Dream Theater – On the Top of the World

After examining their new studio album in detail, we had the opportunity to speak with the quintessential prog metallers to further delve into the dreamlike atmospheres evoked in A View From The Top Of The World, which, for better or worse, represents one of the most poignant works of the year now almost over. Our interlocutor is the enigmatic and inscrutable bassist John Myung, active with the band since its inception and, to date, one of the most illustrious and admired exemplars of his entire instrumental genre. Needless to say, we’re not having the typical rowdy chat, but we admit we were pleasantly surprised by the eloquence of our six-string virtuoso. Here, he’ll explain not only the process that led a still-so-creative band to release yet another album, but also what it means to be one of the cornerstones of an entire musical genre; indeed, probably the most coveted by a large group of musicians with their eyes firmly fixed on the future. In short, today is the time to understand what it means to be “progressive” at heart. Enjoy!

Roberto Guerra: Hi John, every Dream Theater album has always had its own essence. How did your new studio album take shape?

John Myung: Hello everyone! The first song we started working on is also the first one on the setlist, ‘The Alien,’ and for it we wanted something that could convey a high level of energy and emotional intensity, perhaps with the vibrations that had made its predecessor, Distance Over Time, so successful, albeit with a potentially even broader range of emotions. From this starting point, the entire album developed, not excessively long and featuring seven songs, with ‘Sleeping Giant’ as the second completed piece and ‘Transcending Time’ as the third, a pairing we decided to maintain within the tracklist as well. The fourth addition was ‘Answering The Call,’ and despite its complex nature one might suggest otherwise, the lengthy title track was completed as the fifth song on the package, with ‘Invisible Monster’ and ‘Awaken The Master’ rounding out the work.

Regardless of the individual solutions we chose to adopt, our priority was to put together an album that would make us feel unanimously happy and satisfied, since it’s no easy task to reconcile five different minds, with the possibility that one might chime in with their thoughts as soon as another has laid down the foundations of an idea. This, in its own way, also represents the beauty of being in a band: that particular eventuality that presents itself, effectively pushing you to continue working so that each musician involved can find their own satisfaction in admiring the finished work, which will then ultimately count on everyone’s artistic and compositional contributions.

RG: The chosen title seems both simple and complex: what kind of explanation would you offer?

JM: I believe the most correct interpretation lies in the very process that leads people to fight to overcome their own battles and the adversities associated with them. Life, in its own way, is a bit like climbing a very high mountain, fraught with dangers and not always provided with the right handholds clearly visible. This requires constant sacrifice and commitment, with the constant risk of falling and tormenting ourselves every time the ground gets further away, as we try in every way to reach a summit we’re not even entirely sure exists. Likewise, if I were to look down from the top of the world to where all human beings live their daily lives, what I would see is a multitude of people struggling every day for their needs, and this is truly inspiring for us as musicians and composers, always searching for themes to talk about.

RG: After the album’s release, there were numerous opinions about it, and many considered ‘Awaken The Master’ the highlight. What can you tell us about this particular track?

JM: Well, the entire musical component of the aforementioned song came to life from John’s [Petrucci – Ed.] desire to use his new eight-string guitar, and all of this happened quite late compared to the rest of the work. As I mentioned before, ‘Awaken The Master’ was the last track to take shape, and that’s because the band got together in January to review the progress of the work, and there we all decided to write one last song that would allow John to put his intention into practice. The result is a very captivating song, in my opinion, musically intense and powerful, with lyrics that truly address human emotions: the true ‘master’ that governs the world should be the hearts of people themselves, who in fact find themselves facing issues much bigger than themselves every day, and to do so, it often becomes necessary to listen to one’s own heart, which, on many occasions, gets somewhat neglected in favor of something else. I’m reminded of a documentary I saw a while ago, which explained the possibility that the excessive progress of technology, and of certain “instruments” in general, could over time lead man to lose sight of his true self and his proper priorities, both towards himself and towards the world.

RG: Your bass parts on the album are clearly distinguishable: what do you focus on primarily when you dedicate yourself to new music?

JM: Without a doubt, my priority is that my hands are not numb, but rather ready and efficient to get to work, allowing me to unleash a sound that perfectly satisfies my technical, sonic, and performance needs. Furthermore, it’s very important to have the right equipment: in my case, I once again used my personal six-string Music Man Bongo, and I must say it was truly a pleasure working with it on this new album. At the same time, I’ve had the opportunity to enrich my playing with other cutting-edge gear, including a new, compact distortion pedal, obviously designed specifically for my needs. We named it the ‘JM Double Drive’ because of its two different distortion channels, and we recently released it so anyone interested can try it out for themselves.

RG: You’ve been part of the band since the beginning: how would you describe being part of something so big for over thirty years?

JM: Personally, I think it’s great; in fact, it’s a dream come true. Keep in mind that I’ve shared well over half my life with John, from the days when I rode his bike with him, holding a bass in one hand, to now that we’re performing on the world’s biggest stages alongside other people who have joined over the years. I remember meeting Mike Portnoy in college, and we were able to start and continue our journey together, releasing so many albums that required the collective effort of all of us. Unfortunately, as everyone knows, our paths diverged, but even after his departure, we continued to do what we did before, with a new permanent member behind the drums [drummer Mike Mangini – Ed.] and the ever-present James [LaBrie, vocals – Ed.] and Jordan [Rudess, keyboards – Ed.] further enriching our lives. We’re a family through and through; we love what we do and we continue to grow together as we journey along that long journey called Dream Theater.

RG: After all you’ve accomplished with the band and as a musician in general, do you still have any unfulfilled dreams to fulfill?

JM: I’ll be honest, my main goal right now is to keep doing what I’m doing, hoping to do it better and better until I feel like I can’t do it anymore, hoping to then be at a point where I can consider myself fully satisfied. After all, there’s always something new to do and try when you have the will to continue to discover yourself every day.

RG: Generally, when people hear the word “progressive,” Dream Theater comes first. In your opinion, what does it mean to be “progressive” today?

JM: I think that among the various explanations we commonly come across, the most coherent is the one that associates the term “progressive” with a process of growth. As I was saying earlier, it doesn’t matter how old you are or how long you’ve been involved in a music scene; the most important thing is to continue growing, improving, maturing, and understanding until the time comes to leave first the stage and then this world. This translates into a constant search for improvement, both in performance and composition, gradually seeking to breathe new life into your music, as well as your creativity in general. Likewise, to encourage this process, I believe it’s a good idea to take care of yourself and your health, so you can pursue the goal of living a long and healthy life, always with the energy and desire needed to continually improve, both as a person and as a musician. This is what it means to be “progressive.”

Original text

Dream Theater – Sulla cima del mondo

Pubblicato il 07/11/2021 da Roberto Guerra

Dopo aver esaminato nel dettaglio il loro nuovo lavoro in studio, abbiamo avuto modo di parlare con i prog metaller per antonomasia per immergerci ulteriormente nelle atmosfere oniriche e sognanti evocate in quel A View From The Top Of The World che comunque, nel bene o nel male, rappresenta uno dei lavori più ficcanti dell’anno ormai quasi concluso. Il nostro interlocutore è l’enigmatico e imperscrutabile bassista John Myung, attivo in formazione sin dagli esordi e, ad oggi, uno degli esempi più illustri ed ammirati della sua intera categoria strumentale. Inutile dire che non siamo in presenza della tipica chiacchierata di stampo caciarone, ma ammettiamo di essere rimasti piacevolmente sorpresi dalla loquacità del nostro virtuoso del sei corde, il quale in questa sede ci spiegherà non solo il processo che ha portato una formazione ancora così provvista di creatività ad immettere il suo ennesimo album sul mercato, ma anche cosa significa essere uno dei capisaldi di un intero filone musicale; anzi, probabilmente il più ambito da una foltissima schiera di musicisti con gli occhi rigorosamente puntati verso il futuro. In poche parole, oggi è tempo di capire in cosa consiste essere ‘progressive’ nell’anima. Buona lettura!

Roberto Guerra: Ciao John, da sempre ogni album dei Dream Theater gode di un’essenza propria. Come ha preso forma il vostro nuovo lavoro in studio?

John Myung: Ciao a tutti! Il primo brano si cui abbiamo iniziato a lavorare è anche il primo presente in scaletta, ossia ‘The Alien’, e per essa volevamo qualcosa che potesse trasmettere un alto contenuto di energia ed intensità emotiva, dotata magari di quelle vibrazioni che avevano fatto la fortuna del predecessore Distance Over Time, seppur con un range di emozioni potenzialmente ancora più ampio. Da questo punto di partenza si è sviluppato l’intero disco, non esageratamente lungo e provvisto di ben sette brani, con ‘Sleeping Giant’ come secondo pezzo ultimato e ‘Transcending Time’ come terzo, accoppiata che abbiamo deciso di mantenere anche all’interno della tracklist. Il quarto arrivo è stato ‘Answering The Call’ e, nonostante la sua natura complessa potrebbe lasciar intendere diversamente, la lunga titletrack è stata ultimata come quinta canzone del pacchetto, con ‘Invisible Monster’ e ‘Awaken The Master’ a concludere i lavori.

Indipendentemente dalle singole soluzioni che abbiamo scelto di adottare, la nostra priorità era mettere insieme un album che ci facesse sentire felici e soddisfatti all’unanimità, dal momento che non è un compito facile riuscire a mettere d’accordo cinque menti diverse, con la possibilità che una possa intervenire col proprio pensiero appena un’altra mette giù la base di un’idea. Ciò a suo modo rappresenta anche il bello di essere in una band: quella particolare eventualità che si presenta, spingendo di fatto a continuare a impegnarsi affinché ogni musicista coinvolto possa trovare la propria soddisfazione ammirando l’opera ultimata, che poi di fatto potrà contare sul contributo artistico e compositivo di ognuno.

RG: Il titolo scelto appare nel contempo semplice e complesso: tu che tipo di spiegazione forniresti in merito?

JM: Credo che l’interpretazione più corretta risieda nel processo stesso che porta le persone a lottare per superare le proprie battaglie e le avversità ad esse associate. La vita a modo suo è un po’ come la scalata di una montagna altissima, irta di pericoli e non sempre provvista dei giusti appigli in evidenza. Ciò comporta un sacrificio e un impegno costante, con sempre quel rischio di cadere a tormentarci ogni volta che il suolo si fa più distante, mentre noi cerchiamo in tutti i modi di raggiungere una vetta che non siamo nemmeno del tutto certi esista. Allo stesso modo, se io guardassi dalla cima del mondo verso là dove tutti gli esseri umani vivono la propria quotidianità, ciò che vedrei è appunto una moltitudine di persone che lottano ogni giorno per le proprie necessità, e ciò risulta davvero molto ispirante per noi come musicisti e compositori, sempre alla ricerca di tematiche di cui parlare.

RG: Dopo l’uscita dell’album, si sono potuti leggere numerosi pareri in merito, e sono in tanti a ritenere ‘Awaken The Master’ il momento più interessante. Cosa puoi dirci su questa particolare traccia?

JM: Allora, l’intero comparto musicale del suddetto brano ha preso vita a partire dalla volontà di John (Petrucci, ndr) di utilizzare la sua nuova chitarra a otto corde, e tutto questo si è svolto abbastanza in ritardo rispetto al resto dei lavori. Come ti dicevo prima, ‘Awaken The Master’ è stata l’ultima traccia a prendere forma, e questo perché a Gennaio la band si è riunita per tirare le somme sull’andamento dei lavori, e in quella medesima sede abbiamo deciso tutti insieme di scrivere un ultimo brano che potesse permettere a John di mettere in pratica il suo proposito. Il risultato è un brano molto accattivante, a mio avviso, musicalmente molto intenso, potente e con un testo che di fatto si rivolge all’emotività umana: il vero ‘maestro’ che governa il mondo dovrebbe essere il cuore stesso delle persone, che di fatto si ritrovano ogni giorno ad affrontare questioni anche molto più grandi di loro, e per farlo spesso diventa necessario prestare orecchio proprio al proprio cuore che, in molte occasioni, viene un po’ lasciato da parte in favore di altro. Mi viene in mente un documentario che ho visto un po’ di tempo fa, in cui veniva spiegata l’eventualità che l’eccessivo progredire della tecnologia, e in generale di determinati ‘strumenti’, potesse col tempo portare l’uomo a perdere di vista il proprio io e le giuste priorità, verso se stesso e verso il mondo.

RG: Le tue parti di basso all’interno del disco sono ben distinguibili: su cosa ti concentri principalmente nel momento in cui ti dedichi a nuova musica?

JM: Senza dubbio la mia priorità è che le mie mani non siano addormentate, bensì pronte ed efficienti per mettersi al lavoro, in modo da permettermi di sprigionare un sound in grado di appagare perfettamente quelle che sono le mie esigenze tecniche, sonore ed esecutive. Inoltre, è molto importante essere provvisti della giusta strumentazione: nel mio caso, mi sono servito ancora una volta del mio personale Music Man Bongo a sei corde e in sua compagnia devo dire che è stato davvero piacevole lavorare a questo nuovo album. Al tempo stesso, ho avuto modo di arricchire la mia esecuzione con altra strumentazione all’avanguardia, tra cui una nuova e compatta pedaliera per la distorsione, ovviamente progettata appositamente per adempiere alle mie esigenze. L’abbiamo battezzata ‘JM Double Drive’ per via dei due differenti canali distorsori e più di recente l’abbiamo immessa sul mercato, di modo che chiunque sia interessato la possa provare in prima persona.

RG: Fai parte della band sin dall’inizio: come descrivi l’essere parte di qualcosa di tanto grande da oltre trent’anni?

JM: Personalmente credo che sia grandioso, anzi di fatto è un sogno che si realizza. Tieni conto che ho diviso ben più di metà della mia vita con John, dai tempi in cui andavo con lui in bicicletta stringendo il basso in una mano, fino ad ora che calchiamo i palchi più importanti del mondo insieme ad altre persone che si sono aggiunte nel corso degli anni. Ricordo di quando incontrammo Mike Portnoy ai tempi del college, con cui comunque abbiamo avuto modo di avviare e proseguire la nostra avventura, immettendo sul mercato tanti album che hanno richiesto l’impegno collettivo di tutti noi. Purtroppo, come tutti ben sanno, le nostre strade si sono divise, ma anche dopo la sua uscita noi abbiamo continuato a fare ciò che facevamo prima, con un nuovo ingresso in pianta stabile dietro alle pelli (il batterista Mike Mangini, ndr) e sempre gli immancabili James (LaBrie, voce, ndr) e Jordan (Rudess, tastiere, ndr) ad arricchire ulteriormente le nostre esistenze. Siamo una famiglia in tutto e per tutto, amiamo ciò che facciamo e continuiamo a crescere insieme, mentre percorriamo quel lungo viaggio chiamato Dream Theater.

RG: Dopo tutto quel che hai fatto con la band e come musicista in generale, hai ancora qualche sogno irrealizzato cui adempiere?

JM: Sarò sincero, il mio principale obbiettivo ora come ora è continuare a fare ciò che sto facendo, nella speranza di poterlo fare sempre meglio fino al momento in cui non me la sentirò più, sperando a quel punto di essere arrivato a un punto tale da potermi ritenere pienamente soddisfatto. Del resto, c’è sempre qualcosa di nuovo da fare e da provare quando si ha la volontà di continuare a scoprirsi ogni giorno che passa.

RG: Generalmente, quando si parla di ‘progressive’, chiunque pensa ai Dream Rheater come primo nome. A tuo modo di vedere, cosa significa essere ‘progressive’ oggi come oggi?

JM: Credo che tra le varie spiegazioni in cui ci si imbatte abitualmente, la più coerente sia quella che associa il termine ‘progressive’ ad un processo, per l’appunto, di crescita. Come ti dicevo poc’anzi, non importa quanto si è vecchi e nemmeno da quanto tempo ci si trovi all’interno di una scena musicale, la cosa più importante è continuare a crescere, migliorare, maturare e comprendere finché non arriva il momento di lasciare prima il palco e poi questo mondo. Ciò si traduce in una costante ricerca di un miglioramento anche a livello esecutivo e compositivo, cercando man mano di donare nuova linfa alla propria musica, oltre che alla propria creatività in generale. Allo stesso modo, per favorire questo processo, ritengo sia buona iniziativa prendersi cura di se stessi e della propria salute, così da poter perseguire l’obiettivo di avere una vita lunga e sana, con sempre quell’energia e quella voglia necessarie per continuare a migliorarsi, come persone e come musicisti. Questo è ciò che significa essere ‘progressive’.