[Interview] John Petrucci and James LaBrie

To promote their new album “Distance over Time”, John Petrucci and James LaBrie did a small media tour in Europe in early December. They were passing through Paris and Your Majesty was able to interview them thanks to Valérie from jmtconsulting. So a big thank you to her as well as to John and James for being available despite the fatigue. You can find the video at the end of the interview. Since the two main lyricists of the album were present, the interview mainly focused on the composition of the texts within Dream Theater but not only...

For that first question, we wanted to know what is the origin of the name Distance Over Time. Of course, there’s a nod to the initials of Dream Theater, but is there a connection with the lyrics or the theme of the album?

John Petrucci: Not, but I’m going to try to find a picture for you. If I can explain it. The quickest answer is that it stemmed from a joke, cause it was just a formula...

Yeah, yeah – it’s velocity.

JP: Yeah, velocity. The album was called ‘Velocity’ for a little bit. We were all sold on that, and it didn’t sound as poetic as some other of our titles. And so we liked Distance Over Time. I can’t find the image, continue without me...

Concerning the artwork, how did you choose the cover? Did you have a specific ideas in mind?

James: Our art director is Hugh Syme. We leave it to him to come up with the direction – with the imagery. He’s given what the title of the album is going to be. Hugh’s been doing this for so long – he’s incredible. He’s done several Dream Theater covers, so he has an understanding of what the band’s all about, the fact that lyrics are important to us. He just came back to us with a few ideas. This one actually was his contingency plan, wasn’t it?

JP: Yeah, it was.

JL: Right?

JP: He had this one in his back pocket.

JL: He didn’t show this one immediately.

It happens that in front of me, I have the two main lyricists of the group since James, you wrote 3 tracks and John composed 3...?

JL: Well he wrote four on his own and then he co-wrote with John Myung one or two.

John Petrucci: Sorry, I can’t find the image in question. To get back to the title, it was really a lame joke about the name I gave to one of my guitar sounds: it was “d” over “t” equals four times twelve times... in short, a super long thing. But the formula “d over t” was obvious and it was very poetic. Hugh Syme decided to illustrate this with a robotic hand and a skull. But it started with something much less serious than that.

James LaBrie: (laughs) Less serious yeah...

John Petrucci: Not at all, but sometimes that’s how you come up with ideas. Anyway, sorry for the interruption, I really thought I could find the image...

So let’s go back to the lyrics: how do you write the lyrics? Something that goes through your mind, a serious subject you want to talk about or you just listen to the song and you say to yourself: what if I talk about that?

JL: It has a little bit to do with it – the sound of the song, the mood that it conjures. It conjures up these imageries, to me, anyways. Then I think you can base that off something, like you go, “Oh I know...” For myself, I write down on my phone titles that I think would be cool or subject matter that would be cool to write about. So that’s where I get it from. And then I go, “This would be appropriate for that, because this is how the song moves me.” Obviously, the lyrical aspects can come from socially what’s going on on our planet, movies I’ve watched, relationships, literature, and just observation in general is very inspiring.”

And what about you, John?

JP: It’s really important that the subject matter mesh well with the feeling of the song. A good example on this record for me is ‘Pale Blue Dot’. When we wrote that song, the whole intro, it almost sounds like a planetarium intro. Then it gets a little Star Wars-ish, very Interstellar, very kinda like – I don’t know – it just sounds like outer space, whatever that is. When I kinda latched onto the idea of writing it about Carl Sagan’s philosophies and the Voyager mission and all that, it was like, “Wow, that’s, like, the perfect topic, because it really will fit well with the mood to that song.” So that’s a big part of lyric writing: figuring out what the subject matter is going to be, and making sure that it meshes with the mood of the song. Once you pass that step, then you can begin your process. The process could be research, it could be collecting thoughts, it could be sitting there... for hours. That’s the beginning.

There’s this title “S2N” which is really difficult to understand. I tried to Google it, but...

JP: You’re not going to find anything. S2N is just an abbreviation or an acronym for “signal-to-noise”. Signal-to-noise is in the chorus. It’s a very sort of spiritual John Myung observation. The signal represents yourself and your clarity and how you resonate in a way that is pure, and the noise represents all of the negativity in the world – all the constant bombarding of bad news and negative headlines and famine and drug epidemics and earthquakes and hurricanes and all the distractions with everything on this table: cameras and cell phones and news. So that represents the noise. The whole idea in the audio world is you want the signal-to-noise ratio to be such that the noise is really low and that the sound is really clear. He used that as a spiritual metaphor to push the noise down, so you can find your resonance.

Do you think your mentality has changed when it comes to lyrics? When you were younger, the lyrics dealt more with fantastic themes, whereas now you’re writing about serious things: our planet, abused women... Is it because you’re more mature?

JL: Well that’s what I was just going to say. I think it has a lot to do with [how] you mature. You become a little more wise, you become a little more immediately receptive to what’s going on around you, and you reflect on it. I think the older you get, the clearer understanding you have of the ways and the works of this planet, but at the same time, you have more questions, too. It’s a little bit of a paradox. Definitely, I think you’re able to pull from subject matter that you feel more people are going to be able to relate to. You’ve gotta have the fun lyrics, too, right? You can’t always be serious. I think you also have to show a lighter side of yourself, because I think that can become boring if you’re very solemn, very sobering in everything you have to say. My favorite lyricist in the world is Jon Foreman. So is John [referring to John Petrucci] – John’s a great lyricist. But Jon is from Switchfoot and he’s phenomenal; but he can touch upon anything. He can touch on light-hearted things; he can be very serious, very deep, very profound. But it’s the way that he puts his words, and this comes from experience. He’s somewhat very religious, but it’s not what he is – he’s not black and white in that sense. The more interesting lyrics come from is the more introspective we can be with ourselves, and how does it ring true, everything that goes on around us. So you’re going into a more mature aspect of what it means to you, and you put it in those connotations. You have that represent you.

When I listened to the album, I had the feeling that it was “Anti Astonishing” since it is a very guitar oriented album with heavier riffs. When you entered the studio, did you plan to do the opposite of what you did with The Astonishing?

JP: I like that you said “you had the feeling”, because that means what we did actually hit you in such a way where it was infectious. This whole album is about the feeling of the music, because we were in a setup in a room and in an environment where there were no distractions, and it was such a beautiful environment and so peaceful. But at the same time, the feeling in this room that we were in – this barn that was beautiful – was this loud, primal, organic, aggressive thing of five guys in a room playing. That feeling is really evident in the songs, and it was also a very collective process. Many things about this record – if you compare it to The Astonishing – are completely different. It’s way shorter, it’s the band as a collective being creative together as songwriters, as lyricists. It’s heavier, it’s edgier, it’s groovier, more solos and playing and stuff like that; it’s not a concept album. It’s actually under-orchestrated; there are less rhythm guitars and things, and there’s no extra musicians, there’s no electronic sounds and everything that was going on with The Astonishing to tell that story. So in many ways, it’s so different from that record, and it’s important for us as creative people to constantly change up what we do. It makes it way more interesting for us, and I think for our listeners as well, and way more fun.

While we’re talking about the creative process, you said that all the demos were played live, so do you think you’ll ever release those demos?

JP: (laughs) Oh my God, no nothing is planned. But it’s funny because when you compose that way, you really do it live, which means you don’t know where you’re going. We just press the record button and play. But we record it just for us, it’s interspersed with blahs, bullshit or improvised solos. We don’t care because we figure no one is going to hear it. So the fact that you want to release these demos requires a certain amount of letting go: “Here we go! We’ll give you everything, even the horrible stuff". I know it must be very interesting for the fans...

James LaBrie: Surely for the most die-hard fans.

John Petrucci: But to be honest, it’s not going to happen.

Ok so I can skip the question about the Official Bootlegs right away

John Petrucci: That’s right... Actually demos are like eating too much cake batter. It can make you sick.

Yeah but the cookie dough is so good...

John Petrucci: (laughs) Yeah, but it’s better to eat the finished product, right???

Häagen Daz Cookie Dough ice cream is the best, right? Anyway, in the second video posted by Inside Out, you talk about John Myung’s original riff, the one that spawned so many riffs and that you still managed to use. In my opinion, I would say it appears in S2N, right?

John Petrucci: Yeah, that’s it, that’s the John Myung riff “that never existed”. It’s actually the last song we wrote because we promised John we would use his riff (laughs).

How do you juggle what the fans expect and your own sensibility? After all, as an artist, you want to express yourself but you don’t want to disappoint the fans either. It’s a pretty delicate balance, isn’t it?

JL: I think first and foremost, you gotta be true to yourself. We have to be together on what we think is next for the band and where we want to go and what’s inspiring, and I think that has to happen. That in itself – we have to go where our hearts are leading us musically. That’s not to say we’re not aware of what some of the fans are saying or a lot of the fans going, “You know what I’d love to hear from them...” this and that. I mean you hear that, but I think really, at the end of the day, it comes down to, “What kind of an album should we make, guys? Where are we finding ourselves gravitating towards? What’s the musical direction, and what’s the overall consensus here as a band? What are we all in for?” We always have these discussions leading up... When we’re winding down the world tour, we’re already starting to talk about [the next album]. “This is what I’m feeling,” “This is what we need to revisit” or “This is what we need to think about.” I mean we were all kind of on the same page. We easily came to that conclusion as a band that this was the kind of album that we wanted to make – exactly what you have in front of you.

You went from Roadrunner to Inside Out. Did that change anything in the creative process?

John Petrucci: No, it didn’t. We spent quite a few years with Roadrunner; we released a lot of records and had a great time with them. They were always really supportive of Dream Theater and we had a great relationship creatively and professionally. But we were at a point in our contract where it was over, and we were free agents, if you want to call us that. So we did look at what the options were, and in the end, we ended up signing with Sony/Inside Out, and the head of that label is Thomas Waber who has been a fan of Dream Theater for a long time. He came to our first shows when we came to Europe and played in Germany for the first time. And of course, he’s developed this really successful label. He’s got James’ albums on there. He’s pitched us before, but this time it really really felt like the right thing to do. If anything, it was really great having his perspective as a label head, because he can wear two hats: he can say, “I’m a fan. I like this era of Dream Theater more than this,” or “This album better than this.” “These are my personal opinions. I always wish you would do this, and not that.” At the same time, he’s a label head who wants to be supportive of his new band. It made for a really cool experience during the creative process, because he’s right in line, exactly with what we were thinking, and totally supportive. So much so that the crappy demos I was talking about earlier were sent to him. He was so excited and wanted to hear them: it was like a kid who couldn’t wait any longer. To sum it up, it’s been a really great adventure since we signed. Thomas Waber is great, the whole team is great and they all work hard.

[Interview] John Petrucci et James LaBrie

Par The Keyboard Wizard

1 février 2019

Pour la promotion de leur nouvel album « Distance over Time », John Petrucci et James LaBrie ont fait une petite tournée des médias en Europe début décembre. Ils étaient de passage à Paris et Your Majesty a pu les interviewer grâce à Valérie de jmtconsulting. Donc un grand merci à elle ainsi qu’à John et James pour leur disponibilité malgré la fatigue. Vous pouvez retrouver la vidéo en fin d’interview. Puisque les deux paroliers principaux de l’album étaient présents, l’interview s’est essentiellement concentrée sur la composition des textes au sein de Dream Theater mais pas que...

Pour cette première question, on voulait savoir pourquoi vous aviez appelé l’album « Distance over Time ». Bien sûr, on peut voir que les initiales sont une référence à Dream Theater (D/T) mais y a-t-il un lien avec les paroles ou le thème de l’album?

John Petrucci : Pas du tout, mais je vais essayer de trouver une image pour vous expliquer (ndt : et là, John met plusieurs minutes pour chercher l’image sur son téléphone, image qu’il ne trouvera pas). Ça vient d’une boutade, d’une formule...

... Oui c’est la vélocité (v = d/t) ...

John Petrucci : ... Exactement. Pendant un petit moment, l’album devait s’appeler « Velocity ». On était tous d’accord mais ça nous semblait pas très poétique donc on a choisi « Distance over Time »... Je n’arrive pas à trouver l’image, continuez sans moi...

En ce qui concerne l’artwork, comment avez-vous décidé de la pochette ? Aviez-vous une idée précise en tête ?

James LaBrie : Hugh Syme est le directeur artistique. On lui laisse le choix concernant la direction artistique et l’univers de l’album. On lui a juste donné le titre et c’est tout. Hugh fait ça depuis longtemps et il est vraiment génial. C’est l’un des meilleurs artistes pour faire des pochettes d’albums : regardez ce qu’il a fait avec Rush. Il a fait plusieurs pochettes pour Dream Theater donc il sait ce qu’il nous faut notamment le fait que les paroles sont très importantes pour nous. C’est notre artiste préféré. Il est donc revenu vers nous avec quelques idées et d’ailleurs cette pochette était sa pochette de secours.

John Petrucci : Il l’a sorti de sa poche...

Il se trouve que devant moi, j’ai les deux paroliers principaux du groupe puisque James, tu as écrit 3 morceaux et John a composé 3 ... ?

James LaBrie : En fait il a écrit 4 morceaux à lui seul et il en a co-écrit un ou deux avec John Myung...

John Petrucci : Désolé, je n’arrive pas à retrouver l’image en question. Pour revenir au titre, c’était vraiment une vanne pourrie à propos du nom que j’ai donné à un de mes sons de guitare : ça donnait d sur t est égal à quatre fois douze fois ... bref un truc hyper long. Mais la formule « d sur t » sautait aux yeux et c’était très poétique. Hugh Syme a  décidé d’illustrer cela avec une main robotique et un crâne. Mais bon, ça a démarré avec un truc bien moins sérieux que ça.

James LaBrie : (rires) Moins sérieux ouais...

John Petrucci : Pas du tout même, mais parfois c’est de cette manière qu’on trouve des idées. Bref, désolé de cette interruption, je pensais vraiment pouvoir trouver l’image ...

Retournons donc aux paroles : comment écrivez-vous les paroles? Un truc qui vous passe par la tête, un sujet grave dont vous voulez parler ou alors vous écoutez juste le morceau et vous vous dites : tiens si je parlais de ça ?

James LaBrie : Souvent c’est la mélodie du morceau, l’atmosphère qui nous inspire (ndt : et là, on vous laisse admirer James qui n’arrive pas à prononcer le mot « conjure » et qui s’essaye au français dans l’hilarité générale). Je note des idées sur mon téléphone quand je me dis « tiens ça, ça sera bien d’en parler ». Ensuite, j’en parle au groupe en leur disant : « ça serait bien d’évoquer ce sujet car le morceau me fait penser à ça ». Les paroles peuvent nous être inspirées par ce qu’il se passe sur cette planète au niveau social, par des films que je regarde, par les relations que j’ai avec les gens, les livres... Mais en général, rien que d’observer le monde, c’est inspirant.

Et toi John ?

John Petrucci : Je suis d’accord avec James : c’est vraiment important que le thème des paroles s’intègre bien à l’atmosphère du morceau. Un bon exemple sur cet album, pour moi, c’est Pale Blue Dot : l’intro fait penser au début d’un film dans un planétarium pour ensuite dériver vers Star Wars, Interstellar... on dirait que ça vient de l’espace. J’avais déjà cette idée d’écrire une chanson sur les idées de Carl Sagan et de la sonde Voyager (ndt : Pale Blue Dot est l’une des photos de la Terre prise le plus loin dans l’espace par la sonde Voyager. Carl Sagan est un astronome qui a écrit un livre intitulé Pale Blue Dot). Donc quand on a créé cette intro, tout de suite je me suis dit que ça irait bien car ça s’intégrait bien à l’atmosphère du morceau. Pour résumer : le plus important quand on écrit des paroles, c’est de s’assurer qu’elles vont aller parfaitement avec l’ambiance. Une fois qu’on a réussi à faire ça, alors on peut commencer à aller plus loin : faire des recherches, noter des idées ou même rester assis pendant des heures à y réfléchir.

Il y a un morceau dont le titre n’est pas évident à comprendre : S2N. Cela parle de quoi? J’ai essayé de chercher sur Google...

John Petrucci : Non tu ne trouveras rien. S2N est un acronyme de Signal to Noise, les mots qu’on retrouve dans le refrain. Il se base sur l’une des observations spirituelles de John Myung. Le signal te représente, le fait que tu résonnes de façon pure (ndt : et là, votre intervieweur commence à avoir mal au crâne ). Le bruit (noise) représente tout ce qui est négatif dans ce monde : les mauvaises nouvelles qu’on te balance au JT, les gros titres des journaux, la famine, l’usage grandissant de drogues, les catastrophes naturelles, toutes les distractions comme ce qu’il se trouve sur cette table (il montre la caméra et le téléphone portable)... VIREZ MOI TOUT CA ! (rires). Tout ça c’est du « bruit ». L’idée principale vient du monde de la musique : l’objectif quand tu fais de la musique est que le bruit soit le plus bas possible et que le son (ndt : le signal) soit le plus clair possible. John s’en est servi pour faire une métaphore spirituelle : il faut que les distractions soient les plus faibles possibles pour trouver ta propre résonance.

Pensez-vous avoir changé de mentalité en ce qui concerne les paroles? Au début, vous écriviez plus des choses fantastiques alors que maintenant vous parlez plus de choses sérieuses : la planète, les violences faites aux femmes... Est-ce parce que vous êtes plus matures?

James LaBrie : J’allais parler justement de maturité : on devient plus sage et plus réceptif à ce qui nous entoure. Donc plus on vieillit, plus on comprend facilement comment cette planète fonctionne mais on se pose plus de questions. C’est paradoxal quand on y pense. Mais bon, on ne peut pas écrire que des paroles sérieuses, il faut aussi avoir des sujets plus légers. Il faut aussi montrer aux gens son côté plus joyeux, sinon ça devient ennuyant pour le public si on est tout le temps solennel. Jon Foreman, du groupe Switchfoot est mon parolier préféré. Il est dément : il peut parler de tout : de choses plus légères ou plus sérieuses et profondes. Mais la façon dont il choisit ses mots lui vient de son expérience. Il est très religieux mais pour lui toutes les choses ne sont pas noires ou blanches. Les paroles les plus intéressantes sont celles qui viennent d’une introspection. On devient plus mature et forcément les paroles sont une représentation de qui on est.

Lorsque j’ai écouté l’album, j’ai eu la sensation que c’était un « Anti Astonishing » puisque c’est un album très orienté guitares avec des riffs plus lourds. Aviez-vous prévu, lorsque vous êtes entrés en studio, de faire l’opposé de ce que vous aviez fait avec The Astonishing ?

John Petrucci : C’est marrant que tu dises que tu as eu « la sensation », ça veut dire que ce qu’on a fait t’a marqué, un peu comme si on t’avait « infecté ». Et en fait tout l’album est construit sur cette sensation que nous procure la musique. Quand on a composé l’album, on était dans un endroit, une pièce où rien ne pouvait nous distraire et où tout était calme. Mais en même temps, la sensation qui émanait de cette magnifique grange, c’est qu’on composait quelque chose de « primitif », d’agressif et de fort. Imagine cinq mecs dans une pièce qui composent...il y a de la testostérone, on s’arrêtait pour faire griller des steaks ou boire du whisky les soirs. On ressent de façon évidente cette sensation qu’on a eue, lorsqu’on écoute les morceaux. On a aussi composé de façon collective. De plus, si on compare cet album avec The Astonishing, c’est clair qu’il y a plein de choses différentes. Il est bien plus court et le groupe a créé cet album de façon collégiale que ce soit les mélodies ou les paroles. Il est bien plus heavy, plus nerveux et plus groovy. Il y a plus de solos et de « jeu ». Ce n’est pas un concept album et il est « sous orchestré ». Il y a moins de guitares rythmiques et bien sûr pas de musiciens invités ou de sons électroniques. On a enlevé toutes les choses qu’on avait utilisées pour illustrer l’histoire de The Astonishing. C’est primordial pour nous qui passons notre temps à créer, de nous réinventer constamment. Ça rend les choses plus intéressantes pour nous et bien sûr pour nos auditeurs. Et bien sûr c’est plus fun pour tout le monde !

Puisqu’on parle du processus de création, vous avez dit que toutes les démos avaient été jouées en configuration live, donc pensez-vous un jour sortir ces démos ?

John Petrucci : (rires) Oh mon dieu, non rien n’est prévu. Mais c’est marrant car quand on compose de cette façon, on le fait vraiment en live, c’est à dire qu’on ne sait pas où on va. On appuie juste sur le bouton REC et on joue. Mais on enregistre ça juste pour nous, c’est entrecoupé de blabla, de conneries ou des soli improvisés. On s’en fiche car on se dit que personne n’entendra tout ça. Donc le fait de vouloir sortir ces démos demande un certain lâcher prise : « et voilà ! On vous file tout même les trucs horribles ». Je sais que ça doit être très intéressant pour les fans ...

James LaBrie : Sûrement pour les fans les plus acharnés.

John Petrucci : Mais pour être honnête, ça n’arrivera pas.

Ok donc je peux tout de suite zapper la question sur les Official Bootlegs

John Petrucci : C’est ça... En fait les démos, c’est comme quand on mange trop de pâte à gâteau. Ça peut rendre malade.

Ouais mais la pâte à cookies, c’est tellement bon ...

John Petrucci : (rires) Oui mais bon vaut mieux manger le produit fini, non???

La glace Häagen Dazs cookie Dough c’est la meilleure non ? Bref, dans la deuxième vidéo postée par Inside Out, vous parlez du riff originel de John Myung, celui qui a donné naissance à tant de riffs et qu’au final vous avez quand même réussi à utiliser. A mon avis, je dirai qu’il apparaît dans S2N, non?

John Petrucci : Oui c’est ça, c’est le riff de John Myung « qui n’a jamais existé ». En fait c’est la dernière chanson qu’on a composée car on avait promis à John qu’on utiliserait son riff (rires).

Comment jongler entre ce que les fans attendent et votre propre sensibilité ? Après tout, en tant qu’artiste, vous tenez à vous exprimer mais vous ne voulez pas non plus décevoir les fans ? C’est un équilibre assez instable, non ?

James LaBrie : On se doit d’être honnête avec soi même, d’être conscient de ce qui est bon pour le groupe. Il faut se demander quelle direction on veut prendre et qu’est-ce qui nous inspire. On se doit de suivre notre cœur. Alors bien sûr on est conscient de ce que les fans pensent mais au final, on se demande surtout ce que le groupe a envie de faire. On a toujours ce genre de discussion quand on arrive à la fin de la tournée : « bon les gars, dans six mois environ, on se retrouve pour le nouvel album, alors que pensez-vous qu’on doit faire... ». Pour cet album, on avait tous la même envie, on s’est tous mis d’accord et ça a donné Distance over Time.

Vous êtes passé de Roadrunner à Inside Out. Est-ce que ça a changé quelque chose dans le processus de création?

John Petrucci : Pas du tout. On a passé pas mal de temps avec Roadrunner à créer pas mal d’albums et c’était vraiment super. Ils nous ont toujours soutenus et on avait des bonnes relations. Mais on est arrivé au moment où le contrat nous permettait de partir. Donc on a envisagé toutes les options possibles et au final on a signé chez Inside Out dont le directeur Thomas Waber est un fan du groupe depuis longtemps. Il a assisté à nos premiers concerts en Europe, quand on est venu en Allemagne pour la première fois. Puis il a développé cette entreprise avec succès et James avait déjà signé sur ce label pour ses albums solo. Il nous avait déjà contactés auparavant mais cette fois ci, on sentait que c’était le bon moment. C’était vraiment génial d’avoir son point de vue car il a deux facettes : c’est un fan donc il aime certaines périodes de Dream Theater et il peut donner son point de vue personnel mais il dirige également un label donc il veut soutenir un groupe qu’il vient de signer. Ça a été une expérience absolument géniale quand on a composé l’album car il était sur la même longueur d’onde que nous et il nous a énormément soutenus. A tel point que les démos pourries dont je parlais tout à l’heure, lui ont été envoyées. Il était super excité et voulait absolument les entendre : on aurait dit un gamin qui n’en pouvait plus d’attendre. Pour résumer, c’est vraiment une belle aventure depuis qu’on a signé. Thomas Waber est génial, toute l’équipe est géniale et ils bossent tous durs.