Dream Theater Reduces Distances

In the world of music, and metal in particular, it is clear that we live in an era going ever faster, where competition is raging between more and more groups, and which requires artists to tour more and more, and therefore spend less and less time in the studio creating records. One can understand how, in such a downward spiral, one can get lost and especially lose sight of the initial reasons which motivated an artist or a band. We therefore need a certain distance, an awareness, in order to refocus on the sense of camaraderie and the very essence of a group, or “a small club of guys or girls”, to use the words of the guitarist. John Petrucci.

Because such was the approach of Dream Theater for its fourteenth album, conceived in the old school way, in group, isolated in the countryside, by eating and drinking shots. A concept at odds with that, meticulous and tedious way of the imposing The Astonishing, which was essentially shared between two members. To tell the truth, Distance Over Time does quite the opposite of its predecessor, operating as a kind of return to its foundations – heavy and catchy progressive metal – bringing together past and present, old and new fans, the members of the band themselves, people and technology... James LaBrie and John Petrucci tell us.

Radio Metal: For the first time, the whole band lived, wrote and recorded together over a four month period in a secluded barn-studio, while you bonded, ate, drank bourbon, and hung out together. James, you said that “being close to each other all the time made it that much deeper”, and John, you said “everyone felt like it was it was time to go back to basics and make an organic album”. Have you felt that over the last few years or even decades you have strayed too far from your roots and perhaps that camaraderie that you had when you were making music in your early years?

James LaBrie (vocals): No, I don't think so. I think there is a meaning behind everything we do from album to album. I think being in a band like Dream Theater is all about experimentation and following what you feel at a given moment. So the way we've recorded a bunch of other albums isn't something that took anything away from the band. I think that's what was needed for that exact moment in time, it matched the way we wanted to approach it. These environments worked perfectly for who and what we were at the time. I think for us the experience and what we went through composing and recording this album had several consequences, one of them is that it clearly brought us together again. I mean we're best friends, we're brothers – well, not John and I...

John Petrucci (guitar): [Laughs] Who is this guy?

James: Who are you? [Chuckles] But yeah, the camaraderie and the energy of each other, throughout the whole process, being close to each other, constantly talking about the music... I mean you can't do anything other than talk about what you're here for. So whether we were having a glass of wine or John was having one of his killer barbecues, no matter what we were doing, it was always about moving forward in this amazing experience and to compose songs that we find best represent who we are at this point. Each album is a reflection of who we want to be and who we are at that particular moment, what inspires us, and it seems to be working really well. But it worked out so well that we already had a conversation where we were like, “Why don't we do this again when the time comes to make another album?” We would be crazy not to consider this option again.

Do you think that by becoming such a professional group with so many expectations from fans, business etc, it's easy to lose sight of what is most important which is to say this link, this proximity, which makes a group a group at the origin?

John: Sure, absolutely, you can clearly get engrossed in all other things. But when you strip that down to get the gist of it, a band is a little club of guys [chuckles], or girls, or a combination of people hanging out and making music together because not only do they like the same thing – music – but also enjoy playing together. The reason groups endure is this chemistry. You're right, we can lose sight of it, and when we do something like we've done, we focus on the process of making music together, and we respect it, we remember how it is. Getting out there, distraction-free, and doing this is great, because you find yourself sitting down, chatting, hanging out, making some music, eating... It really reminds you why you do that.

James: And what John and I said, if you think about it, that's how bands start: they come together, they're in a room, it doesn't matter how many guys are in the band – three, four, five, whatever – that's that initial connection. And you can never lose it. It’s not until you come back to that fundamental approach that you say, “Yeah, this is why it works! Feel this, watch this, listen to this.” The facts speak for themselves, I think. I find that Distance Over Time is once again a tour de force on our part. It's like any iconic album we used to listen to growing up, when you read about them: this is how Pink Floyd made Dark Side Of The Moon. If you watch Rush, if you watch Deep Purple, it was like that. It's like, “Let's go get down somewhere and just be a group.”

Would you say that this process and closeness within the band fundamentally shaped the music and the direction of the album?

John: It sure helped, first because we could talk more about what exactly we wanted to do. There is more communication when we are all together. Everyone could really be involved in the type of album we were going to make, including the details, the length of the album, the number of songs, what to include, etc. There was more communication, that's already one thing. And then the room we were in, and how it sounded, with the amps blaring, and everyone playing, the music bouncing off the wooden walls, it was inspiring, and it really affected the direction of the music, because it produced a little more groovy, a little heavier result.

James: Once again that's the real essence of a rock band, you have to feel that, it's like “oh damn...”, you come back up, you're laying there and you're excited, and you don't. I can't help but be inspired just by the sound, and obviously the groove, the riffs, the ideas. That explains a lot of why the album sounds the way it sounds, and why the songs are what they are.

And have you considered taking the experience even further by recording live?

John: Record live, yeah. All the demos on the album, if you ever get a chance to hear them one day, they're all live. This is how we made them. They are very simple, there were only two microphones on the drums, and all the instruments were live. For example, we were writing a song and barely could we play it when we would say, “It's okay, we've got to demo this, let's go! [Chuckles] All the demos are live, and they actually sound great, they're really cool. You know, sometimes it's hard to let go because you're not perfect, you improvise your solos, there are mistakes, whatever. For a demo, that's fine, but doing that for a real album would take a lot more rehearsals, I think, in order to be able to walk out of the studio like, “Okay, I'm comfortable with that. I can take it out!”

James: Not to mention that you'd have to slip away for a while to go and write the vocals, write the lyrics, then rehearse that, and then come back and get on with it.

John: That said, that would be fun.

James: Indeed.

John: I think this album, in the way it sounds, in the way it's orchestrated, it's very stripped down, it's probably the closest to a live sounding album we've ever recorded in the studio. You can hear the piece in the drums, there is a lot of space. It sounds a bit like we're playing live.

The studio was surrounded by nature, and you made some interesting encounters...

John: Yes indeed! That's right! [Small laughs] We saw a lot of nature...

How much does such an environment help inspiration and creativity?

James: Instead of being surrounded by something like that, what we see now, all these buildings, restaurants, hissing sirens, etc., there is none of that, you are surrounded by forests, fields, deer, bears, and you have large windows... The place is splendid, so it brings a feeling of calm, peace and serenity. It is conducive to concentration. You are not distracted; you don't look around like, “Oh my gosh, did you see the car that just passed? It was awesome!” No, we are there in this room, it is beautiful, it is quiet... Well, not necessarily quiet, not with John in the room! [John laughs] But I think that adds a lot to the whole experience, it's what keeps you focused, it pushes you to move forward at a productive and prolific pace.

The Astonishing was by far your longest album, it was a deeply ambitious and conceptually complicated album, full of arrangements and ballads. Distance Over Time is your shortest album since Images And Words, it has no concept or ambition other than to make a good old Dream Theater album, and it's also pretty clean in terms of orchestrations and very heavy with only one ballad. So it looks like Distance Over Time is the radical opposite of The Astonishing. Was it the state of mind: making an album that would be the direct reaction to The Astonishing?

John: It's more than when you do something like The Astonishing, at the level that you described it... We accomplished it by going as far as we could. So obviously on the next one we weren't gonna do the same thing; it wasn't gonna be a concept album. We were like, “Now it's time to do something completely different”, and the idea of, like you said, doing the opposite, which is having no orchestration, no additional musicians, making it shorter, the songs heavier and more concise, seemed very natural, that's what we wanted to do next. After doing The Astonishing to the level where we did it, it took so much work, it was so complex that I don't think we would have come into the studio saying, “Let's do another three hour concept album.” This is not how our brains work. The creative part in us says, “Ok, we did that, it was fun, let's do something different!” [Small laughs]

In fact, The Astonishing has tended to divide fans. So, after this huge, ambitious and complex album, did you also need to find yourself a little more in your comfort zone?

John: Maybe. In the same way that it reconnected us as a band, maybe in the end it will allow the band to reconnect with our fans, because it's like remembering why we do that and the music that we love to play and enjoy listening to.

James: I think it's very natural. I mean, let's be honest, we took The Astonishing, this whole approach and concept, to the max. We took it as far as humanly possible. I think it's a phenomenal album. But I also think it's natural now, because we've done something so deep, to say, “How about we start writing a heavy album?” Because that's also part of us, and to think that we're going to write great songs, to keep it concise and to the point. As long as the songs mark us and feel powerful to us, let's go back to our rock and do a damn prog metal album with great rock n' roll, so to speak. It was only natural, it was the right thing to do at this point, for sure, after something as fat and awe-inspiring as The Astonishing.

Did you understand the mixed opinions of fans about The Astonishing?

John: Yeah. Absolutely. I mean we anticipated it. We knew there would be a large percentage of our fans who would be really open to that sort of thing, because we kinda like the same things, we're all a bit geeky, we love Star Wars and Game Of Thrones, we're predisposed to appreciate grandiose and dramatic things. At the same time, this is our fourteenth album, and we have a lot of music under our belt, a lot of different sides, and some people who are maybe more into the metal side, the prog metal side, or whatever, we knew that maybe they weren't going to hang, that it wasn't going to be their favorite album, or even that they weren't going to like it at all – it might sound too Broadway for some – but this was something that, from a creative point of view, was very satisfying and necessary. We knew it was going to affect the audience: either you will like it or you will not like it. But you know what? It's like that when you move forward, when you are progressive. We take our chances, we take risks, we do things for the love of art, which is why we have this career, because we are all creatives. It will affect people in a different way each time. I'm sure that as much this album, as you said, is a homecoming and is very Dream Theater, you will have people who will say: “This sucks, blah, blah, blah...” That's what's going to happen, isn't it? So you can't really think about that because otherwise it will influence the art, and then you won't be sincere. You have to go there and take risks.

I don't know if you still have that old tradition of the “inspiration corner” when you make your albums, but I bet Megadeth and Metallica were very present in your minds when you composed a lot of the riffs and leads for “Fall Into The Light” which is the most old school thrash track you've done so far... Am I wrong?

John: Ah yes, it’s very Metallica! You know what? There was no inspiration corner, no reference album, but what is funny... I imagine that this is the link, and it is really for guitar geeks: the Mesa-Boogie amplifier with which Metallica recorded Master Of Puppets is called the Mark IIC+ – it's the holy grail of Boogie amps. And today, years later, I happen to have the first signature Mesa-Boogie amp which is a reissue of that amp, but in a modernized version – and it's my signature amp – and it has this extraordinary... We can't help but play heavy stuff with it! So I was backstage, I think it was during G3, I had my amp, I was adjusting a sound, I had this sound which was great and I spontaneously started playing the riff of “Fall Into The Light”. I was like, “Sounds a little Metallica...” So I turned on my phone and recorded it, and it was a little idea. You're absolutely right, it's almost inspired by a sound, and it totally harkens back to Metallica, that mid-80s metal sound. It doesn't come so much from listening to a bunch of those albums, but more for being inspired by the way it sounded on the guitar. I'll try to find that riff for you! [He looks into his phone]. All right, do you want to listen to that riff? Wait, I think that's the one. [Plays the riff recording on his phone.] That's me backstage playing with my amp. Doesn't that sound downright like Master Of Puppets?! I was like, “Damn, that sounds so good, I have to record it!” When we were in the studio, I was like, “Hey, guys, I got that riff!”, and it became that song.

Distance Over Time is a very balanced album in terms of production and mixing, and what is striking is that you've never heard John Myung's bass so well!

John: Yeah, really John Myung! First, we brought in another recording engineer, and he's a bass player [chuckles]. He really got an awesome bass sound! I think it's also due to the way Ben Grosse mixed the album and the songs are orchestrated; there's more space, so there aren't a lot of rhythm guitars and things. When I play a guitar solo, there's just the bass and the keyboard underneath, so you can really hear what John is playing. I'm really happy with it, it's a great bass sound, it kills!

The title of the album, Distance Over Time, as well as the artwork that links the past to the future of mankind brings the idea of ​​time and possibly a look at our origins from a modern perspective. Do you think it is important, as much for you as a group, as you do a bit on this album, and for humanity as a whole, not to lose sight of your roots and to reconnect with them sometimes?

James: That's the whole idea, when you look at this artwork. I'm sure you can see a reference to Hamlet as well, right? “To be or not to be?” But, at the same time, what that tells us, or at least what it tells me, when I look at this artwork, is that yes, it is a question of the origins of humanity meeting our time, the very technological era that we are living in today. It's very easy for us to lose sight of ourselves, and get absorbed by the surrounding noise, if you think about all the criticism and cynicism that exists in our world, as well as our fascination with distractions – phones, television, social networks... There are so many things today that we are a little overwhelmed. Funny, we did a radio interview, and the host was also talking about artwork, he was like, “I see the world going off the rails, we're losing it!” [Chuckles] The thing is, it could easily be. So how do you maintain a balance between who we are as humans and what technology brings to us? It can improve or enrich our lives, maybe give us a better understanding, but at the same time, it can also divide us and take us away from what really is the essence of humanity. You can easily get lost in this. And would that become the new race? Would robotics become the new race that would wipe us out in the long run? There are so many levels of depth in this subject. And if you read the lyrics in this album, we all talk about who we are and what we are on a daily basis, and the things that influence us, the things that flood us, and how it all shapes what we do. We are and who we are today, individually and collectively, as a society. There are a bunch of transformations taking place all the time, at an accelerated, exponential rate. You can feel lost in it. So, is he holding the skull, and is he going to crush that skull, or is it going to stay in balance?

“Room 137” marks Mike Mangini's very first contribution to lyrics for a Dream Theater song. Does that mean it took him three albums to jump in and feel just as legitimate as any other member, and contribute in a more personal way?

John: He's been in the band for eight years, this is his fourth album, he did two live albums with us, so this is his sixth album with us, and yeah, that was the first time that he [proposed a text]. Part of it was the surroundings and the fact that we were all together. It was very warm, everyone was really welcome to contribute and get involved. Mike was awesome, he brought in a lot of cool ideas. He had his laptop behind his drum kit, and he had prepared drum grooves with riffs that he played on a keyboard with a guitar sound. The riff for “Paralyzed” came from him. I changed it to be a little bit more, say, modal – his version was a little more bluesy – but anyway, it was basically his riff. He was like, “Oh wait, I have a great idea! He looked at his computer and suggested something. So he was incredibly involved, more than ever before. And one of his contributions is that he had this concept for that song, “Room 137,” and one fine day James and I got an email from Mike, “I wrote lyrics for this song. You can use them if you want, I don't know what they’re worth. They’re based on physics and this crazy story.” We were like, “Wow, that's really cool!” It was really great that Mike got his hands on the creative process. I really think it made for a better album.

The last song, “Pale Blue Dot”, is really the song where you let go of the technique and the instrumental side. Do you see this song as the final fireworks display of this album, in the purest tradition of Dream Theater?

John: Yes exactly. Even when we composed it, just by the nature of its sound, the shape it was starting to take, it was very dramatic, it had that ominous introduction, that cosmic, interstellar, Star Wars vibe, we knew we were going to include a crazy instrument passage. We knew, basically, that we were composing the end track of the album, because it was really, like you said, that fireworks display at the end of the work, like the last one, the climax scene in the movie, with this type of game, this style that looks like us and that is so much fun. The main riff comes from a drum beat that Mike found, which is 19/8 or whatever weird time signature...

James: You see, physics! Now you understand why he [turned his head with his text for] “Room 137”. Oh my God...

John: I know! But this comes from a time when we were doing scales for a concert. We record the scales when we have a cool idea, and we remembered that from those scales, and we took it to the studio.

“Pale Blue Dot” is inspired by Carl Sagan and his message to be “kinder to one another and to cherish the” little blue dot “which is the Earth”. With everything going on right now, all over the world, politically or environmentally, do you still have hope?

John: Yes! I really have hope. I mean we could definitely be nicer to each other. Even if we have different opinions on any subject, there is no reason to be disrespectful. Carl Sagan was right when he said that, no matter when it was, in the seventies, or it could have been in the eighties. But damn it, we owe it to ourselves to be a lot nicer. We can disagree, we can have different points of view, we can see the world differently, but that doesn't mean we have to be assholes to each other.

The album begins with “Untethered Angel” which is an empowerment song that encourages us to detach ourselves from “the feeling of fear that prevents us from doing things” because you have seen that “a lot of people, especially among our youth, hesitate to take their life in certain directions because of fear”. Do you think this is the secret to a successful life, and more specifically your success as a band over more than thirty years?

John: This is indeed one of the secrets of success. When you started doing interviews with bands, you maybe got scared for the first one, maybe you went to meet the guys from Slayer. What if you had said, “No, I'm not going to do it. No way,” you never would have, you would never have gone into your profession, you would never have had your career or whatever. We must overcome this fear! There are plenty of reasons, I guess, why young people are afraid today, because we live in such a judgmental age, and people see the reactions in real time with social media and all that exists. So some kids are scared! They are afraid of exposing themselves. “What if I said the wrong thing? What if I did the wrong thing? What if I wore the wrong outfit?” It's like crossing a line, and all of a sudden you come to the wrong side and you get shot down and criticized. How can you not be afraid? If you let that get the better of you, then you'll never take any chances, you'll never do what you feel like doing. You have to let go.

James: Life can be so fearful, it can be so crippling, and there are so many people who never reach their full potential. It happens very easily because of the society we live in today, because even if you overcome that fear, you also know that if you aim for what you think you are rightly qualified for, once you get on the job, with all the competition that takes place, again you will find yourself in a situation that will overtake you. So “Untethered Angel” speaks volumes about what young people are going through. We all have children that are that age now, that are in their twenties, and we see firsthand what they face.

John: It starts even younger! I don't know how it is here in France, but in America, when kids are in high school and thinking about college, they freak out, “What if I'm not accepted?” There's all this pressure on the shoulders of kids who aren't even fourteen, to think about what college they're going to go to and so on.

James: I don't know about you, but I had no idea what I wanted to be... Well, yes, I knew what I wanted to be at fourteen, but if I hadn't known that I wanted to be a musician, or to be in a band, I can imagine, at fourteen, someone asking me: “So what do you want to do? Because we have to start thinking about it now!” “What?! Are you kidding me?”

John: “You have to apply, you have to take all these prep courses and you better be ready...” It's a lot of pressure.

James: While you're still a kid!

John: It's no wonder they're scared.

Finally, the next tour will be “An Evening With” type, during which you will play a bit of the new album, a bit of old songs, but also you will celebrate the twenty years of Scenes From A Memory, by playing the album in its entirety. The album was a huge milestone in your career in so many ways. How has this album shaped or at least impacted the rest of your career?

James: It was a really pivotal moment for Dream Theater. It was the first concept album, the first with Jordan [Rudess] in the band, and I think it took the band to a whole new level, musically. It was adopted by fans all over the world, it was a huge album for us. We were coming out of a tour and album cycle where at some level we were looking again at who we were and what we were, we wanted to be just a band, to be left alone with our own business. What that did come about was the reassurance that we weren't about to stop, that we had so much more to offer. And musically, it was brilliant. At that very moment, I thought it was the second chapter of Dream Theater just starting, because the albums that followed were fantastic. To feed off that success and reassurance from all that we were – who we were – is a truly unique situation, musically.

Interview conducted face to face on December 7, 2018 by Nicolas Gricourt.

Original text

Dream Theater réduit les distances

par Nicolas Gricourt

vendredi, 1 février 2019

Dans le milieu de la musique, et du metal en particulier, il est clair que l’on vit une époque allant toujours plus vite, où la compétition fait rage entre des groupes de plus en plus nombreux, et qui impose aux artistes de tourner de plus en plus, et donc de passer de moins en moins de temps en studio à créer des disques. On peut comprendre comment, dans une telle spirale infernale, on peut en venir à s’y perdre et surtout à perdre de vue les raisons initiales qui ont motivé à être un artiste ou un groupe de musique. Il faut donc un certain recul, une prise de conscience, afin de se recentrer sur le sens de la camaraderie et l’essence même d’un groupe, soit « un petit club de gars ou de filles », pour reprendre les mots du guitariste John Petrucci.

Car telle a été la démarche de Dream Theater pour son quatorzième album, conçu à la vieille école, en groupe, isolé à la campagne, en mangeant et buvant des coups. Une conception aux antipodes de celle, méticuleuse et fastidieuse, de l’imposant The Astonishing, qui s’était essentiellement partagée entre deux membres. A vrai dire, Distance Over Time fait tout l’inverse de son prédécesseur, opérant une sorte de retour à ses fondements, un metal progressif heavy et accrocheur, rapprochant passé et présent, anciens et nouveaux fans, les membres du groupe eux-mêmes, l’humain et la technologie… James LaBrie et John Petrucci nous racontent.

Radio Metal : Pour la première fois, tout le groupe a vécu, écrit et enregistré ensemble sur une période de quatre mois dans une grange-studio isolée, pendant que vous nouiez des liens, mangiez, buviez du bourbon et traîniez ensemble. James, tu as déclaré que « le fait d’être proches les uns des autres pendant tout le temps en a fait une expérience d’autant plus profonde », et John, tu as dit que « tout le monde avait le sentiment que c’était le moment de revenir aux sources et faire un album organique ». Avez-vous eu le sentiment que ces dernières années voire décennies, vous vous soyez trop éloignés de vos racines et peut-être de cette camaraderie que vous aviez quand vous créiez la musique durant vos premières années ?

James LaBrie (chant) : Non, je ne pense pas. Je pense qu’il y a un sens derrière tout ce que nous faisons d’album en album. Je crois qu’être dans un groupe tel que Dream Theater, c’est une question d’expérimentation et de suivre ce que l’on ressent à un instant donné. Donc, la façon dont nous avons enregistré un tas d’autres albums n’est pas quelque chose qui a retiré quoi que ce soit au groupe. Je pense que c’est ce qu’il fallait pour ce moment précis dans le temps, ça correspondait à la façon dont nous voulions aborder ça. Ces environnements fonctionnaient parfaitement pour qui et ce que nous étions à l’époque. Je crois que pour nous, l’expérience et ce que nous avons vécu en composant et enregistrant cet album, ça a eu plusieurs conséquences, l’une d’elles est que ça nous a clairement rapprochés de nouveau les uns des autres. Je veux dire que nous sommes les meilleurs amis, nous sommes frangins – enfin, pas John et moi…

John Petrucci (guitare) : [Rires] C’est qui ce gars ?

James : T’es qui toi ? [Petits rires] Mais oui, la camaraderie et l’énergie des uns et des autres, pendant tout le processus, le fait d’être proches les uns des autres, de constamment parler de la musique… Je veux dire que tu ne peux pas faire autrement que parler de ce pour quoi tu es là. Donc, que nous ayons été en train de boire un verre de vin ou que John ait été en train de faire un de ses barbecues de tueur, peu importe ce que nous faisions, il s’agissait toujours d’avancer dans cette extraordinaire expérience et de composer des chansons que nous trouvions représenter le mieux ce que nous sommes à ce stade. Chaque album est un reflet de ce que nous voulons être et de qui nous sommes à ce moment particulier, de ce qui nous inspire, et ça semble très bien marcher. Mais ceci a tellement bien marché que nous avons déjà eu une conversation où nous nous sommes dit : « Pourquoi on ne referait pas ça quand viendra le moment de faire un autre album ? » Nous serions fous de ne pas considérer cette option à nouveau.

Pensez-vous qu’en devenant un tel groupe professionnel avec tant d’attentes de la part des fans, du business, etc., c’est facile de perdre de vue ce qui est le plus important, c’est-à-dire ce lien, cette proximité, qui fait qu’un groupe est un groupe à l’origine ?

John : Bien sûr, absolument, on peut clairement être absorbé dans toutes les autres choses. Mais quand on épure ça pour en retirer l’essentiel, un groupe est un petit club de gars [petits rires], ou de filles, ou une combinaison de gens qui traînent et font de la musique ensemble parce que non seulement ils aiment la même musique mais apprécient également de jouer ensemble. La raison pour laquelle les groupes perdurent, c’est cette alchimie. Tu as raison, on peut le perdre de vue, et quand on fait quelque chose comme nous l’avons fait, on met l’accent sur le processus qui consiste à faire de la musique ensemble, et on le respecte, on se remémore comment c’est. Le fait de se rendre quelque part, sans distraction, et de faire ceci, c’est génial, car tu te retrouves à te poser, discuter, traîner, faire un peu de musique, manger… Ça te rappelle vraiment pourquoi tu fais ça.

James : Et ce que John et moi avons dit, si tu y réfléchis, c’est comme ça que les groupes débutent : ils se rassemblent, ils sont dans une pièce, peu importe combien de gars il y a dans le groupe – trois, quatre, cinq, peu importe –, il s’agit de cette connexion initiale. Et on ne peut jamais la perdre. Ce n’est pas avant de revenir à cette approche fondamentale que tu dis : « Ouais, voilà pourquoi ça fonctionne ! Ressens ça, regarde ça, écoute ça. » Les faits parlent d’eux-mêmes, je pense. Je trouve que Distance Over Time est à nouveau un tour de force de notre part. C’est comme n’importe quel album emblématique que nous écoutions en grandissant, quand tu lis à leur sujet : c’est ainsi que Pink Floyd a fait Dark Side Of The Moon. Si tu regardes Rush, si tu regardes Deep Purple, c’était comme ça. C’est genre : « Allons nous retirer quelque part et soyons juste un groupe. »

Diriez-vous que ce processus et cette proximité au sein du groupe ont fondamentalement façonné la musique et la direction de l’album ?

John : Il est certain que ça a aidé, d’abord parce que nous pouvions davantage parler de ce que nous voulions exactement faire. Il y a plus de communication quand on est tous ensemble. Tout le monde pouvait vraiment s’impliquer dans le type d’album que nous allions faire, y compris dans les détails, dans la durée de l’album, dans le nombre de chansons, quoi inclure, etc. Il y avait une plus grande communication, voilà déjà une chose. Et puis la pièce où nous étions, et comment elle sonnait, avec les amplis à fond, et tout le monde qui jouait, la musique qui rebondissait sur les murs en bois, c’était inspirant, et ça a beaucoup influé sur la direction de la musique, car ça a produit un résultat un petit peu plus groovy, un peu plus heavy.

James : C’est encore une fois la véritable essence d’un groupe de rock, il faut ressentir ça, c’est genre « oh, bordel… », tu es remonté, tu es posé là et tu es excité, et tu ne peux pas faire autrement qu’être inspiré rien que par le son, et évidemment le groove, les riffs, les idées. Ça explique en très grande partie pourquoi l’album sonne comme il sonne, et pourquoi les chansons sont ce qu’elles sont.

Et avez-vous songé à emmener l’expérience plus loin encore en enregistrant live ?

John : Enregistrer live, ouais. Toutes les démos de l’album, si jamais tu as l’occasion de les entendre un jour, elles sont toutes live. C’est comme ça que nous les avons faites. Elles sont très simples, il n’y avait que deux microphones sur la batterie, et tous les instruments étaient en direct. Par exemple, nous composions une chanson et à peine nous pouvions la jouer que nous disions : « C’est bon, il faut faire une démo de ça, on y va ! » [Petits rires] Toutes les démos sont live, et en fait, elles sonnent très bien, elles sont très sympas. Tu sais, parfois c’est dur de lâcher prise, car tu n’es pas parfait, tu improvises tes solos, il y a des erreurs, peu importe. Pour une démo, ça convient, mais faire ça pour un véritable album nécessiterait bien plus de répétitions, je pense, afin de pouvoir sortir du studio en se disant : « D’accord, je suis à l’aise avec ça. Je peux le sortir ! »

James : Sans compter qu’il faudrait s’éclipser pendant un moment pour aller écrire les mélodies de chant, écrire les textes, ensuite répéter ça, et ensuite revenir et s’y mettre.

John : Ceci dit, ça serait marrant.

James : En effet.

John : Je pense que cet album, dans la façon dont il sonne, dans la façon dont il est orchestré, c’est très dépouillé, c’est probablement le plus proche d’un album sonnant live que nous ayons jamais enregistré en studio. On peut entendre la pièce dans la batterie, il y a beaucoup d’espace. Ça sonne un peu comme nous jouons en live.

Le studio était entouré de nature, et vous avez d’ailleurs fait quelques rencontres intéressantes…

Oui, en effet ! C’est exact ! [Petits rires] Nous avons vu beaucoup de nature…

A quel point un tel environnement aide l’inspiration et la créativité ?

James : Au lieu d’être entouré de quelque chose comme ça, ce qu’on voit actuellement, tous ces immeubles, restaurants, les sirènes qui sifflent, etc., il n’y a rien de tout ça, tu es entouré de forêts, de champs, de biches, d’ours, et tu as de grandes fenêtres… Le lieu est splendide, ça amène donc une sensation de calme, de paix et de sérénité. C’est propice à la concentration. Tu n’es pas distrait ; tu ne regardes pas autour de toi, genre : « Oh bon sang, t’as vu la voiture qui vient de passer ? Elle était géniale ! » Non, on est là dans cette pièce, elle est belle, elle est tranquille… Enfin, pas forcément tranquille, pas avec John dans la pièce ! [John se met à rire] Mais je pense que ça apporte beaucoup à toute l’expérience, c’est ce qui permet de rester concentré, ça te pousse à avancer à un rythme productif et prolifique.

The Astonishing était de loin votre album le plus long, c’était un album profondément ambitieux et compliqué conceptuellement, avec plein d’arrangements et de ballades. Distance Over Time est votre album le plus court depuis Images And Words, il n’a pas de concept ou d’ambition autre que de faire un bon vieil album de Dream Theater, et c’est aussi assez épuré en termes d’orchestrations et très heavy avec une seule ballade. On dirait donc que Distance Over Time est le radical opposé de The Astonishing. Etait-ce l’état d’esprit : réaliser un album qui serait la contre-réaction directe à The Astonishing ?

John : C’est plus que quand tu fais quelque chose tel que The Astonishing, au niveau que tu l’as décrit… Nous l’avons accompli en allant aussi loin que nous pouvions. Alors évidemment, sur le suivant, nous n’allions pas faire la même chose, ça n’allait pas être un album conceptuel. Nous nous disions : « Maintenant, il est temps de faire quelque chose de complètement différent », et l’idée de, comme tu l’as dit, faire l’opposé, c’est-à-dire n’avoir aucune orchestration, aucun musicien additionnel, faire que ça soit plus court, que les chansons soient plus heavy et plus concises, semblait très naturelle, c’est ce que nous voulions faire ensuite. Après avoir fait The Astonishing au niveau où nous l’avons fait, ça a requis tellement de travail, c’était tellement complexe que je ne crois pas que nous serions entrés en studio en disant : « Faisons un autre album conceptuel de trois heures. » Ce n’est pas ainsi que nos cerveaux fonctionnent. La part créative en nous dit : « Ok, on a fait ça, c’était amusant, faisons quelque chose de différent ! » [Petits rires]

En fait, The Astonishing a eu tendance à diviser les fans. Du coup, après cet énorme album, ambitieux et complexe, aviez-vous aussi besoin de vous retrouver un peu plus dans votre zone de confort ?

Peut-être. De la même façon que ça a renoué des liens entre nous en tant que groupe, peut-être qu’au final il permettra au groupe de renouer des liens avec nos fans, car ça revient à se souvenir pourquoi nous faisons ça et de la musique que nous adorions jouer et apprécions écouter.

James : Je pense que c’est très naturel. Je veux dire, soyons honnêtes, nous avons poussé la démarche de The Astonishing, toute cette approche et ce concept, au maximum. Nous l’avons emmené aussi loin que nous le pouvions humainement. Je trouve que c’est un album phénoménal. Mais je pense également qu’il est maintenant naturel, parce que nous avons fait quelque chose d’aussi profond, de dire : « Et si on se mettait à écrire un album heavy ? » Car ça fait aussi partie de nous, et de se dire que nous allons écrire de super chansons, rester concis et directs. Tant que les chansons nous marquent et nous paraissent puissantes, revenons à notre rock et faisons un satané album de metal prog avec du super rock n’ roll, pour ainsi dire. C’était tout à fait naturel, c’était ce qu’il fallait faire à ce stade, c’est certain, après quelque chose d’aussi mastoc et grandiose que The Astonishing.

Avez-vous d’ailleurs compris les avis partagés des fans à l’égard de The Astonishing ?

John : Oui. Absolument. Je veux dire que nous l’avons anticipé. Nous savions qu’il y aurait un large pourcentage de nos fans qui seraient vraiment ouverts à ce genre de chose, car nous aimons un peu les mêmes choses, nous sommes tous un peu geeks, nous adorons Star Wars et Game Of Thrones, nous sommes prédisposés à apprécier des choses grandioses et dramatiques. A la fois, ceci est notre quatorzième album, et nous avons beaucoup de musique à notre actif, plein de facettes différentes, et certaines personnes qui sont peut-être plus dans le côté metal, le côté prog metal, ou peu importe, nous savions que peut-être elles n’allaient pas accrocher, que ça n’allait pas être leur album préféré ou même qu’elles n’allaient pas du tout l’aimer – il se peut que ça fasse trop Broadway pour certains –, mais c’était quelque chose qui, d’un point de vue créatif, était très satisfaisant et nécessaire. Nous savions que ça allait marquer le public : soit tu vas aimer, soit tu ne vas pas aimer. Mais tu sais quoi ? C’est comme ça quand on avance, quand on est progressif. On tente notre chance, on prend des risques, on fait des choses pour l’amour de l’art, qui est la raison pour laquelle on fait cette carrière, parce que nous sommes tous des créatifs. Ça marquera les gens de façon différente à chaque fois. Je suis certain qu’autant cet album, comme tu l’as dit, est un retour aux sources et est très Dream Theater, autant tu auras des gens qui diront : « C’est nul, bla, bla, bla… » C’est ce qu’il va se passer, n’est-ce pas ? Donc on ne peut pas vraiment penser à ça parce qu’autrement, ça influencera l’art, et alors tu ne seras pas sincère. Tu dois y aller et prendre des risques.

Je ne sais pas si vous avez toujours cette vieille tradition du « coin inspiration » quand vous créez vos album, mais je parie que Megadeth et Metallica étaient très présents dans vos esprits quand vous avez composé une bonne partie des riffs et leads de « Fall Into The Light », qui est le morceau le plus thrash old school que vous ayez fait jusqu’à présent… Ai-je tort ?

Ah oui, c’est très Metallica ! Tu sais quoi ? Il n’y avait pas de coin inspiration, pas d’album de référence, mais ce qui est marrant… J’imagine que voilà le lien, et c’est vraiment pour les geeks de guitare : l’ampli Mesa-Boogie avec lequel Metallica a enregistré Master Of Puppets s’appelle le Mark IIC+, c’est le Saint-Graal des amplis Boogie. Et aujourd’hui, des années plus tard, il se trouve que j’ai le premier ampli Mesa-Boogie signature qui est une réédition de cet ampli, mais en version modernisée – et c’est mon ampli signature – et il a cet extraordinaire… On ne peut faire autrement que de jouer des trucs heavy avec ! J’étais donc backstage, je crois que c’était durant le G3, j’avais mon ampli, j’étais en train de régler un son, j’avais ce son qui était génial et j’ai spontanément commencé à jouer le riff de « Fall Into The Light ». J’étais là : « Ça sonne un peu à la Metallica… » J’ai alors allumé mon téléphone et je l’ai enregistré, et c’était une petite idée. Tu as absolument raison, c’est quasiment inspiré par un son, et ça renvoie totalement à Metallica, à ce son metal du milieu des années 80. Ça ne vient pas tant du fait d’avoir écouté un tas de ces albums, mais plus d’avoir été inspiré par la façon dont ça sonnait à la guitare. Je vais essayer de te retrouver ce riff ! [Il regarde dans son téléphone]. D’accord, ça te dit t’écouter ce riff ? Attends, je crois que c’est celui-là. [Il joue l’enregistrement du riff sur son téléphone.] Ça, c’est moi en backstage en train de jouer avec mon ampli. Ça ne sonne pas carrément comme Master Of Puppets ?! J’étais là : « Bon sang, ça sonne trop bien, il faut que je l’enregistre ! » Quand nous étions en studio, j’étais là : « Hey, les gars, j’ai ce riff ! », et c’est devenu cette chanson.

Distance Over Time est un album très équilibré en termes de production et de mixage, et ce qui est frappant est qu’on n’a jamais aussi bien entendu la basse de John Myung !

Ouais, à fond John Myung ! Tout d’abord, nous avons fait appel à un autre ingénieur d’enregistrement, et c’est un bassiste [petits rires]. Il a vraiment obtenu un son de basse génial ! Je crois que c’est aussi dû à la façon dont Ben Grosse a mixé l’album et dont les chansons sont orchestrées : il y a plus d’espace, donc il n’y a pas énormément de guitares rythmiques et autres. Quand je joue un solo de guitare, il n’y a que la basse et le clavier en dessous, et donc on peut vraiment entendre ce que John joue. J’en suis vraiment très content, c’est un super son de basse, il tue !

Le titre de l’album, Distance Over Time, ainsi que l’illustration qui relie le passé au futur de l’humanité amènent l’idée du temps et vraisemblablement d’un regard sur nos origines sous une perspective moderne. Pensez-vous qu’il soit important, autant pour vous en tant que groupe, comme vous le faites un peu sur cet album, que pour l’humanité de façon globale, de ne pas perdre de vue ses racines et de se reconnecter à elles de temps en temps ?

James : C’est toute l’idée, quand tu regardes cette illustration. Je suis sûr qu’on peut aussi y voir une référence à Hamlet, n’est-ce pas ? « Être ou de pas être ? » Mais, à la fois, ce que ça nous dit, ou en tout cas ce que ça me dit, quand je regarde cette illustration, c’est que oui, il s’agit des origines de l’humanité rencontrant notre époque, l’ère très technologique que nous vivons aujourd’hui. C’est très facile pour nous de nous perdre de vue, et nous laisser absorber par le bruit ambiant, si tu penses à toutes les critiques et le cynisme qui existent dans notre monde, ainsi que par notre fascination pour les distractions – les téléphones, la télévision, les réseaux sociaux… Il y a tellement de choses aujourd’hui qu’on est un petit peu dépassés. C’est marrant, nous avons fait une interview radio, et l’animateur parlait également de l’illustration, il disait : « Je vois le monde dérailler, on est en train de perdre la boule ! » [Petits rires] Le truc est que ça pourrait facilement être le cas. Donc comment maintient-on un équilibre entre qui nous sommes en tant qu’êtres humains et ce que la technologie nous apporte ? Elle peut améliorer ou enrichir nos vies, peut-être nous apporter une meilleure compréhension, mais à la fois, elle peut aussi nous diviser et nous éloigner de ce qu’est réellement l’essence de l’humanité. On peut facilement se perdre là-dedans. Et est-ce que ça deviendrait la nouvelle race ? Est-ce la robotique deviendrait la nouvelle race qui nous effacerait à terme ? Il y a tellement de niveaux de profondeur dans ce sujet. Et si tu lis les textes dans cet album, nous parlons tous de qui nous sommes et de ce que nous sommes au quotidien, et des choses qui nous influencent, des choses qui nous inondent, et de la façon dont tout ceci façonne ce que nous sommes et qui nous sommes aujourd’hui, individuellement et collectivement, en tant que société. Il y a un tas de transformations qui ont lieu en permanence, à un rythme accéléré, exponentiel. On peut se sentir perdu là-dedans. Donc, est-il en train de tenir le crâne, et va-t-il broyer ce crâne, ou bien est-ce que ça va rester en équilibre ?

« Room 137 » marque la toute première contribution de Mike Mangini à des paroles pour une chanson de Dream Theater. Est-ce que ça signifie qu’il lui a fallu trois albums pour se jeter à l’eau et se sentir tout aussi légitime que n’importe quel autre membre, et ainsi contribuer de façon plus personnelle ?

John : Ça fait huit ans qu’il est dans le groupe, c’est son quatrième album, il a fait deux albums live avec nous, donc c’est son sixième album avec nous, et ouais, c’était la première fois qu’il [proposait un texte]. C’était dû en partie à l’environnement et au fait que nous étions tous ensemble. C’était très chaleureux, tout le monde était vraiment le bienvenu pour contribuer et s’impliquer. Mike était génial, il a apporté plein d’idées sympas. Il avait son ordinateur portable derrière son kit de batterie, et il avait préparé des grooves de batterie avec des riffs qu’il a joués sur un clavier avec un son de guitare. Le riff de « Paralyzed » est venu de lui. Je l’ai changé pour qu’il soit un petit peu plus, disons, modal – sa version était un peu plus blues – mais bref, c’était grosso modo son riff. Il était là : « Oh, attends, j’ai une super idée ! » Il regardait sur son ordinateur et proposait quelque chose. Il était donc incroyablement impliqué, plus que jamais auparavant. Et une de ses contributions est qu’il avait ce concept pour cette chanson, « Room 137 », et un beau jour, James et moi avons reçu un e-mail de Mike : « J’ai écrit un texte pour cette chanson. Vous pouvez vous en servir si vous voulez, je ne sais pas ce qu’il vaut. C’est basé sur la physique et cette histoire de dingue. » Nous étions là : « Wow, c’est vraiment cool ! » C’était vraiment super que Mike mette les mains dans le processus créatif. Je trouve vraiment que ça a permis d’obtenir un meilleur album.

La dernière chanson, « Pale Blue Dot », est vraiment la chanson où vous vous lâchez sur la technique et le côté instrumental. Voyez-vous cette chanson comme le feu d’artifice final de cet album, dans la plus pure tradition de Dream Theater ?

Oui, exactement. Même quand nous l’avons composée, rien que par la nature de son son, la forme qu’elle commençait à prendre, c’était très dramatique, elle avait cette introduction menaçante, cette atmosphère cosmique, interstellaire, à la Star Wars, nous savions que nous allions l’emmener vers un passage instrument de dingue. Nous savions, en gros, que nous étions en train de composer le morceau de fin de l’album, car ça faisait vraiment, comme tu l’as dit, ce feu d’artifice à la fin de l’œuvre, comme la dernière scène culminante du film, avec ce type de jeu, ce style qui nous ressemble et qui est tellement amusant. Le riff principal vient d’un rythme de batterie que Mike a trouvé, qui est en 19/8 ou je ne sais quelle signature rythmique étrange…

James : Tu vois, de la physique ! Maintenant tu comprends pourquoi il nous [a retourné la tête avec son texte pour] « Room 137 ». Oh mon Dieu…

John : Je sais ! Mais là, ça vient d’un moment où nous faisions des balances pour un concert. Nous enregistrons les balances quand nous avons une idée sympa, et nous nous sommes souvenus de ça lors de ces balances, et nous l’avons emmené en studio.

« Pale Blue Dot » est inspiré de Carl Sagan et de son message d’être « plus aimables les uns envers les autres et de chérir le “petit point bleu” qui est la Terre ». Avec tout ce qui se passe actuellement, partout dans le monde, politiquement ou écologiquement, avez-vous encore de l’espoir ?

Oui ! J’ai vraiment de l’espoir. Je veux dire qu’on pourrait assurément être plus sympas les uns envers les autres. Même si on a des opinions différentes sur quelque sujet que ce soit, il n’y a aucune raison pour être irrespectueux. Carl Sagan avait raison quand il a dit ça, peu importe quand c’était, dans les années soixante-dix, ou ça pourrait bien avoir été dans les années quatre-vingt. Mais bon sang, on se doit à nous-mêmes d’être bien plus sympas. On peut être en désaccord, on peut avoir des points de vue différents, on peut voir le monde différemment, mais ça ne signifie pas qu’on doit être des connards les uns envers les autres.

L’album commence avec « Untethered Angel » qui est une chanson de responsabilisation qui incite à se détacher « du sentiment de peur qui nous empêche de faire des choses » car vous avez vu que « plein de gens, surtout parmi notre jeunesse, hésitent à emmener leur vie dans certaines directions à cause de la peur ». Pensez-vous qu’il s’agit là du secret d’une vie réussie, et plus spécifiquement de votre succès en tant que groupe sur plus de trente ans ?

C’est effectivement un des secrets du succès. Quand tu as commencé à faire des interviews avec des groupes, tu as peut-être eu peur pour la première, peut-être es-tu allé rencontrer les gars de Slayer. Et si tu avais dit : « Non, je ne vais pas le faire. Pas moyen », tu ne l’aurais jamais fait, tu ne serais jamais rentré dans ta profession, tu n’aurais jamais eu ta carrière ou je ne sais quoi. Il faut surmonter cette peur ! Il y a plein de raisons, j’imagine, pour lesquelles les jeunes ont peur aujourd’hui, parce qu’on vit une époque tellement encline au jugement, et les gens voient les réactions en temps réel avec les réseaux sociaux et tout ce qui existe. Donc, certains gamins ont peur ! Ils ont peur de s’exposer. « Et si je disais la mauvaise chose ? Et si je faisais la mauvaise chose ? Et si je portais la mauvaise tenue ? » C’est comme si tu franchissais une ligne, et soudainement, tu passes du mauvais côté et on te descend en flèche et on te critique. Comment ne pas avoir peur ? Si tu laisses ça avoir raison de toi, alors tu ne prendras jamais de risques, tu ne feras jamais ce que tu as envie de faire. Il faut lâcher prise.

James : La vie peut être tellement dirigée par la peur, elle peut être tellement paralysante, et il existe tellement de gens qui n’atteignent jamais leur plein potentiel. Ça arrive très facilement à cause de la société dans laquelle on vit aujourd’hui, car même si tu dépasses cette peur, tu sais aussi que si tu vises ce pour quoi tu penses être à juste titre qualifié, une fois que tu monteras sur le ring, avec toute la compétition qui a lieu, là encore tu te retrouveras dans une situation qui te dépassera. Donc « Untethered Angel » est très parlante par rapport à ce que vivent les jeunes. Nous avons tous des enfants qui ont cet âge aujourd’hui, qui ont la vingtaine, et nous sommes directement témoins de ce qu’ils doivent affronter.

John : Ça commence même plus jeune ! Je ne sais pas comment ça se passe ici en France, mais en Amérique, quand les gamins sont au lycée et songent à l’université, ils flippent : « Et si je ne suis pas accepté ? » Il y a toute cette pression sur les épaules des gosses qui n’ont même pas quatorze ans, pour penser à quelle Université ils vont aller, etc.

James : Je ne sais pas pour toi, mais je n’avais pas la moindre idée de ce que je voulais être… Enfin, si, je savais ce que je voulais être à quatorze ans, mais si je n’avais pas su que je voulais être un musicien, ou être dans un groupe, je peux imaginer, à quatorze ans, qu’on me demande : « Du coup, qu’est-ce que tu as envie de faire ? Parce qu’il faut commencer à y réfléchir maintenant ! » « Quoi ?! Tu te fous de moi ? »

John : « Tu dois candidater, tu dois prendre tous ces cours préparatoires et tu as intérêt à être prêt… » C’est beaucoup de pression.

James : Alors que t’es encore un gosse !

John : Ce n’est pas étonnant qu’ils aient peur.

Pour finir, la prochaine tournée sera du type « An Evening With », pendant laquelle vous jouerez un peu du nouvel album, un peu d’anciennes chansons, mais aussi vous célébrerez les vingt ans de Scenes From A Memory, en jouant l’album en intégralité. L’album était une énorme étape dans votre carrière à bien des égards. Comment cet album a-t-il façonné ou au moins impacté le reste de votre carrière ?

James : C’était un moment vraiment charnière pour Dream Theater. C’était le premier album conceptuel, le premier avec Jordan [Rudess] dans le groupe, et je pense qu’il a amené le groupe à un tout autre niveau, musicalement. Il a été adopté par les fans dans le monde entier, c’était un énorme album pour nous. Nous sortions d’une tournée et d’un cycle d’album où, à un certain niveau, nous cherchions de nouveau qui nous étions et ce que nous étions, nous voulions être juste un groupe, qu’on nous laisse tranquilles avec nos propres affaires. Ce que ça a engendré, c’est l’assurance que nous n’étions pas près de nous arrêter, que nous avions tellement plus à offrir. Et musicalement, c’était brillant. A ce moment précis, j’ai pensé que c’était le second chapitre de Dream Theater qui commençait tout juste, car les albums qui ont suivi étaient fantastiques. Le fait de se nourrir de ce succès et de cette réassurance auprès de tous que nous étions qui nous étions est une situation vraiment unique, musicalement.

Interview réalisée en face à face le 7 décembre 2018 par Nicolas Gricourt. Transcription : Julien Morel. Traduction : Nicolas Gricourt.