Dream Theater – A View From The Top Of The World

Thirty-two years after the release of their first album, Dream Theater reaches the fifteenth mark with the new album, A View From The Top Of The World, a new chapter in their history that has brought the American band to the very roof of the world we find in the title. “We approach each new album as if it were our first,” the band said, accompanying the release of ‘The Alien’, the first single from their new album, “because even after an incredible journey like the one we’ve been on so far, we have no intention of stopping.”

Fifteen million copies sold since the release of that first and still relevant album, When Dream And Day Unite, Dream Theater continues to push the boundaries of their sonic palette, seeking new paths and new worlds to explore. A View From The Top Of The World (InsideOut Music/Sony Music) is not only their fifteenth album, but also the first Dream Theater album to be entirely written and produced within their new studio/headquarters.

After countless occasions where we’ve found ourselves face-to-face with the ever-affable John Petrucci, this time we wanted to do things a little differently. So, for A View From The Top Of The World, we asked to exchange a few words with the mysterious and fascinating figure who goes by the name of John Myung.

Born in 1967, bassist and co-founder of Dream Theater along with Petrucci and Portnoy, even after a 30-year career with the band, Myung remains a true enigma to many. Taciturn and reserved, yet capable of leaving a clear sonic imprint on the band’s sound and ever-increasing complexity and intensity, John Myung is actually a very affable character under the right circumstances.

Always calm and willing to discuss interesting topics, John Myung took some time out of his busy schedule to talk about the new Dream Theater album, as well as the birth of his new MusicMan Bongo 6 JM Signature.

Guitar Club: Hi John, how are you? How are things going now that the world (including the music world) seems to be moving toward a new phase?

John Myung: Hi guys. Thanks for calling. Things aren’t bad, I’d say we can look forward positively. I’ve always tried to look at Covid and this whole situation as a terrible storm: sooner or later, it has to give way to the sun. I think we’re now transitioning toward the end of the storm. We have to be cautious and responsible, but there are good prospects. At least, that’s what I’ve been telling myself for some time.

GC: And right in the midst of this period of general recovery, you’ve decided to complete the work with a new Dream Theater album... That must be a great feeling after a period of forced pause...

JM: Yes, it is. It almost seems absurd to think of how much joy a new album can bring now that we can plan our activities again. Now that I think about it, when the first lockdown began, and every band had to stop traveling, Dream Theater and I were right in Italy. A call came in, everything stopped abruptly, and we returned to base. At that point, a new “cycle” of reduced activity began. This contributed in part to the birth of the new album. So in the fall of 2020, we began to brainstorm some new ideas. Initially, we did it via video call, and later we met in person.

GC: ‘The Alien’ was the first song you wrote for the album, right?

JM: It was very inspiring. As you can imagine, the idea of ​​a private space where we could work and rehearse before a tour had been bubbling away for a long time. Again, it couldn’t have come at a better time, as the studio was completed shortly after the lockdown began. Having a place like ours at our complete disposal also made it much easier to cope with the forced shutdown caused by Covid.

GC: Did having this new space change your writing and recording process?

JM: I don’t think so. Personally, I think Dream Theater’s music is always based on the five of us in the same room, sharing ideas. That’s the necessary foundation. Everything else, however, has been amplified by the freedom our new studio offers. It’s undeniable that having a workspace without having to worry about costs or time has allowed us to focus more on aspects that, under normal circumstances, might have been overlooked. The best thing about our studio is that the monitoring of each instrument has been tailored precisely to our needs, so now we can rehearse and record in the conditions each of us considers ideal. It’s a notable improvement in the mood you create in the studio once you start a new album.

GC: After a lifetime spent with Dream Theater, and after many albums in which you’ve continually sought to expand your horizons, were there aspects of your playing and the band’s music that you wanted to work on more with A View From The Top Of The World?

JM: I definitely wanted to explore the new tonal/sonic possibilities my new signature bass offered. A View From The Top Of The World is the first album I was able to play with my new MusicMan JM Bongo 6 String, which is now regularly available on the market. So I entered the recording studio with my mind set on exploring the full potential of my new six-string, and I must say I wasn’t disappointed in any way. Not that I had any doubts, but it was really nice to have confirmation directly in the studio. I brought to the studio several ideas I’d developed at home, where I have a recording setup that’s basically always synchronized with the studio setup. Being able to rely on my personal archive of ideas when I’m in the recording studio is one of those fundamental things for me... Because during the making of an album, there always comes a point when it’s convenient to be able to draw on a palette of ideas.

GC: This way, when you need it, you always have the ideas you’ve developed over time at your fingertips, ready to be reworked for the occasion...

JM: Exactly. Obviously, the crucial part is being able to find the right idea within a vast archive and then make it work for the album you’re composing. Furthermore, you then have to present those ideas to the band and try to make them work, or – if necessary – discard them for another future opportunity. In any case, for A View From The Top Of The World, the creative vibe was the same as in the past; what has changed is the studio and the freedom it offers.

GC: Speaking of your playing, but also of the musical aspect that involves the band more generally, do you think there are sonic and creative elements that interest you more today than in the past?

JM: For me, this type of change has involved two fundamental aspects. The first is to focus on those musical elements that I’m sure can prove inspiring, and the other is more about my playing. While the first has to do with the actual musical material, and therefore also with the types of chords, melodic lines, harmonies, and arrangements that are created on an album, the second is something different. One of the things that really interests me these days is playing with a pick. Over the years, I’ve always played with my fingers, or at least I’ve always recorded the band’s albums playing with my fingers. The sound of a pick interests me greatly and I think for some situations it’s by far the best choice. I’d love to develop a better pick technique, but honestly, I’m not sure I have the time to do so. Playing bass with a pick is completely different from playing it with your fingers. I’d just need a couple more hours every day. 26-hour days would be perfect; then I’d definitely be able to do it.

GC: So, after a career spent exploring new expressive solutions, what have you added to your catalog with the new A View From The Top Of The World?

JM: I think it’s a very accurate snapshot of who we are today. I’m not sure it necessarily adds anything new to the music in terms of expressiveness, but it certainly doesn’t try to be anything different from what the band is today. A View From The Top Of The World is an excellent expression of a journey that began several years ago and has always been pursued with the same desire to improve and progress. It doesn’t necessarily have to be innovative, but it’s certainly an album that well represents Dream Theater’s songwriting expertise after more than thirty years of activity.

GC: So, after a career spent searching for new expressive solutions, what have you added to your music with the new A View From The Top Of The World?

JM: I think it’s a very accurate snapshot of who we are today. I’m not sure it necessarily adds anything new to the music in terms of expressiveness, but it certainly doesn’t try to be anything different from what the band is today. A View From The Top Of The World is an excellent expression of a journey that began several years ago and has always been carried forward with the same desire to improve and prosper. It doesn’t necessarily have to be innovative to achieve something, but it’s certainly an album that well represents Dream Theater’s songwriting expertise after more than thirty years of activity.

GC: This journey that has seen you protagonists over the last three decades has always associated you with the word “progressive.” What does this term mean to you today? What does “progressive” mean to John Myung in 2021?

JM: I think it’s always been just a label. I don’t want to belittle anything, because within the meaning of progress contained in the term “progressive,” there are several interesting traits... Traits that have certainly always well represented the band’s enterprising attitude. In that sense, I think I can say yes: Dream Theater have always been associated with the term “progressive.” As for the definition of the term, which has more to do with traits and sounds associated with a specific historical moment in music, it doesn’t have much meaning to me. It’s a generic term that has too often been used as an excuse to justify otherwise questionable artistic choices. For many, “progressive” necessarily equates to 20-minute songs, but as far as I’m concerned, having to think about creativity with pre-established paradigms and rules in mind is truly uninteresting. Thinking about it, it’s the exact opposite of what a “progressive” attitude should inspire. Stepping out of your comfort zone, thinking outside the box – that’s what “progressive” means to me. It’s true today, but it was true in the past, too.

GC: John, let’s talk about your new MusicMan JM Bongo Signature: it’s a six-string bass you’ve worked on extensively, paying particular attention to the neck. We know you’ve experimented with various neck thicknesses and shapes. Can you tell us how you arrived at the final result and how it affects your bass playing?

JM: For me, the neck is one of the most important elements of an instrument, whether it’s a guitar or a bass. If you think about it, the neck is the part of the instrument that most influences the experience we get from it. A bass that we consider uncomfortable is most likely a bass that doesn’t have a neck comfortable enough for our hands; therefore, for the new 6-string Bongo, I demanded maximum attention to the neck construction. First of all, it’s a six-string bass, so the neck thickness needs to provide the right balance of comfort and solidity. For me, it’s crucial that the neck isn’t too thick because with Dream Theater, I often find myself playing melodic lines in unison with John. [Petrucci] who, obviously, writes on the guitar. The latter, of course, has a much thinner neck than the bass, and therefore facilitates a type of agility and fluidity that usually requires technique on the bass.

GC: Furthermore, the right neck thickness not only facilitates playing, but also allows for wider finger positions...

JM: Exactly, that’s exactly right. There are things that John plays on the guitar, and that I have to do with him on my bass, that until recently required a huge effort from me. When your instrument requires effort beyond its natural limits, I think you start to establish a somewhat conflictual relationship with it, whether it’s bass or guitar. Over the years, I’ve played many basses, with very different necks, but now with the new JM Bongo 6, I find myself having an instrument under my fingers that significantly facilitates my playing, which means leaving room for creativity in a much more natural way. I should add that with a 6-string bass, you have to deal with a rather challenging spacing between the strings, so I think it’s essential to counterbalance this with a comfortable and agile neck. The new JM Bongo is everything I could ask for, and the neck is just the icing on the cake: this instrument reflects the extremely high build quality for which MusicMan is known worldwide. I’m absolutely honored to have such a bass with me.

GC: John, we know that another aspect you pay extreme attention to is string choice. You’ve experimented with different materials and gauges; can you tell us a little about your experience with this and what has become the standard for your basses?

JM: It’s true, strings are incredibly important to me, especially because of the fact that I play with my fingers. Not that they aren’t important when playing with a pick, but when you use only your fingers, you have a much closer tactile connection. The real revelation for me were the cobalt strings. When I tried them for the first time, I found myself feeling a tension under my fingers that was instantly satisfying. These are details that make a difference, however, and, as with the neck, having the right strings under your fingers can only improve your playing. When I was young, I played the violin, and the tension of the cobalt strings somehow reminds me of the strings of a classical instrument, such as a violin or cello. Using the Cobalt Slinky also seems to produce much less unwanted buzz and vibration, which contributes to the overall clarity of the sound.

GC: We know you’re very busy, so we’ll let you get back to your day, John. It was nice to hear from you. We hope to see you in Italy with the band soon!

JM: Thank you for your time. We can’t wait to return to Italy, and I’m sure we will as soon as we get the green light.

Original text

Dream Theater – A View From The Top Of The World

Trentadue anni dopo l’uscita del loro primo album, i Dream Theater toccano quota quindici con il nuovo A View From The Top Of The World, nuovo capitolo di storia che ha portato la band statunitense proprio su quel tetto del mondo che ritroviamo nel titolo. Approcciamo ogni nuovo album come se fosse il primo - ha detto la band accompagnando l’uscita di ‘The Alien’, primo singolo tratto dal nuovo lavoro - perché anche dopo un viaggio incredibile come quello che abbiamo compiuto fino ad ora, non abbiamo alcuna intenzione di fermarci.

Qúindici milioni di copie vendute dopo l’uscita di quel primo e ancora oggi rilevante, When Dream And Day Unite, i Dream Theater continuano a spingere i confìni del proprio range sonoro cercando nuove vie e nuovi mondi da esplorare. A View From The Top Of The World (InsideOut Music/Sony Music) non è soltanto il quindicesimo album, ma anche il primo dei Dream Theater ad essere stato interamente scritto e realizzato all’interno del loro nuovo studio/quartier generale.

Dopo moltissime occasioni nelle quali ci siamo ritrovati a tu per tu con il se1npre affabile John Petrucci, questa volta abbiamo voluto fare le cose un po’ diversamente. E così, per A View From The Top Of The World abbiamo chiesto di scambiare qualche parola con quel personaggio misterioso e affascinante che risponde al nome di John Myung.

Classe 1967, bassista e co-fondatore dei Dream Theater insieme a Petrucci e Portnoy, anche dopo 30 anni di carriera con la band, Myung rimane per molti un vero enigma. Taciturno, schivo, ma comunque capace di imprimere una chiare impronta sonora al sound ed alla sempre crescente complessità ed intensità della band, nelle giuste circostanze John Myung, in realtà, è un personaggio molto affabile.

Sempre pacato e propenso a disquisire di argomenti interessanti, John Myung ci ha concesso del tempo in mezzo ai suoi numerosi impegni, e ci ha parlato del nuovo album targato Dream Theater, ma anche della nascita del suo nuovo MusicMan Bongo 6 JM Signature.

Guitar Club: Ciao John, come stai? Come vanno le cose ora che il mondo (anche quello musicale) sembra incamminarsi verso una nuova fase?

John Myung: Ciao ragazzi. Grazie per aver chiamato. Le cose non vanno male, direi proprio che possiamo guardare avanti in maniera positiva. Ho sempre provato a guardare al Covid e a tutta questa situazione come ad una terribile tempesta: prima o poi deve per forza lasciare spazio al sole. Credo che ora stiamo affrontando la transizione verso la fine della tempesta. Dobbiamo essere prudenti e responsabili, ma ci sono buone prospettive. Perlomeno e quello che continuo a ripetermi da qualche tempo.

GC: E proprio nel mezzo di questo periodo di rilancio generale, avete deciso di completare l’opera con un nuovo album firmato Dream Theater... Deve essere una bella sensazione dopo un periodo di stop forzato...

JM: Sì, lo è. Sembra quasi assurdo pensare a quanta gioia può dare un nuovo album ora che è possibile pianificare nuovamente la nostra attività. Ora che ci penso, quando il primo lockdown è iniziato, ed ogni band ha dovuto interrompere qualsiasi spostamento, con i Dream Theater eravamo proprio in Italia. È arrivata una chiamata, tutto si è fermato di colpo e noi siamo rientrati alla base. A quel punto è iniziato obbligatoriamente un nuovo “ciclo” di attività a ritmo ridotto. In parte questo ha contribuito in maniera positiva alla nascita del nuovo album. Così nell’autunno del 2020 abbiamo cominciato a mettere sul tavolo qualche nuova idea. Inizialmente in videochiamata, e successivamente ci siamo ritrovati di persona.

GC: ‘The Alien’ è stato il primo brano nato per l’album, giusto?

JM: È stato molto stimolante. Come potrete immaginare, l’idea di un nostro spazio privato nel quale poter lavorare e provare prima di un tour, era un’idea che bolliva in pentola da molto tempo. Anche in questo caso non sarebbe potuta arrivare con un tempismo migliore, perché i lavori di completamento dello studio sono terminati poco dopo l’inizio del lockdown. Con un luogo come il nostro a completa disposizione è stato anche molto più semplice sopportare il fermo obbligatorio dato dal Covid.

GC: Il vostro processo di scrittura e registrazione ha subito qualche modifica proprio in virtù della possibilità di avere questo nuovo spazio?

JM: Non credo. Personalmente penso che la musica dei Dream Theater si basi sempre molto sul fatto che siamo noi cinque nella stessa stanza, intenti a condividere delle idee. La base necessaria è quella. Per il resto invece tutto è stato amplificato dalla libertà offerta dal nostro nuovo studio. È innegabile che avere a disposizione uno spazio lavorativo senza dover badare a costi o tempistiche, abbia permesso di soffermarsi maggiormente su aspetti che magari, in una condizione normale, sarebbero passati un po’ in secondo piano. La cosa migliore del nostro studio è che il monitoring di ogni strumento è stato plasmato esattamente sulle nostre richieste, pertanto ora possiamo provare e registrare nelle condizioni che ognuno di noi ritiene ideali. È un miglioramento notevole per quanto riguarda il mood che si va a creare in studio una volta iniziato un nuovo album.

GC: Dopo una vita spesa con i Dream Theater, e dopo molti album con i quali avete cercato di espandere di continuo i vostri orizzonti, c’erano aspetti del tuo playing e della musica del gruppo sui quali volevi lavorare maggiormente con A View From The Top Of The World?

JM: Sicuramente volevo capire quali fossero le nuove possibilità timbrico/sonore permesse dal mio nuovo basso signature. A View From The Top Of The World e il primo album ne quale ho potuto suonare con il mio nuovo MusicMan JM Bongo 6 Strings, che ora e regolarmente disponibile sul mercato. Quindi sono entrato in studio di registrazione con la mente pronta a carpire tutte le potenzialità del mio nuovo seicorde e devo dire che non sono rimasto deluso in alcun modo. Non che avessi dubbi, ma è stato molto bello avere la conferma direttamente in studio. Ho portato in studio parecchie idee che avevo sviluppato a casa, dove ho un setup per la registrazione che, fondamentalmente, è sempre sincronizzato con quello dello studio. Il fatto di potermi appoggiare al mio personale archivio di idee quando sono in studio di registrazione è una di quelle cose fondamentali per me... Perché durante la lavorazione di un album arriva sempre un momento nel quale si rende comodo poter ricorrere ad una tavolozza di idee.

GC: In questo modo, nel momento del bisogno, hai sempre a disposizione le idee maturate nel corso del tempo, pronte per essere modellate per l’occasione...

JM: Esattamente. Ovviamente la parte cruciale è riuscire a scovare l’idea giusta all’interno di un archivio molto vasto, e poi farla funzionare per l’album che si sta componendo. Inoltre, occorre poi presentare quelle idee alla band e cercare di farle funzionare, o – eventualmente – scartarle per un’altra occasione futura. Ad ogni modo anche per A View From The Top Of The World il vibe creativo è stato lo stesso che abbiamo adottato in passato, ciò che è cambiato è lo studio e la libertà offerta da quest’ultimo.

GC: Parlando del tuo playing ma anche dell’aspetto musicale che coinvolge la band in maniera più generale, credi che ci siamo elementi sonori e creativi che oggi ti interessano maggiormente rispetto al passato?

JM: Per quanto mi riguarda questo tipo di processo di cambiamento ha coinvolto due aspetti fondamentali. Il primo è concentrarsi su quegli elementi musicali che sono certo possono rivelarsi ispiranti, e l’altro invece riguarda maggiormente il mio playing. Se il primo è qualcosa che ha che fare con il materiale strettamente musicale, e quindi anche con le tipologie di accordi, linee melodiche, armonie e arrangiamenti che si vanno creando in un album, il secondo è qualcosa di diverso. Una delle cose che oggi mi interessa parecchio è suonare con il plettro. Negli anni ho sempre suonato con le dita, o perlomeno gli album della band li ho sempre registrati suonando con le dita. Il suono del plettro mi interessa moltissimo e credo che per alcune soluzioni sia di gran lunga la scelta migliore. Mi piacerebbe moltissimo sviluppare una migliore tecnica con il plettro ma in tutta onestà non sono sicuro di avere il tempo necessario al farlo. Suonare il basso con il plettro è cosa completamente diversa dal suonarlo con le dita. Mi servirebbero giusto un paio di ore in più ogni giorno. Giornate di 26 ore sarebbero perfette, a quel punto riuscirei sicuramente.

GC: E quindi dopo una carriera spesa ricercando nuove soluzioni espressive, cosa avete aggiunto alla vostra discografica con il nuovo A View From The Top Of The World?

JM: Credo che sia una fotografia molto precisa di ciò che siamo oggi. Non sono sicuro aggiunga necessariamente qualcosa di nuovo alla musica in termini di espressività, ma sicuramente non prova ad essere niente di diverso da ciò che la band è oggi. A View From The Top Of The World è una ottima espressione di un percorso iniziato svariati anni fa e portato avanti sempre con la stessa voglia di migliorarsi e di progredire. Non è necessario sia per forza qualcosa di innovativo, ma è sicuramente un album che ben rappresenta la perizia compositiva dei Dream Theater dopo più di trent’anni di attività.

GC: Pertanto, dopo una carriera spesa ricercando nuove soluzioni espressive, cosa avete aggiunto alla vostra musica con il nuovo A View From The Top Of The World?

JM: Credo che sia una fotografia molto precisa di ciò che siamo oggi. Non sono sicuro aggiunga necessariamente qualcosa di nuovo alla musica in termini di espressività, ma sicuramente non prova ad essere niente di diverso da ciò che la band è oggi. A View From The Top Of The World è una ottima espressione di un percorso iniziato svariati anni fa e portato avanti sempre con la stessa voglia di migliorarsi e di pro redire. Non è necessario sia per orza qualcosa di innovativo, ma è sicuramente un album che ben rappresenta la perizia compositiva dei Dream Theater dopo più di trent’anni di attività.

GC: Questo percorso che vi ha visti protagonisti nell’arco delle ultime tre decadi, vi ha sempre associati alla parola “progressive”. Cosa significa oggi questo termine per te? Cosa vuoi dire “progressive” nel 2021 per John Myung?

JM: Credo sia sempre stata soltanto un’etichetta. Non voglio sminuire nulla, perché nell’accezione di progresso contenuta, appunto, nel termine ‘‘progressive”, si ritrovano parecchi tratti interessanti... Tratti che sicuramente hanno sempre ben rappresentato l’attitudine intraprendente della band. In quel senso credo che di poter dire di sì: i Dream Theater hanno sempre avuto a che fare con il termine “progressive”. In quanto alla definizione del termine, che ha più a che fare con tratti e sonorità associati ad un determinato momento storico della musica, non ha un gran significato per me. È un termine generico che troppe volte è stato usato come scusante per giustificare scelte artistiche altrimenti discutibili. Per molti “progressive” equivale obbligatoriamente a brani di 20 minuti, ma per quanto mi riguarda, è veramente poco interessante dover pensare alla creatività con in mente paradigmi e regole prestabiliti. Pensandoci bene è esattamente l’opposto di ciò che un atteggiamento “progressive” dovrebbe ispirare. Uscire dalla propria comfort zone, pensare fuori dagli schemi, quello è ciò che “progressive” significa per me. È così oggi ma lo era anche in passato.

GC: John torniamo a parlare del tuo nuovo MusicMan JM Bongo Signature: si tratta di un basso a sei corde sul quale hai lavorato moltissimo rivolgendo grande attenzione al manico. Sappiamo che hai sperimentato con svariati spessori e shape del manico, vuoi parlarci di come sei arrivato al risultato finale e di come tale elemento influisce sul tuo bass playing?

JM: Per quanto mi riguarda, il manico è uno degli elementi più importanti in uno strumento. Che si tratti di una chitarra o di un basso. Se ci pensiamo bene il manico è quella parte dello strumento che va ad influire maggiormente sul tipo di esperienza che ne traiamo. Un basso che consideriamo scomodo, è molto probabilmente un basso che non ha un manico abbastanza agevole per le nostre mani; per il nuovo Bongo a 6 corde, ho quindi richiesto la massima attenzione sulla realizzazione del manico. Anzitutto è un basso a sei corde, quindi è necessario che lo spessore del manico garantisca il giusto connubio di comodità e solidità. Per me è fondamentale che lo spessore del manico non sia troppo elevato perché con i Dream Theater mi ritrovo spesso a suonare linee melodiche all’unisono con John [Petrucci] il quale, ovviamente, scrive sulla chitarra. Quest’ultima, naturalmente, ha un manico dallo spessore molto inferiore rispetto al basso, e quindi facilità un tipo di agilità e di scorrevolezza che solitamente sul basso va compensata con la propria tecnica.

GC: Inoltre il giusto spessore del manico non solo facilità il playing, ma rende anche possibile posizioni delle dita più ampie...

JM: Esattamente, è proprio così. Ci sono delle cose che John suona sulla chitarra, e che io devo eseguire con lui sul mio basso, che fìno a non molto tempo fa mi richiedevano uno sforzo enorme. Quando il tuo strumento ti richiede una fatica che va oltre il limite naturale, io credo che si inizi ad instaurare con esso una relazione un po’ troppo conflittuale; basso o chitarra che sia. Nel corso degli anni ho imbracciato moltissimi bassi, con manici molto diversi, ma ora con il nuovo JM Bongo 6 mi trovo ad avere sotto le dita uno strumento che va a facilitare notevolmente il mio playing, la cui cosa significa lasciare spazio alla creatività in un modo molto più naturale. Aggiungo che con un basso a 6 corde bisogna fare i conti con uno spazio tra le corde piuttosto impegnativo, quindi credo che sia fondamentale controbilanciare la questione con un manico comodo e agile. Il nuovo JM Bongo è tutto quello che potevo chiedere, ed il manico è soltanto la ciliegina sulla torta: questo strumento rispecchia l’elevatissima qualità costruttiva per la quale MusicMan è conosciuta nel mondo. Sono assolutamente onorato di avere un basso del genere con me.

GC: John sappiamo che un altro aspetto a cui presti estrema attenzione è la scelta delle corde. Hai sperimentato con diversi materiali e misure, vuoi parlarci un po’ della tua esperienza in tal senso e di quello che è divenuto poi lo standard per i tuoi bassi?

JM: È vero, le corde sono qualcosa di incredibilmente importante per me, soprattutto per via del fatto di suonare con le dita. Non che suonando con il plettro non siano importanti, ma quando si usano esclusivamente le dita si ha un rapporto tattile molto più stretto. La vera rivelazione per me sono state le corde in cobalto. Quando le ho provate per la prima volta mi sono ritrovato a percepire sotto le dita una tensione delle stesse che mi ha soddisfatto all’istante. Sono dettagli che fanno però la differenza e, come per il manico, quando si hanno le giuste corde sotto le dita il playing non può che guadagnarne. Quando ero giovane ho suonato il violino ed il tipo di tensione delle corde in cobalto mi restituisce in qualche modo la percezione delle corde di uno strumento classico, di un violino appunto o di un violoncello. Usando le Cobalt Slinky, inoltre, mi sembra che ci siano molti meno buzz e vibrazioni indesiderate, la cui cosa contribuisce alla pulizia del suono in generale.

GC: Sappiamo che sei molto impegnato e pertanto ti lasciamo tornare alla tua giornata, John. È stato un piacere sentirti. Speriamo di vederti presto in Italia con la band!

JM: Grazie a voi per il tempo che mi avete dedicato. Non vediamo l’ora di tornare in Italia e sono sicuro che lo faremo non appena ci sarà dato il via libera.