Dream Theater – The Restart

Dream Theater chose to name their newest album after the band. This is the 12th album in a career that has now spanned twenty-four years. Produced by John Petrucci and mixed by Richard Chycki (Rush, Aerosmith), Dream Theater is the first effort to feature new drummer Mike Mangini since its inception. Mangini replaced Mike Portnoy in 2011 and his performance gave new life to the band. The album began to be written during the tour that James LaBrie (vocals), John Petrucci (guitar), Jordan Rudess (keyboards) and John Myung (bass) and Mangini did to promote the previous album, A Dramatic Turn Of Events. And Dream Theater’s music is richer and even grander. The sound alternates from heavy and aggressive themes to less usual themes, such as Enigma Machine, the first instrumental song that the band recorded in ten years. We talked to Petrucci and Rudess, who talked all about the new album and showed great enthusiasm for this new phase of the band.

How do you analyze Dream Theater’s career? Do you believe that after joining the band it became a more consistent band?

Jordan Rudess: Consistent? This is an interesting perspective. When they called me, that was a very important moment for the band. They needed to find someone who could partner with John Petrucci in songwriting, someone who could take them to a higher level. So I was very honored to be called upon at that important moment and that they knew I could take on that responsibility. And I believe that it worked out not only for the musical part, but also because we got along very well as friends, we have similar personalities and to maintain this consistency this is fundamental. This is reflected at the shows when fans comment that it feels like we are a band of five musicians very united and playing as a team, even though we know that each of us has a different dynamic.

When you joined Dream Theater and the Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory (1999), the band was practically born again.

Jordan: It’s true. That was a very important album, it took the band a step further.

At the time of the release of A Dramatic Turn Of Events (N.T.: the band’s previous album, 2011), you said that you intended to do something great musically. Did that intention remain at the time of making the Dream Theater album?

John Petrucci: I think this is being built little by little, but we are already at another level. One of the things I really wanted in A Dramatic Turn Of Events was to create something rich in sound, as well as strong and very well defined. I think we got it. But on this new record I wanted to go even further.

Jordan: Yes. Some songs we wanted to be more concise and to the point, but always with lots of melody and strong choruses. A harmonic, melodic and comfortable album to listen to in many ways. Adding to that, something more epic and cinematic, which for me, as a keyboard player, is a lot of fun because it involves orchestra, strings, timbre study, equipment testing, etc. But I want to emphasize once again the intense and strong sound, as if it were a big and long hug!

In what sense?

John: Doing something more aggressive and grander. We wanted a very ‘in your face’ sound. That was something that came up when we were writing and recording, and it became even more evident when we were mixing. In other words, it’s a sound that was built little by little and that took us to this new level. You always want to progress and do something from a different perspective. And if all goes well, do something even better than anything you’ve ever done before.

You commented on the sound you wanted in the mix and this record had Richard Chycki in that role. What is his contribution to the sound of Dream Theater?

John: From the beginning, the concept was to put together every kind of sound that would allow us to do the mix that we envisioned. From day one, we were concerned about this, which allowed us to have a clear idea of ​​how the record would sound during the writing and recording process.

It’s an interesting way of working.

John: Yes, that’s true. And because of that, even when the songs were still very embryonic, we already had a very clear idea of ​​what they would sound like, which is exactly what you hear on the record. And that’s where Richard comes in, he was with us from day one helping us define this sound, in fact he’s one of the biggest ones responsible for it.

You used to co-produce Dream Theater records with Mike Portnoy. How has it been doing this alone?

John: I love producing! In A Dramatic Turn Of Events the same thing happened, I produced everything myself. There are things in life that you love to do – you play guitar and you love to play, I love songwriting and I have my personal passions. When I started producing with Mike back in 1999, I realized I had a really easy time doing it and I loved doing it. So, when I found myself alone to do this, I thought: ‘Well, here we go...’ It’s a huge job and a lot of responsibility to produce a Dream Theater record, it’s always a very big project, with many stages and that consumes months of work. But it’s really cool when it all comes to an end and I can say, ‘I did it! Everyone collaborated and no one in the band hates me!’ (laughs) It’s a great feeling.

You’ve worked with great producers in the past like Terry Date, David Prater, John Purdell and Kevin Shirley. What did you learn from them?

John: A lot! All these guys you mentioned are amazing and extremely talented and I could see the way they work. A big part of the secret is knowing how to deal with people and how to get the best out of each one of them. It doesn’t matter if you are a guitarist or a drummer, you have to observe how the musician works and how he is psychologically speaking. For me, producing is knowing how to take a step back to better observe everything that is happening and know how to act from the beginning. From there, it’s a matter of organizing yourself and defining the path you should take. Once that’s done, you know what you can expect from the job as a whole and you should make it happen. For me it is essential to stay focused and always be able to visualize the work as a whole.

Jordan, how did you feel about the production change? Do you believe that John felt pressured by the absence of Mike Portnoy?

Jordan: I think when Mike and John were working together, especially on the production side of the albums, there was a certain tension, even when the result was very satisfying. I believe that at that time John was not very happy and today he feels much better. Now he has become more centered and powerful. In other words, there was no pressure because, being one of the founders of this band and now with more power, he feels relaxed and can breathe calmly in this role. And that made him a more efficient musician and producer than he already was.

And do you think that James LaBrie and you took on a part of the role that Mike Portnoy had in the band?

Jordan: I believe so. When Mike left, we had to reconfigure a lot of things he did and it took a while for that, including discovering something here and there. But among all of us, little by little, we started to settle down, even because the band’s functioning was already consolidated.

Petrucci became the main lyricist in the band with the departure of Portnoy. You don’t seem to like that part and just get involved with the songs.

Jordan: I don’t feel the need to write lyrics as I feel complete and very satisfied creating the songs together with John. On this album he wrote all the lyrics except one of them which was written by John Myung. I think James could have written lyrics for this record, but he didn’t want to either and that would be a good question for him (laughs). But John is pretty competent in that part too, and with a little help here and there from Myung, who also likes to express himself in that sense, it’s OK for him.

When we looked in from the outside, we noticed that the band was a little tired of Mike Portnoy and needed some new blood. Was that what happened?

Jordan: I think Mike needed a break, he was tired, he needed a change and that was a problem for us. When he left the band, in a way it wasn’t a bad thing. He was surprised when he asked for a break from the band and we decided to go forward. At that moment everything was fine because today the band feels very strong and positive, everyone gets along very well, we went on tours in a great atmosphere, all together on the tour bus, we laughed a lot, drank our wine. That is, I return to what I said before: everyone comments that the band plays together and are happy after seeing our show.

Dream Theater is the first album that involves drummer Mike Mangini in the writing process. Did he bring a different dynamic than Mike Portnoy to the band?

John: Yeah, it’s all totally different. They are two different people, so they bring different atmospheres to the group. And that’s how I hope everyone sees the situation. And the work he’s done is just amazing.

Jordan: One of my favorite points is that Mike Mangini is a rhythm expert. He’s got a lot of rhythmic parameters in his mind, and he’s able to come up with some really interesting ideas. We have great songwriters in the band and he came to contribute. He influenced us to create parts of songs that we wouldn’t normally be doing and that was very special. In addition, when we are composing he has incredible energy, he is a funny figure and he brings a very positive mood.

For you as a keyboardist, what changes having Mike Mangini by your side?

Jordan: It doesn’t change much. Each musician has their own characteristics. Playing with Mike Portnoy was awesome, he’s an amazing drummer and more instinctive, he doesn’t need to play every day, he doesn’t need to train a lot. Now comes Mangini, who is more technical, he already trains every day and that’s why he does things I’ve never seen another drummer do, which changes the way the music would normally come out.

In fact, Mike Mangini’s performance on this record is remarkable.

John: And a lot of what he did was improvised, which is impressive. I’d go up to him and say, ‘Go on, Mike, and try something different for this part.’ He would go there, do it and we would laugh... All we could do was laugh. It was almost unbelievable what he could do on the fly. And it’s great to write with him, too. He is always aware of what we are trying to do. Because there’s nothing worse than having an idea for a phrase or a riff and your songwriting partner has no idea what to do with it.

Was he always in tune with you musically?

John: There wasn’t a moment when he wasn’t totally on the same page. He understood what we were doing and at the same time he knew what kind of groove he should use in each song so that it was heavy and technical at the same time, he always knew what each track asked for. He was always in touch with what was going on and that’s an excellent quality for a musician. And that speaks volumes about him, not just as a drummer, but as a musician. Even after the record is done, I’m still amazed by listening to certain things Mike has done. It was a really incredible experience.

When you’re in the writing process, do you usually listen to other bands to bring influences that can be good for Dream Theater?

Jordan: Generally, on a daily basis, I listen to a lot of music and it’s normal to end up bringing influences from the bands I’m listening to. But I don’t do it in the sense of seeking creativity. In fact, when we’re writing, we don’t even have time to listen to other bands, we just get together in the studio with our instruments and play. That’s how ideas come and songs are born. A lot of ideas also come up in the soundchecks during the tour and we record a lot of material from these jams to work on later. But most of the songs are created in the studio, with everyone working together, putting ideas and showing each other. I think it’s cool that we split this studio work into sections, going step by step until we complete the album.

The new album opens with a very dramatic instrumental track, False Awakening Suite. This is the first instrumental track you’ve recorded since Stream Of Consciousness, which is on Train Of Thought (2003). Was your idea to give a taste of what the record would bring?

John: Yes, that’s right. The idea came from the openings that we do at shows, the idea is, as you said, to create a dramatic atmosphere to precede our entry on the scene. We already used several types of tracks at the beginning of our presentations, on the last tour it was a theme from the movie ‘Inception’. It is a way that people use to, so to speak, talk about ourselves. And here comes the question: what is the best way to do this? So this time we wrote the opening of the show ourselves. The cool thing about this track is that we use real strings and it has a mood that is heavy and progressive at the same time.

Jordan: And on this song we brought in my friend Eren Başbuğ to orchestrate the parts that John and I wrote. All with musicians playing live in the studio. And this album has one more instrumental song called Enigma Machine, which is much heavier.

Back in 1986, before the band was known as Dream Theater (N.T.: the group’s first name was Majesty), you recorded a demo called the Majesty Demos. At that time, had you already defined that the band’s music would have vocals?

John: Yes, without a doubt. We knew that the instrumental part would be very important in our work and that there would be instrumental parts in the middle of our songs. But we always wanted to be a band with vocals. We grew up listening to and became fans of bands like Yes, Rush, Iron Maiden and Metallica, and they all feature vocals. But we also loved the instrumental part of the song, so we looked for a path that would unite these two characteristics.

Speaking of which, one of the great vocal tracks on the new record is The Enemy Inside, which also has some striking guitar parts. If you had to define the sound of your guitar, how would you do it?

John: I describe it as a slice of chocolate cake. And that’s what I look for in the studio. Then you ask me: but why a chocolate cake? Because a chocolate cake is rich, it’s creamy, and it’s made in layers. It’s sweet but has a lot of substance – and it still has a cherry on top. There’s nothing more satisfying than a nice piece of chocolate cake! So that’s what I look for in my guitar: a robust, rich and delicious sound (laughs).

Your solo on this song is quite intense, while The Looking Glass is more introspective. Do you have this concern to create solos that go along with the emotion that each song conveys?

John: Of course! It’s all very consciously planned. The Enemy Inside is an aggressive and fast song, so the solo asked for something that went in that direction. The song has a lot of groove, so the solo needed to be robust and even kind of percussive. It’s not introspective at all, it’s totally direct and technical. The Looking Glass is another story. So much so that I chose a guitar and amp set to record it totally different from the rest of the album and I believe that this helped a lot for it to have that characteristic that you noticed.

Did the solo on the Enigma Machine instrumental track require a different approach on your part? There are a lot of lines that you play along with Jordan and John Myung, and the music seems to be a lot more complex than The Looking Glass.

John: Without a doubt, that’s right. The Looking Glass has a more repetitive structure, so there’s more room for you to ‘breathe’ in it. When a song has a more rigid structure, you need to adapt to that when playing the solo. This lessens your ability to improvise, but makes it easier to structure because you have more rigid lines to work with.

So is a solo like this less spontaneous and more structured?

John: I’d rather say it should be a little more thought out. It’s easier than a song like Surrender To Reason, which has another more bombastic solo, with a lot of improvisation. It has an ‘ostinato’ (N.T.: part that is repeated at different times in a song) that makes things easier, just walk around it. But in any case, it’s a song that requires a totally different approach.

The Bigger Picture is one of the guitar-driven songs. This has become something of a trademark of yours for many years...

John: Yes. The way I use the acoustic guitar is much more discreet than what I do with the electric guitar, of course. My main instrument is the electric guitar. I use the acoustic guitar to spice up the songs, it ends up being like an orchestral tool, in the same way that a keyboardist uses the piano when necessary to give a more personal and organic touch to the sound. I use the acoustic to support the electric. In 90% of cases, I use acoustic guitar to give a more percussive touch to the theme.

Name some songs where you did this.

John: Surrender To Reason has a twelve-string guitar in the background in the stanzas, for example. In Along For The Ride I used acoustic guitar in the intro and stanzas. It varies from song to song, but I always think of the electric guitar first – and most of the time that’s what I use.

Does a ballad like The Bigger Picture satisfy you as much as a rock like The Enemy Inside?

John: Yeah and that sums up what the magic is about playing at Dream Theater and making the kind of music we do. You can explore the most varied facets of music without fear. The Enemy Inside and Enigma Machine are really heavy songs, they’re dark, there’s even something sinister about them. But that doesn’t mean the whole disk has to be like that. You can vary it at will and then play something very simple with a nice melody. Or something keyboard-driven that reminds me of Dixie Dregs, Genesis or Yes. All of this satisfies musically. I envisioned The Enemy Inside as the first song on the show because it exudes energy and captivates the audience. By this line of reasoning, The Bigger Picture would be the song that would end the presentation because it has a strong melody, the kind that makes you want to sing along, in addition to being quite simple. Each of the songs lends itself to a certain purpose and satisfies a certain desire of the composer. So, it’s all very pleasant to be able to do it that way, no one needs to lock themselves into a certain style.

Jordan: Well, I must confess that The Bigger Picture is one of my favorites on the album (laughs). It has a great presentation, it’s very cinematic, as we put it, and I like ballads. It’s important to have that variation on the album, plus James’ voice blends in very well with The Bigger Picture.

Surrender To Reason’s solo is completely crazy, with a lot of noise and an insane use of the whammy bar. Do you enjoy from time to time doing a crazy solo like this?

John: Don’t doubt it! This is the kind of song I imagine playing with a trio in a crowded, smoky bar. It’s late at night and we start playing this. It’s an ‘in your face’ type of solo. I used a ‘flanger’ to make the sound weirder and drier. That’s exactly what I was looking for, just guitar, bass and vocals, no keyboards or vocals, just an angry trio improvising. I could go into much more detail on this but I think that’s good enough... (laughs)

Illumination Theory, being more than 22 minutes long, is the epic track of the disc, with countless movements. How do you write a song with so many parts like this?

Jordan: This one is long and epic! It’s part of having songs like this, we really like to create and put creativity to work.

John: The first thing to start something like this is knowing you want to do something like this. You think, ‘OK, let’s go. This is going to be an epic song, it’s going to be twenty minutes long.’ That way, you know you’ll have the time and space to make the theme develop and grow. Once this is defined, you need to look for good ideas to develop it and take it where you want.

How exactly?

John: Let’s take this song as an example. I knew I wanted to do a more atmospheric interlude in the middle of it with a string accompaniment reminiscent of a ballet. Something totally different and unexpected, you know? You can print a trademark on themes like this.

Did you already have some melodies written when you started working on Illumination Theory?

John: The main theme I already had, yes. So I thought, ‘Okay, I already have the main line. It’s a good start.’ And there’s a snippet of the final progression that we played at a soundcheck before a show in Asia. As soon as we played that, I already imagined using it at the end of some song on the next album, which was this one. So you have a central idea and you add details to it. So it was a matter of figuring out what would work between those two moments.

What’s the secret of making a theme like this and not letting it become repetitive or boring? Is this something you learn from experience?

John: I hope so... (laughs) The secret is to try to be objective. I usually get the guys together and ask them, ‘Is this working? Wasn’t that part too big? Will it catch the public’s attention?’ At this point in our career, we can ask these questions openly with the certainty that the overall judgment will be in the best interest of the band.

Jordan: For us, writing a song like Illumination Theory has become very natural. Because as a composer it’s important to develop an idea and let it flow without limitation. It’s actually like writing a smaller song, because the idea comes from a riff and we started building on that starting point. But logically, knowing it’s going to be a longer song, you let it grow. As John said, we listen to parts of a song like this many times and we listen to it to see if it’s really any good.

But it’s always tricky for any band to be completely honest about the music they make.

John: The main thing is that it can’t sound boring. We work always looking for creativity, but we have to know how to stop and ask ourselves: ‘How is this sounding?’ In other words, this is always at the center of everything. We seek to evaluate by placing ourselves in the position of listeners. We see if it holds our attention, if it’s interesting, if it’s not too long, if we need to make some changes... Fortunately, the decisions we’ve made from this perspective have been approved by the public. We may have missed one or two points, how are we going to know? But we are always ready to change our minds if we deem it necessary.

So music first has to bring pleasure to the band and then it will be more natural for fans to like it?

Jordan: We’re musicians, we’re people, and we have to create music that we like. So first comes our expression, who we are, and then we look forward to fans enjoying and embracing our music as well. We think about the lyrics that can please the fans the most, the final mix, in every detail. Also, there’s the band relationship. John can show me riffs and ask if I like them, and I can say that for some yes, others not so much, and we’re going to get it right because we’re also Dream Theater fans.

Still in this line of reasoning, how do you know you got the composition of a solo right?

John: I think it depends on how it’s built. Usually, this happens in solos that are made in improvisation. You get carried away by the ‘feeling’ and the solo ends up working perfectly. It’s something that doesn’t end up taking a lot of time, but you know it worked musically. You listen and say, ‘For some reason I don’t know, it sounds perfect!’

What about the more elaborate and intricate solos?

John: In other circumstances, where the solos are more complex, like the one on Behind The Veil or the one at the end of Illumination Theory, the process is similar to composing a song. I build it and ask the same questions: is it interesting? Should I change something about it? Musically, does it elevate the theme to the level it should be?

So would you say the solo is as important as the vocal line?

John: Yes. If it’s at the end of the song, I imagine that guy on top of the mountain, his hair blowing in the wind and creating its climax. So, I ask myself: am I able to convey this? Or was it boring? You understand what I mean. If the solo is in the middle of the song and will take it to the final chorus, my mission is to keep the song up there, generate a strong expectation in the listener and deliver it to the chorus. This is my job. And again I ask myself: did I make it? Sometimes this is the type of solo that takes the most work. On some occasions it appears more naturally; in others, you need to think more about it. But I usually sort it out the first time. It never happens that I arrive the next day, hear the solo and decide to do it all over again. I resolve it at that time.

The end of Illumination Theory has that atmosphere you mentioned, of a guy on top of the mountain with a guitar showing service.

John: Yeah, it’s like the icing on the cake. It comes in a crescendo, with a lot of delay. I think it worked fine.

Is naming the new record Dream Theater a way of showing that this is Dream Theater of 2013?

John: It’s 100% that. You got it. We have a long career and we are very fortunate for that. With each album we make, we try to insert something new. And it’s not easy to please listeners for so long, not least because it’s very comfortable for people to say, ‘Oh, I like the band’s old days. Who cares about the new record?’

Jordan: And that question brings me back to the same situation we talked about when I joined the band. We are in a moment to move up to the next level, we are at a very important point in our career. We’re getting along great, we’re doing well in the studio, everyone in the band is focused on achieving more. With this album, we feel like we’ve created music that really represents who we are as musicians and as a band and how we want Dream Theater to continue its existence. So, because we were feeling very comfortable and strong, we wanted to put a stamp on it, like, ‘OK, this is Dream Theater! Do you want to know what Dream Theater sounds like? Listen to this album, this is Dream Theater.’

Why do you think the songs on the new album have this strength?

Jordan: Dream Theater’s style over the years has been shaped by the influence of many genres and we are called a prog metal band. But on this new album I believe that the style that we brought is much broader, a more diverse music and that adds to what we wanted as musicians, too. We wanted a bigger challenge. And the consequence of that is that we also want, in this way, that the fans understand us as Dream Theater, a unique band.

It’s hard to get old fans to like new music...

John: But I still think our fans are always looking for new things and that’s what we offer them. We always want to give our best and we want to move forward and evolve. We always try to do things better and outdo ourselves. We’ve never had a record named after the band and that makes it a good thing to release it now. People might ask themselves, ‘Where is the band at today? How does Dream Theater sound these days?’ And an album that bears our name is a good answer to those questions.

You guys are very successful doing Prog Metal. Do you consider yourself the creators of the style?

John: Sometimes we catch ourselves thinking about it. First of all you have to remember that there are a lot of people making a lot of wonderful music all over the world, just like there are a lot of new prog metal bands that are really amazing and put out great work. That’s inspiring. When we got together in the studio we loved playing together. We have a lot of chemistry and a great musical relationship. We feel we have a responsibility, to the listeners and to ourselves, to do the best we can. We accept no excuses or ill will. There has to be absolute surrender! And that’s what we’re proud of. When we ask someone to listen to our music, we want them to be impressed. It is because for us there is no other way of doing things.

Would Dream Theater be the flagship band of Prog Metal?

Jordan: I believe so! For some newer bands, Dream Theater has that responsibility, because for them we made that style possible and got recognition. There’s a band called Haken, very good by the way, that they told me that we from Dream Theater showed how to make a progressive and heavy music at the same time and that can be commercial.

What’s your favorite Dream Theater album other than the new work?

Jordan: It’s the new album (laughs). I can’t help but talk about it because it’s very clear in my mind and it’s a sensational work. I always say that all our works are like our children. But I have a great relationship with the first two albums I recorded with the band, Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory and Six Degrees Of Inner Turbulence (2002). And the new album, Dream Theater!

What did you think of the Live At Luna Park DVD, recorded in Argentina. Did it turn out the way you imagined?

Jordan: Perfect! We did two amazing shows that were very well captured. We are happy to be able to show the world what Dream Theater is like in South America.

Original text

Dream Theater – O Recomeço

Por Claudio Vicentin e Steven Rosen

O Dream Theater optou por batizar seu mais novo disco com o nome da banda. Trata-se do 12° álbum de uma carreira que já soma vinte e quatro anos. Produzido por John Petrucci e mixado por Richard Chycki (Rush, Aerosmith), Dream Theater é o primeiro trabalho a contar com o novo baterista, Mike Mangini, desde o seu princípio. Mangini substituiu Mike Portnoy em 2011 e sua performance deu novo ânimo à banda. O disco começou a ser escrito ainda durante a tour que James LaBrie (vocal), John Petrucci (guitarra), Jordan Rudess (teclados) e John Myung (baixo) e Mangini fizeram para promover o disco anterior, A Dramatic Turn Of Events. E a música de Dream Theater se apresenta mais rica e ainda mais grandiosa. A sonoridade alterna de temas pesados e agressivos a temas menos usuais, como Enigma Machine, primeira música instrumental que a banda gravou em dez anos. Conversamos com Petrucci e Rudess, que falaram tudo sobre o novo disco e mostram grande entusiasmo com essa nova fase da banda.

Como você analisa a carreira do Dream Theater? Acredita que após sua entrada na banda ela se tornou uma banda mais consistente?

Jordan Rudess: Consistente? Essa é uma perspectiva interessante. Quando eles me chamaram, aquele era um momento muito importante para a banda. Eles precisavam encontrar alguém que pudesse ser parceiro nas composições junto com John Petrucci, alguém que pudesse levá-los para um nível mais alto. Então, fiquei muito honrado por ser chamado naquele momento importante e que eles sabiam que eu poderia assumir essa responsabilidade. E acredito que tenha dado certo não somente pela parte musical, mas também porque nos demos muito bem como amigos, temos personalidades parecidas e para manter essa consistência isso é fundamental. Isso se reflete nos shows quando os fãs comentam que parece que somos uma banda de cinco músicos muito unidos e jogando como um time, mesmo sabendo que cada um de nós tem uma dinâmica diferente.

Quando você entrou no Dream Theater e saiu o álbum Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory (1999), a banda praticamente nasceu de novo.

Jordan: É verdade. Aquele foi um álbum muito importante, levou á banda um degrau acima.

Na época do lançamento de A Dramatic Turn Of Events (N.T.: disco anterior da banda, de 2011 ), você disse que pretendia fazer algo grandioso musicalmente falando. Essa intenção permaneceu na hora de fazer o álbum Dream Theater?

John Petrucci: Acho que isso vem sendo construído aos poucos, mas já estamos num outro nível. Uma das coisas que eu realmente queria em A Dramatic Turn Of Events era criar algo rico em termos sonoros, além de forte e muito bem definido. Acho que conseguimos isso. Mas nesse novo disco eu queria ir ainda mais longe.

Jordan: Sim. Algumas músicas nós queríamos que fossem mais concisas e direto ao ponto, mas sempre com muita melodia e refrãos fortes. Um álbum harmónico, melódico e confortável de se escutar de muitas maneiras. Juntando a isso, algo mais épico e cinematográfico, o que para mim, como tecladista, é muito divertido porque envolve orquestra, cordas, estudo de timbres, testes de equipamentos etc. Mas quero ressaltar mais uma vez o som intenso e forte, como se fosse um grande e longo abraço!

Em que sentido?

John: Fazendo algo mais agressivo e mais grandioso. Queríamos um som bem ‘na cara’. Isso foi algo que surgiu quando estávamos compondo e gravando, e se tornou ainda mais evidente na hora da mixagem. Ou seja, é um som que foi sendo construído aos poucos e que nos levou a esse novo patamar. Você sempre quer progredir e fazer algo em uma perspectiva diferente. E, se tudo der certo, fazer algo ainda melhor do que tudo que já fez antes.

Você comentou sobre o som que desejava na mixagem e esse disco contou com Richard Chycki nessa função. Qual a contribuição dele para a sonoridade de Dream Theater?

John: Desde o começo, o conceito era reunir todo o tipo de som que nos permitisse fazer a mixagem que imaginávamos. Desde o primeiro dia nos preocupamos com isso, o que nos possibilitou que, durante o processo de composição e gravação, já tivéssemos uma noção clara de como o disco iria soar.

É uma forma de trabalho interessante.

John: Sim, é verdade. E por conta disso, mesmo quando as músicas ainda estavam bem embrionárias, já tínhamos uma noção bem clara de como soariam, que é exatamente como você ouve no disco. E é aí que Richard entra, ele estava conosco desde o primeiro dia nos ajudando a definer essa sonoridade, na verdade ele é um dos maiores responsáveis por ela.

Antigamente, você coproduzia os discos do Dream Theater com Mike Portnoy. Como tem sido fazer isso sozinho?

John: Eu adoro produzir! Em A Dramatic Turn Of Events aconteceu a mesma coisa, eu produzi tudo sozinho. Há coisas na vida que você adora fazer – você toca guitarra e adora tocar, eu amo compor e tenho minhas paixões pessoais. Quando comecei a produzir com Mike lá em 1999, percebi que tinha muita facilidade para fazer isso e adorei fazê-lo. Então, quando me vi sozinho para fazer isso, pensei: ‘Bem, aqui vamos nós...’ É um trabalho enorme e de muita responsabilidade produzir um disco do Dream Theater, é sempre um projeto muito grande, com muitas etapas e que consome meses de trabalho. Mas é muito legal quando tudo chega no fim e eu po sso dizer: ‘Consegui! Todo mundo colaborou e ninguém da banda está me odiando!’ (risos) É uma sensação ótima.

Você já trabalhou com ótimos produtores no passado, como Terry Date, David Prater, John Purdell e Kevin Shirley. O que você aprendeu com eles?

John: Muita coisa! Todos esses caras que você citou são incríveis e extremamente talentosos e eu pu de ver a forma como eles trabalham. Boa parte do segredo é saber como lidar com as pessoas e como extrair o melhor de cada uma delas. Não importa se é um guitarrista ou um baterista, você tem que observar como o musico trabalha e como ele é psicologicamente falando. Para mim, produzir é saber dar um passo para trás para observar melhor tudo o que está acontecendo e saber como agir desde o começo. A partir daí, é uma questão de você se organizar e definir o caminho que deve trilhar. Feito isso, você sabe o que pode esperar do trabalho como um todo e deve fazer com que ele aconteça. Para mim é fundamental manter o foco e conseguir sempre visualizar o trabalho como um todo.

Jordan, como você se sentiu com a mudança na produção? Acredita que John se sentiu pressionado com a ausência de Mike Portnoy?

Jordan: Eu acho que quando Mike e John estavam trabalhando juntos, principalmente na parte de produção dos álbuns, existia certa tensão, mesmo quando o resultado era muito satisfatório. Creio que naquele momento John não estava muito contente e hoje se sente muito melhor. Agora ele se tornou mais centrado e poderoso. Ou seja, não existiu pressão alguma porque, sendo um dos fundadores dessa banda e agora com mais poder, ele se sente relaxado e pode respirar tranquilamente nesse papel. E isso o tornou um músico e produtor mais eficiente do que já era.

E você acha que James LaBrie e você assumiram uma parte do papel que Mike Portnoy tinha na banda?

Jordan: Acredito que sim. Quando Mike saiu, nós tivemos que reconfigurar muitas coisas que ele fazia e levou um tempo para isso, inclusive para irmos descobrindo algo aqui e ali. Mas entre nós todos, aos poucos, fomos nos ajeitando até porque o funcionamento da banda já estava consolidado.

Petrucci se tornou o principal letrista na banda com a saída de Portnoy. Você parece não gostar dessa parte e se envolve apenas com as músicas.

Jordan: Não sinto necessidade de escrever letras, pois me sinto completo e muito satisfeito em criar as músicas junto com John. Nesse álbum ele escreveu todas as letras, exceto uma delas que foi escrita por John Myung. Eu acho que James poderia ter escrito letras para esse disco, mas ele não quis também e essa seria uma boa pergunta para ele (risos). Mas John é bem competente nessa parte também, e com uma ajuda aqui e ali do Myung, que também gosta de se expressar nesse sentido, está OK para ele.

Quando olhamos de fora, notamos que a banda estava um pouco cansada de Mike Portnoy e precisava de sangue novo. Era isso que acontecia?

Jordan: Acredito que Mike precisava de um tempo, ele estava cansado, precisava de uma mudança e isso era um problema para nós. Quando ele deixou a banda, de certa maneira não foi algo ruim. Ele ficou surpreso quando pediu uma pausa para a banda e nós decidimos ir em frente. Nesse momento tudo ficou bem porque hoje a banda se sente muito forte e positiva, todos se dão muito bem, saímos em turnês num clima ótimo, todos juntos no tour bus, rimos bastante, bebemos nosso vinho. Ou seja, retorno àquilo que disse antes: todos comentam que a banda toca unida e contente após ver nosso show.

Dream Theater é o primeiro disco que tem envolvimento do baterista Mike Mangini desde o processo de composição. Ele trouxe uma dinâmica diferente da de Mike Portnoy para a banda?

John: Sim, é tudo totalmente diferente. São duas pessoas diferentes, então trazem atmosferas diferentes ao grupo. E é assim que eu espero que todos encarem a situação. E o trabalho que ele fez é simplesmente impressionante.

Jordan: Um dos pontos que mais gostei é que Mike Mangini é um expert em ritmo. Ele tem muitos parâmetros rítmicos em sua mente, é capaz de oferecer algumas ideias bem interessantes. Nós temos compositors ótimos na banda e ele chegou para acrescentar. Ele nos influenciou a criar partes nas músicas que normalmente não estaríamos fazendo e isso foi muito especial. Além disso, quando estamos compondo ele tem uma energia incrível, é uma figura engraçada e que traz um astral muito positivo.

Para você como tecladista o que muda tendo agora Mike Mangini ao seu lado?

Jordan: Não muda muito. Cada músico tem suas características próprias. Tocar com Mike Portnoy foi demais, ele é um baterista incrível e mais instintivo, não precisa tocar todos os dias, não precisa treinar muito. Agora vem Mangini, que é mais técnico, ele já treina todos os dias e por isso faz coisas que nunca vi outro baterista fazer, o que muda a maneira como a música normalmente sairia.

De fato, a performance de Mike Mangini nesse disco é marcante.

John: E muito do que ele fez foi na base do improviso, o que é impressionante. Eu chegava nele e pedia: ‘Vai lá, Mike, e tenta algo diferente para esse trecho.’ Ele ia lá, fazia e a gente ria... Só nos restava rir. Era quase inacreditável o que ele conseguia fazer no improviso. E é ótimo compor com ele, também. Ele está sempre atento ao que estamos tentando fazer. Porque não há nada pior do que se ter uma ideia para uma frase ou um riff e seu parceiro de composição não ter a menor noção do que se deve fazer com aquilo.

Ele esteve sempre em sintonia com você em termos musicais?

John: Não houve um momento sequer em que ele não estivesse em total sintonia. Ele compreendia o que estávamos fazendo e no mesmo momento já sabia qual tipo de groove deveria usar em cada música para que ela ficasse pesada e técnica ao mesmo tempo, sabia sempre o que cada faixa pedia. Ele estava o tempo todo ligado com o que estava acontecendo e isso é uma excelente qualidade para um músico. E isso fala muito sobre ele, não apenas como baterista, mas como músico. Mesmo depois de o disco estar pronto, eu ainda me impressiono ouvindo certas coisas que Mike fez. Foi uma experiência realmente incrível.

Quando vocês estão em processo de composição costumam ouvir outras bandas para trazer influências que podem ser boas para o Dream Theater?

Jordan: Geralmente, no dia a dia, eu escuto muita música e é normal acabar trazendo influências das bandas que estou ouvindo. Mas não faço isso no sentido de buscar criatividade. Na verdade, quando estamos compondo nem temos tempo de escutar outras bandas, apenas nos juntamos no estúdio com nossos instrumentos e tocamos. É dessa maneira que as ideias surgem e as músicas vão nascendo. Muitas ideias surgem também nas passagens de som durante a turnê e vamos gravando muito material dessas jams para depois trabalharmos em cima. Mas a maior parte das músicas é criada em estúdio mesmo, com todos trabalhando juntos, colocando ideias e mostrando uns aos outros. Acho legal que dividimos esse trabalho em estúdio por seções, indo passo a passo até completarmos o álbum.

O novo disco abre com uma faixa instrumental de muita dramaticidade, False Awakening Suite. Esse é o primeiro tema instrumental que vocês gravam desde Stream Of Consciousness, que está em Train Of Thought (2003). Sua ideia era dar uma amostra do que o disco traria?

John: Sim, isso mesmo. A ideia veio das aberturas que fazemos nos shows, a ideia é, como você disse, criar um clima dramático para anteceder nossa entrada em cena. Já usamos vários tipos de trilhas no início de nossas apresentações, na última tour era um tema do filme ‘Inception’ (em português, ‘A Origem’). É uma forma que usam os para, por assim dizer, falar de nós mesmos. E aí vem a pergunta: qual a melhor forma de fazer isso? Então, dessa vez nós mesmos escrevemos a abertura do show. O legal nessa faixa é que nós usamos cordas de verdade e ela tem um clima que é pesado e progressivo ao mesmo tempo.

Jordan: E nessa música trouxemos meu amigo Eren Başbuğ para fazer a orquestração nas partes que eu e John compusemos. Tudo com músicos tocando ao vivo em estúdio. E esse álbum tem mais uma música instrumental chamada Enigma Machine, que é bem mais pesada.

Nos idos de 1986, antes de a banda ser conhecida como Dream Theater (N.T.: o primeiro nome do grupo foi Majesty), vocês gravaram uma demo chamada Majesty Demos. Nessa época vocês já tinham definido que a música da banda teria vocais?

John: Sim, sem dúvida. Nós sabíamos que a parte instrumental teria grande importância no nosso trabalho e que haveria partes instrumentais em meio às nossas músicas. Mas nós sempre quisemos fazer uma banda com vocais. Nós crescemos ouvindo e nos tornamos lãs de bandas como Yes, Rush, Iron Maiden e Metallica, e todas elas contam com vocais. Mas nós também adorávamos a parte instrumental da música, então buscamos um caminho que unisse essas duas características.

Falando nisso, uma das grandes faixas em termos vocais do novo disco é The Enemy Inside, que também tem partes de guitarra marcantes. Se você tivesse que definir o som da sua guitarra, como o faria?

John: Eu o descrevo como uma fatia de um bolo de chocolate. E é isso que eu busco em estúdio. Aí você me pergunta: mas por que um bolo de chocolate? Porque um bolo de chocolate é rico, é cremoso e é feito em camadas. É doce mas tem muita substância – e ainda tem uma cereja no topo. Não tem nada que satisfaça mais do que um belo pedaço de bolo de chocolate! Então, é isso que eu busco na minha guitarra: um som robusto, rico e delicioso (risos).

Seu solo nessa música é bem intenso, enquanto que o The Looking Glass é mais introspectivo. Você tem essa preocupação de criar solos que caminhem junto com a emoção que cada canção transmite?

John: Claro! É tudo planejado de forma muito consciente. The Enemy Inside é uma música agressiva e rápida, então o solo pedia algo que fosse nessa direção. A música tem muito groove, então o solo precisava ser robusto e até meio percussivo. Ele não tem nada de introspectivo, é totalmente direto e técnico. Já The Looking Glass é outra história. Tanto que eu escolhi um set de guitarra e amplificador para gravá-lo totalmente diferente do resto do disco e eu creio que isso ajudou muito para que ele ficasse com essa caracteristica que você notou.

O solo na faixa instrumental Enigma Machine exigiu uma abordagem diferente da sua parte? Há muitas frases que você toca junto com Jordan e John Myung, e a música parece ser bem mais complexa que The Looking Glass.

John: Sem dúvida, é isso mesmo. The Lookíng Glass tem uma estrutura mais repetitiva, então sobra mais espaço para que você ‘respire’ nela. Já quando uma música tem uma estrutura mais rígida, você precisa se adaptar a isso na hora de fazer o solo. Isso diminui sua possibilidade de improvisar, mas fica mais fácil de estruturar porque você tem linhas mais rigidas para trabalhar.

Então, um solo como esse é menos espontâneo e mais estruturado?

John: Eu prefiro dizer que ele deve ser um pouco mais pensado. É mais fácil do que em uma música como Surrender To Reason, que tem outro solo mais bombástico, com muito improviso. Ele tem um ‘ostinato’ (N.T.: parte que se repete em diversos momentos de uma música) que deixa as coisas mais fáceis, é só transitar ao redor dele. Mas, de todo modo, é uma música que exige uma abordagem totalmente diferente.

The Bigger Picture é uma das músicas movidas a violão. Isso já se tornou uma espécie de marca registrada sua há muitos anos...

John: Sim. A forma como eu uso o violão é bem mais discreta do que o que faço com a guitarra, logicamente. Meu instrumento principal é a guitarra. Eu uso o violão para dar um tempero às músicas, acaba sendo como uma ferramenta orquestral, da mesma forma que um tecladista lança mão do piano quando necessário para dar um toque mais pessoal e orgânico ao som. Eu uso o acústico como apoio ao elétrico. Em 90% dos casos, uso violão para dar um toque mais percussivo ao tema.

Cite algumas músicas em que você fez isso.

John: Surrender To Reason tem um violão de doze cordas ao fundo nas estrofes, por exemplo. Em Along For The Ride eu usei violão na introdução e nas estrofes. Isso varia de música para música, mas eu sempre penso primeiro na guitarra – e na maior parte das vezes é ela que eu uso.

Uma balada como The Bigger Picture o satisfaz tanto quanto um Rock como The Enemy Inside?

John: Sim e isso resume o que é a magia de tocar no Dream Theater e fazer o tipo de música que fazemos. Você pode explorar as mais variadas facetas da música sem medo. The Enemy Inside e Enigma Machine são músicas de fato pesadas, são sombrias, há até um quê de sinistro nelas. Mas isso não significa que todo o disco tem que ser assim. Você pode variar à vontade e tocar em seguida algo bem simples com uma bela melodia. Ou algo movido a teclados que lembre Dixie Dregs, Genesis ou Yes. Tudo isso satisfaz musicalmente. Eu imaginei The Enemy Inside como a primeira música do show porque transmite energia e cativa o público. Por essa linha de raciocínio, The Bigger Picture seria a música que encerraria a apresentação porque tem uma melodia forte, daquelas que o faz querer cantar junto, além de ser bastante simples. Cada uma das músicas se presta a um determinado propósito e satisfaz a determinado desejo do compositor. Então, é tudo muito prazeroso poder fazer isso dessa forma, ninguém precisa se fechar dentro de um determinado estilo.

Jordan: Pois eu devo confessar que The Bigger Picture é uma das minhas favoritas do album (risos). Ela tem uma exposição ótima, é bem cinematográfica, como colocamos, e eu curto baladas. É importante ter essa variação no álbum, além de a voz de James combinar muito bem com The Bigger Picture.

O solo de Surrender To Reason é completamente louco, com muitos ruídos e uma utilização que eu chamaria de insana da alavanca. Você curte de tempos em tempos fazer um solo maluco assim?

John: Nem duvide! Esse é o tipo de som em que eu me imagino tocando com um trio num bar cheio, enfumaçado. É tarde da noite e a gente começa a tocar isso. É o tipo de solo bem ‘na cara’. Usei um ‘flanger’ para deixar o som mais estranho e seco. Era exatamente isso que eu estava procurando, só guitarra, baixo e vocal, nada de teclados ou vocais, só um trio com raiva e improvisando. Eu poderia me estender muito mais sobre isso mas acho que já está bom... (risos)

Illumination Theory, com mais de 22 minutos, é a faixa épica do disco, com inúmeros movimentos. Como se escreve uma música com tantas partes como essa?

Jordan: Essa é longa e épica! Faz parte termos músicas assim, realmente gostamos de criar e colocar a criatividade para funcionar.

John: A primeira coisa para se começar algo assim é saber que quer fazer algo assim. Você pensa: ‘OK, vamos lá. Essa vai ser uma música épica, vai ter vinte minutos de duração.’ Assim, você sabe que vai ter tempo e espaço para fazer o tema se desenvolver e crescer. Uma vez definido isso, é preciso buscar boas ideias para desenvolvê-lo e fazê-lo chegar onde você deseja.

Como assim, exatamente?

John: Tomemos essa música como exemplo. Eu sabia que queria fazer uma parade mais atmosférica no meio dela com um acompanhamento de cordas que lembrasse um balé. Uma coisa totalmente diferente e inesperada, entende? Você pode imprimir uma marca registrada em temas assim.

Você já tinha algumas melodias escritas quando começou a trabalhar em Illumination Theory?

John: O tema principal eu já tinha, sim. Então, pensei: ‘Beleza, já tenho a linha principal. É um bom começo.’ E tem um trecho da progressão final que nós chegamos a tocar numa passage de som antes de um show na Ásia. Assim que tocamos isso, já imaginei em usar no final de alguma música do álbum seguinte, que foi esse. Então você tem uma ideia central e vai acrescentando detalhes nela. Então, foi uma questão de descobrir o que funcionaria entre esses dois momentos.

Qual o segredo de se fazer um tema como esse e não deixá-lo se tornar repetitivo ou aborrecido? Isso é algo que se aprende com a experiência?

John: Espero que sim... (risos) O segredo é procurar ser objetivo. Eu costumo reunir os caras e perguntar a eles: ‘Isso está funcionando? Essa parte não ficou muito grande? Será que vai chamar a atenção do público?’ A essa altura da nossa carreira, nós podemos fazer essas perguntas abertamente com a certeza de que o julgamento geral será o melhor para a banda.

Jordan: Para nós, escrever uma música como Illumination Theory se tornou muito natural. Porque como compositor é importante desenvolver uma ideia e deixá-la fluir sem limitação. Na verdade, é como escrever uma música menor, pois a ideia vem de um riff e começamos a desenvolver em cima daquele ponto inicial. Mas, logicamente, sabendo que será uma música mais longa, você a deixa crescer. Como John disse, escutamos as partes de uma música como essa muitas vezes e vamos prestando atenção para ver se realmente está ficando bom.

Mas é sempre complicado para qualquer banda ser completamente sincero sobre a música que ela faz.

John: O principal é que ela não pode soar enfadonha. Nós trabalhamos sempre buscando a criatividade, mas temos que saber parar e nos perguntar: ‘Como isso está soando?’ Em outras palavras, isso está sempre no centro de tudo. Nós procuramos avaliar nos colocando na posição de ouvintes. Vemos se aquilo prende a atenção, se está interessante, se não está muito longo, se é preciso fazer alguma mudança... Felizmente, as decisões que tomamos por essa perspectiva têm sido aprovadas pelo público. Pode ser que tenhamos errado em um ou dois pontos, como vamos saber? Mas estamos sempre prontos a mudar de ideia se julgarmos que isso é necessário.

Então, a música primeiro tem que trazer prazer para a banda e então será mais natural os fãs gostarem dela?

Jordan: Nós somos músicos, somos pessoas e temos que criar uma música da qual gostemos. Então, primeiro vem nossa expressão, quem nós somos, e então ficamos na expectativa de os fãs curtirem também e abraçarem nossas músicas. Pensamos nas letras que podem agradar mais aos fãs, na mixagem final, em todos os detalhes. Além disso, tem a relação da banda. John pode me mostrar riffs e perguntar se gostei, e posso dizer que de alguns sim, outros nem tanto, e vamos nos acertando porque nós também somos fãs do Dream Theater.

Ainda nessa linha de raciocínio, como você sabe que acertou na composição de um solo?

John: Acho que isso depende de como ele é construído. Normalmente, isso acontece nos solos que são feitos no improviso. Você se deixa levar pelo ‘feeling’ e o solo acaba funcionando perfeitamente. É algo que acaba não levando muito tempo, mas você sabe que funcionou musicalmente. Você ouve e diz: ‘Por alguma razão que desconheço está soando perfeito!’

E em relação aos solos mais elaborados e intrincados?

John: Em outras circunstâncias, em que os solos são mais complexos, como o de Behind The Veil ou o que está no final de Illumination Theory, o processo é semelhante ao de compor uma música. Eu o construo e faço as mesmas perguntas: está interessante? Deveria mudar algo nele? Musicalmente, ele eleva o tema ao nível que ela deveria estar?

Então, você diria que o solo é tão importante quanto a linha vocal?

John: Sim. Se ele está no final da música, eu me imagino aquele cara no alto da montanha, com o cabelo voando ao vento e criando o clímax dela. Aí, me pergunto: estou conseguindo transmitir isso? Ou ficou chato? Você entende o que estou querendo dizer. Já se o solo é no meio da música e vai levála ao refrão final, minha missão é manter a canção lá no alto, gerar uma expectativa forte no ouvinte e entregá-la para o refrão. Esse é o meu trabalho. E novamente eu me pergunto: será que eu consegui? Às vezes, esse é o tipo de solo que dá mais trabalho. Em algumas oportunidades ele surge de forma mais natural; em outras, é preciso pensar mais nele. Mas eu normalmente resolvo isso de primeira. Nunca acontece de eu chegar no dia seguinte, ouvir o solo e resolver fazer tudo de novo. Costumo resolver na hora.

O final de Illumination Theory tem esse clima que você falou, de um sujeito no alto da montanha com a guitarra mostrando serviço.

John: Sim, é como se fosse a cereja do bolo. Ele vem num crescendo, com bastante delay. Acho que funcionou bem.

Dar ao novo disco o nome de Dream Theater é uma forma de mostrar que esse é o Dream Theater de 2013?

John: É 100% isso. Você sacou. Nós temos uma longa carreira e somos muito afortunados por isso. A cada álbum que fazemos, procuramos inserir algo de novo. E não é fácil agradar aos ouvintes por tanto tempo, até porque é muito confortável para as pessoas dizerem: ‘Ah, eu gosto da fase antiga da banda. Quem liga para o novo disco?’

Jordan: E essa pergunta me remete à mesma situação que comentamos sobre quando entrei na banda. Estamos em um momento de subir para um próximo nível, estamos em um ponto muito importante da nossa carreira. Estamos nos dando muito bem, estamos indo bem em estúdio, todos na banda estão focados em conquistar mais. Com esse álbum, nós sentimos que criamos músicas que realmente representam o que somos como músicos e como banda e como queremos que o Dream Theater dê sequência à sua existência. Então, por estarmos nos sentido muito confortáveis e fortes, quisemos colocar um carimbo, algo como: ‘OK, isso aqui é Dream Theater! Você quer saber como é o som do Dream Theater? Escute esse álbum, isso é o Dream Theater.’

Por que você acha que as músicas do novo disco têm essa força?

Jordan: O estilo do Dream Theater através dos anos tem sido moldado pela influência de diversos gêneros e somos chamados de uma banda de Prog Metal. Mas nesse novo álbum acredito que o estilo que trouxemos é muito mais amplo, uma música mais diversificada e que acrescenta ao que nós queríamos como músicos, também. Nós queríamos um desafio maior. E a consequência disso é que também queremos, dessa maneira, que os fãs nos entendam como Dream Theater, uma banda única.

É complicado fazer os antigos fãs gostarem de música nova...

John: Mas eu ainda acho que os nossos fãs são daqueles que sempre buscam coisas novas e é isso que oferecemos a eles. Nós sempre queremos dar o melhor de nós e queremos avançar e evoluir. Tentamos sempre fazer as coisas de uma forma melhor e nos superar. Nós nunca tivemos um disco que levasse o nome da banda e isso faz com que seja uma coisa boa lançá-lo agora. As pessoas podem se perguntar: ‘Em que ponto a banda está hoje? Como o Dream Theater soa atualmente?’ E um álbum que leve nosso nome é uma boa resposta a essas perguntas.

Vocês são muito bem sucedidos fazendo Prog Metal. Vocês se consideram os criadores do estilo?

John: Às vezes nos pegamos pensando a respeito disso. Antes de mais nada é preciso lembrar que tem muita gente fazendo muita música maravilhosa em todo o mundo, assim como há muitas bandas novas de Prog Metal que são realmente incríveis e lançam excelentes trabalhos. Isso é inspirador. Quando nos reunimos no estúdio adoramos tocar juntos. Temos muita química e um ótimo relacionamento musical. Nós sentimos que temos responsabilidade, com os ouvintes e com a gente mesmo, de fazer o melhor que pudermos. Não aceitamos desculpas, nem má vontade. Tem que haver entrega absoluta! E é disso que nos orgulhamos. Quando pedimos que alguém ouça um a música nossa, queremos que se impressione. É porque para a gente não há outra forma de se fazer as coisas.

Seria o Dream Theater a banda portabandeira do Prog Metal?

Jordan: Acredito que sim! Para algumas bandas mais novas, o Dream Theater tem essa responsabilidade, pois para eles nós fizemos esse estilo ser possível e obter reconhecimento. Tem uma banda chamada Haken, muito boa por sinal, que eles me disseram que nós do Dream Theater mostramos como fazer uma música progressiva e pesada ao mesmo tempo e que pode ser comercial.

Qual seu álbum preferido do Dream Theater sem ser o novo trabalho?

Jordan: É o novo álbum (risos). Não tenho como não falar dele porque está bem claro em minha mente e é um trabalho sensacional. Sempre digo que todos os nossos trabalhos são como nossos filhos. Mas tenho uma ótima relação com os dois primeiros álbuns que gravei com a banda, Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory e Six Degrees Of Inner Turbulence (2002). E o novo álbum, Dream Theater!

O que achou do DVD Live At Luna Park, gravado na Argentina. Saiu da maneira que vocês imaginavam?

Jordan: Perfeito! Fizemos dois shows incríveis que foram muito bem capturados. Estamos contentes por poder mostrar para o mundo como é o Dream Theater na América do Sul.