically I got over that... like everything else, by really working on it; developing scales, patterns that start from that lower string. Another good system also is to play pieces written for the six-string; so you get used to not using that low B, and not confusing it by thinking of it as a low E.

—Gianfranco Diletti

Original text

John Petrucci Intervista

Il nuovissimo doppio live dei Dream Theater è una buona occasione per approfondire il rapporto della band con il palco.

Nei concerti dei Dream Theater che parte è dedicata all'improvvisazione? È cambiata questa percentuale nel tempo?

«Ce n'è un bel po'; e comunque sì, è aumentata negli anni? Sono improvvisati, ovviamente, assoli non accompagnati (tastiera, chitarra, batteria, da soli); nel caso in cui volessimo estendere le introduzioni, o i finali, ci improvvisiamo sopra; è vero, ora ne facciamo molto di più, è una grossa parte dei nostri spettacoli.»

Avete dei ‘cue' [segni di riferimento, chiamate] per quando e dove ripartire insieme?

«Sì, molti di questi segnali sono a vista; e a volte sono musicali; ci regoliamo su un certo lancio di batteria; o una frase di chitarra; si dice prima "quando suono questa frase significa che ho finito la mia parte".»

Per un album registrato in studio, quanto c'è di suonato in gruppo e quanto di sovraincisioni successive?

«Di solito la maggior parte è sovraincisa. Suoniamo il brano intero tutti insieme, poi teniamo soltanto la batteria e sovraincidiamo tutto il resto. Ma per esempio sull'ultimo album in studio, Falling Into Infinity, abbiamo registrato molto più dal vivo, insieme, e tenuto molte delle tracce fatte 'live'.»

Quali sono le principali differenze fra l'approccio ‘live' e quello ‘studio', dal punto di vista della ricostruzione di un arrangiamento per portarlo in tour?

«Per la chitarra tendo a tenere meno parti; con una sola parte 'live' beh, quella detta l'intera sensazione; e forse mi servo soltanto di una o due parti. Ma se parto da zero e comincio a costruirci sopra con le sovraincisioni, aggiungo, raddoppio, e la produzione diventa più complicata.»

Come la presenza del pubblico influenza il tuo approccio come musicista? Se ti innervosisce, cerchi di sfruttarlo in maniera positiva? E come?

«La sensazione che hai quando suoni davanti a un pubblico influenza di sicuro come suoni; provi a tenerti rilassato, centrato, così che sei in grado di concentrarti per, suonare correttamente. Ma c'è qualcosa che il pubblico dal vivo ti dà, e che non puoi tirar fuori dallo studio; ciò che tira fuori l’adrenalina, l’eccitazione e l’interazione di suonare per qualcuno e vederli reagire; a volte più aggressivamente, o picchiando più forte, o tiri fuori alcuni suoni che non faresti normalmente in studio, calmo e controllato.»

Viene davvero da un solo concerto tutto il materiale del CD?

«Sì, una serata.»

Sembra persino incredibile che per materiale così impegnativo si possa pensare di rischiare di registrare una sola serata; se poi esce cosi come sul CD...

«Beh, per essere sicuri che riuscisse bene abbiamo fatto arrivare il produttore di Falling Into Infinity Kevin Shirley, così almeno del suono eravamo sicuri. Poi abbiamo fatto un concerto lunghissimo, tre ore e mezza; così che potessimo scegliere, nel caso avessimo incasinato alcune parti... ah, ah.»

Ma quanto vi ci è voluto di prove, per un concerto di tre ore di roba cosi complessa?

«Veramente non abbiamo mai provato... abbiamo fatto un piccolo tour di festival in Europa, con un paio di concerti come attrazione principale [headliner] un paio di settimane; in un festival non puoi suonare tutti quei brani, così non abbiamo veramente avuto il tempo di provare; ognuno si allenava per conto suo, nella propria stanza, o al soundcheck, o sul palco.»

C'è qualche trucco che puoi suggerirei per riprendersi se ci si perde in brani cosi ricchi come i vostri?

«È dura, veramente; mi sa che non ci sono trucchi...! Devi ascoltare, e magari agganciarti a chi tu pensi sia nel giusto; a volte ci ritroviamo in veri 'incidenti ferroviari' [ah, ah] dove l'intera band è nel pallone; i ritmi sono rivoltati e... è dura... riprendersi quando suoni una parte complicata, è molto, molto difficile! Non ci sono trucchi... più o meno: ascolti e speri di farcela; per esempio se sei nel mezzo di una parte complicata aspetti che arrivi la prossima parte semplice, che forse riesci a prenderla; un accordo, un ritornello...»

Ma non è che livelli cosi alti di concentrazione ti possono rovinare il divertimento di suonare?

«No assolutamente; perché è divertente suonare in quel modo. Io mi ci diverto, e non mi si mette fra me e il divertimento; se parli con gli altri del gruppo ti puoi sentir dire che quando suonano in concerto sono quasi col pilota automatico [ma... senza provare! n.d.r.]; se devono pensare a ciò che suonano non si divertono; e io sono d'accordo.»

Allora non ci sono dei sistemi speciali per memorizzare tutti quegli stacchi, fermate, cambi di tempo...

«No, non trucchi, ma farlo e rifarlo e rifarlo...»

Quindi: sai quello che devi suonare e lo suoni...

«...e a volte lo dimentichi, ah, ah...»

Che strumentazioni hai usato per il concerto di Once In A LIVEtime?

«Molto semplice; per tutto il tour, festival compresi, non avevo tutta la mia roba, che normalmente uso; solo una testata Mesa/Boogie Mark IV e un paio di effetti: TC electronics, 2290 e un Lexicon PCM70; più un wha-wha Dunlop. Nello studio è molto più complicato. Rispetto alla roba illustrata nel mio video didattico è cambiata la situazione...»

Non era molto chiaro perché avessi bisogno di due diversi Triaxis.

«Oh, perché volevo combinare alcuni suoni; ne usavo due insieme contemporaneamente.»

Un'ultima domanda sulla tecnica, riguardo alla chitarra a 7 corde; uno dei problemi principali è che i chitarristi tendono a riferirsi alla corda a loro più ‘vicina': la più bassa. Quando aggiungi la settima corda, più bassa del Mi (basso) ti incasina la maggior parte dei punti di riferimento; che ne pensi? E come l'hai superato!

«Sì, a volte ti confonde perché il tuo Mi basso di riferimento ora è un Si [basso]. Di base io l'ho superato... come ogni altra cosa, lavorandoci sul serio; sviluppare scale, patterns che partono da quella corda più bassa. Un altro buon sistema inoltre è quello di suonarci pezzi scritti per la sei corde; così ti abitui a non usare quel Si basso, e non confonderlo ritenendolo un Mi basso.»

—Gianfranco Diletti