Liquid Tension Experiment – ​​A Four of a Kind

Liquid Tension Experiment’s return to the studio after twenty years is undoubtedly one of the most exciting news stories in the prog metal scene during this pandemic-induced standstill. LTE3 fully confirms the quartet’s style, delivering a band with a few more wrinkles but still energized and eager to prove to everyone that they can pick up where they left off twenty years ago as if time had never passed. We were therefore delighted to reach bassist Tony Levin by phone to take stock of this long-awaited return and take the opportunity to retrace with him a simply stellar career, which has seen him record true masterpieces alongside Peter Gabriel, King Crimson, and many others.

Carlo Paleari: Let’s start this interview with the most natural question: after twenty years, we once again have a new Liquid Tension Experiment album in our hands. We’ve read several of your statements in which you’ve clearly explained how, in a certain sense, all of this was possible precisely because of the lockdown, which allowed you to juggle incredibly busy schedules. Would you mind telling us how this first step came about? Which of you took the initiative?

Tony Levin: Sure, it all started with Jordan Rudess, during the lockdown. I think it was last May or June. He was the one who first approached Mike Portnoy and suggested we do it. It’s something we’d always wanted to do; we knew we’d get together again sooner or later to make an album, but Jordan was the one who said, “Hey, why don’t we do it now?” At that point, Mike reached out to me and John, and we immediately agreed. It took just a few weeks before we entered the studio, and we wrote the album right there, practically at the same time as the recording sessions. We’re very happy with the end result: there’s a lot of material, something special, memorable, and I think it will stay with the fans. It was all very natural, really. The only complicated thing about the whole process were the logistical details, namely everything that allowed us to enter the studio with maximum safety in the time of Covid-19. We underwent all the necessary checks and then lived in a “bubble” for as long as necessary, so as not to jeopardize anyone’s health. Otherwise, we reconnected and it was as if we had never been apart.

CP: There, Tony, you just anticipated my next question. So, was it easy to get back together? Not even an initial settling-in phase? Practically “plug and play”...

TL: Yes, exactly, maybe we should have called the album “Plug And Play”! [laughs] No, it was really simple, because, of course, if you simply look at the concept of a band, then yes, twenty years have passed, but in that time we’ve played together in different combinations, we’ve met, we’ve remained friends. I recorded two albums with Jordan Rudess, and I played live with Mike Portnoy. Mike, for example, had also played drums on John Petrucci’s solo album just a couple of weeks before our sessions... In short, we played together a lot, so there was no need for any adjustments to start over. What I was curious to see was how the compositions would evolve: would they come easily, naturally? Because yes, we hadn’t done that in a long time. Luckily, we were the first to be pleasantly surprised by this, because it all came together very spontaneously, just like it had in the past. One of us would suggest a riff, or a little fragment he had in mind, and then someone else would join in and say, “What if we tried adding this?” In this way, in a short time, a two-minute session would evolve, expand, first into five minutes, then ten, then fifteen... So we found ourselves with these long sessions, with those complicated arrangements we love to play. We also improvised a lot, something that comes naturally to us and has always worked for us, and this time I was very satisfied because the quality of the music is good, first and foremost, but also for another very important factor: I’ve always loved bands with a well-defined personality, a recognizable sound. They also have to make good music, of course, but they have to be recognizable. I think we do this well; what Liquid Tension Experiment does is different from what others do, and it’s also different from what we do in all our other projects.

CP: If you had to compare today’s Liquid Tension Experiment to the four musicians who recorded the first album, what differences would you find?

TL: The question is very interesting, but the answer isn’t so interesting: I don’t see any difference. We’ve probably grown as musicians, but in this context, we’ve simply played the best music we’ve ever created. The sound has changed a bit – John plays different guitars and uses different amps. I generally sound more distorted than in the past, and Jordan has a whole arsenal of new sounds and keyboards he didn’t have before. But essentially, the musicality has remained the same. This isn’t one of those albums where I could say, ‘Oh yeah, we’ve moved in a completely different direction.’ We’ve taken more or less the same direction.

CP: There are a few compositions we’d like your comment on. The first is “Key To The Imagination.” How did this long suite come about? Was it the result of jam sessions, or do you generally have a more traditional approach to composition?

TL: No, it doesn’t always happen the same way. I don’t remember the specific case, I think someone suggested Jordan start alone, playing something on keyboards: it’s something he’s very good at and can do without any problems on several occasions. Then from there we all started working together, sometimes it takes a few hours, other times a few minutes. I don’t remember who created the individual sections of the song, but personally I really love the fact that the song starts delicately with the piano and then transforms into something very heavy. Even in my bass parts, I used a technique I’m not familiar with, where I use my nails on the strings, a technique that creates a beautiful rhythmic accompaniment that the others could indulge in. These are compositions where everyone takes a free direction; we’re not the kind of group that spends time agonizing over which specific chord to use in this passage and so on. Everyone simply suggests something and, if they like it, the others follow suit, learning it very quickly. In fact, I have to say that these guys have a prodigious speed at learning music: I personally consider myself a pretty quick learner, even compared to other musicians, but compared to these three, I’m by far the slowest! They just need to hear something once and they can play it, and that makes everything much easier and faster.

CP: Obviously, I can’t help but ask you about “Chris & Kevin’s Amazing Odyssey,” the duet between you and Mike Portnoy that seems to be a follow-up to “Chris & Kevin’s Excellent Adventure” from the first album.

TL: We sometimes improvise during recordings, but in general, it’s quite rare. Usually, the improvisational part happens first: we play something and if we like it, we stop, study it, learn it, and that becomes a section of a song. We’re methodical; we’ve established a sort of routine: we start at 10 in the morning and stop at 10 at night. We don’t go any further, because continuing indefinitely would be a bad thing; we’d end up going crazy, and it would be even more difficult to start again the next day. Sometimes, however, we have particularly productive days, where we’ve perhaps already reached the day’s goal early and have some time left. On these occasions, we stay in the studio, simply playing and improvising, sometimes all together, sometimes as a couple. One evening, John and Jordan were busy with something, so Mike and I stayed in the studio. I had brought an electric double bass, which is the least suitable instrument of all for playing with Liquid Tension because it’s not fast and it’s not a metal instrument. I brought it just so I had it handy in case I had a crazy idea. That evening, I picked it up, instead of my usual instruments, and started playing with Mike, playing with the effects I had available and letting ourselves be guided by what we were doing. The result was a strange piece, a little crazy, but also profound. Mike recorded everything and then edited it into the form you can hear [originally it was a very long jam session, it must have lasted a whole hour]. The title was also Mike’s work; for me, it was simply the Tuesday session. It’s a typical thing; we spend all the work referring to the various songs with temporary names: ‘Song 1,’ ‘Song 2,’ and so on. Then, when the names are finally chosen, it becomes difficult to use them, because we’re too used to the old ones. For me, that song will simply remain “Mike And Tony Jam,” which seems like an even better title!

CP: Finally, I’d like to ask you about the decision to rearrange a classic American piece like Gershwin’s “Rhapsody in Blue.” You’ve already done it live, on your 2008 tour. How did you approach a seminal 20th-century work, now considered classical music?

TL: Exactly, it’s a classical piece and the only cover we’ve ever done. As you said, it’s something we’ve been doing since 2008: shortly before the tour, Mike had come up with the idea of ​​learning and rearranging “Rhapsody in Blue.” It was crazy, but we’re a little crazy, so we did it. I was really happy when someone suggested we record it for this album too, first because I like it and then for a personal reason: many of my fans aren’t big fans of metal music; they can’t connect with Liquid Tension Experiment. Well, this song, in my opinion, could be the perfect calling card for this category of listeners, a sort of gateway through which they can approach the band’s music. I’d like them to grasp how the heavy, fast parts give depth to other parts of the compositions. We’ll see what they think when the album comes out; I know I really like it. And then there’s another thing I really love: the original composition is also unusual in the classical music scene: it began as a piano concerto, but then evolved with very different sections. I think Liquid Tension Experiment is the ideal band to play this score, because we too are very eclectic: we like to play jazz, honky-tonk, we can play ethereal, almost ambient parts, then we can speed up and play heavy metal, and then add an emphatic, triumphant section, with those Jordan keyboards that can sound almost like a real orchestra.

CP: You’ve played on an incredible number of albums, often very different from each other, from progressive to pop. Liquid Tension Experiment has these very fast passages, a metal sound, very different from the rest of your production. Does the style you use in this context come naturally to you, and is it a matter of adapting your musicality to that of your bandmates?

TL: That’s a great question. What you say is true. This isn’t the style I’m most accustomed to, and in that sense, it’s a challenge for me. I can’t say I had to adapt: ​​I couldn’t tell you exactly what my style is. When I play, I simply try to follow what I feel, trying to create bass lines that can work in that context. Here, I find myself playing very fast, as do the others, and it’s certainly challenging from a technical standpoint. I like intricate passages; it doesn’t necessarily have to be the entire piece, maybe just a section, where I can test myself with a different aspect of bass playing. We play heavy and fast, but we also do a lot more, and it’s this variety that gives quality to the music and pushes me even more as a bassist.

CP: We’re a portal dedicated to all metal subgenres. I imagine you’ve had the chance to listen to at least Dream Theater, but are there any other metal bands you’ve enjoyed or that you regularly listen to?

TL: Unfortunately, I have to say no. I’m not very familiar with this genre. It’s my fault, but I hope it’s understandable: I spend so much time playing, practicing, playing with King Crimson, or on numerous albums by other artists. I really don’t have much time left to devote to listening to music, not just metal, but also to so many other genres I’d like to explore. It’s not something I’m proud of, but I joke that I at least have this excuse: I spend so much time playing that in the evenings I wouldn’t even have the mental strength to devote proper attention to listening.

CP: We can’t help but mention the rest of your vast career, which has seen you work alongside true legends like Peter Gabriel and Robert Fripp’s King Crimson. Would you like to tell us how you approach playing with both?

TL: Sometimes you think about the irony of fate: in 1976, I met both Peter Gabriel and Robert Fripp on the same day, during sessions for Peter Gabriel’s first solo album. It’s incredible how today, after so many years, I’ve had the fortune of becoming their friend and playing so much with both of them. To return to your question, playing with Peter is exciting and a constant source of inspiration: he doesn’t tell you how to do something; he’s very open-minded, always ready to look at an arrangement from a different perspective. This pushes you to do the same, and I was the first to approach the bass, starting in 1976, always in a new way, trying to bring unusual solutions, solutions that perhaps no one had tried until then. It must also be said that Peter is an incredible live performer, and being on stage with a personality like that makes you grow. It doesn’t help you become a better performer yourself, because that’s a natural gift, but it does enhance your musicality, night after night. I’m fortunate to have been part of so many exceptional live performances thanks to him. Speaking of King Crimson, I joined the band in 1981, although I had already worked with Robert before, on Peter’s solo album, as I mentioned, but also on his solo album Exposure [from 1979], which wasn’t released under the King Crimson name, despite having many of the band’s sound characteristics. Robert is a very interesting leader, because he doesn’t tell you exactly what to do, but he’s very good at choosing the right people to take King Crimson in the direction he wanted at the time. He also inspired me a lot, and if you think about that King Crimson lineup, with him, Adrian Belew, and Bill Bruford, you’ll have noticed how at the time we tried to be progressive and experiment as much as possible with our instruments, trying to do things in a completely different way than what we had done up until that point. This approach remains unchanged to this day, a driving force that has guided King Crimson in its various forms.

CP: Of course, it would be enough to mention the band’s last incarnation, with no less than three drum kits. Attending those concerts was an incredible experience. Can you tell us something about this choice?

TL: The concept is always the same: a constant challenge to try to do something different and personal, “progressive” in the truest sense of the word. In 1981, we didn’t want to sound like a band of the time, but rather, we tried to take our music a step further. This has always been Robert’s challenge: to push ourselves further and further, to live up to the King Crimson name. When Robert presented me with his idea of ​​playing with three drum kits, I thought it would be extremely difficult, that I wouldn’t have the space to play my parts against a wall like that. I was actually wrong, because the three drummers play so coordinated and synchronized that they no longer even seem like three people; they seem like one incredible drummer with an incredible arsenal of elements. I thought I’d just step aside, leaving all the space to them, but gradually, as I became more familiar with this sound, I realized I was playing more easily than when I was playing with TWO drummers in the ‘90s [referring to the tours following the 1995 album Thrak, with King Crimson’s so-called ‘double trio’ lineup, with two guitars, two basses, and two drums – Ed.]. When Robert has an idea for a new incarnation of King Crimson, we don’t know where he’ll end up, where he’ll lead us, but he’s definitely chosen the right people to create the sound he has in mind.

CP: Visually, it was also impressive, with the three drummers up front and the rest of the band in the background. That was also a very interesting role reversal.

TL: Yes, it was another radical idea [Robert is never afraid to make radical choices!]: not just having three drum kits, but also having them in front of everyone, as if they were the band’s “singer.” But this choice also worked, because it allowed the audience, as you said, to follow the constant exchanges between the three drummers, to see the music bounce from one to the other. And it’s also extremely interesting for those of us in the back, on a raised platform, because we too are fascinated by this show. The typical essence of King Crimson: always being different from everyone else. I can’t even tell you if, when we finally resume the European tour, it will still be like this or not.

CP: Speaking of Fripp, he’s become something of a YouTube phenomenon lately, thanks to these crazy covers he plays with his wife, Toyah. Have you seen them? What do you think?

TL: [chuckles] Wait, I’ll write this down: “YouTube phenomenon”! No, I’ve only seen a few clips; I don’t watch them regularly. I know he does them, but that’s all...

CP: Yes, there are these videos that have millions of views, more than King Crimson songs. It’s incredible!

TL: Yeah, exactly, I agree with those exact words you said. It’s incredible...

CP: Throughout your career, you’ve also often served as a session musician on countless historic albums. The list is endless: Pink Floyd, Alice Cooper, Lou Reed, Paul Simon, and many others. Would you like to tell us something about this aspect of your work as well?

TL: I’ve been really lucky throughout my career, and when I say lucky, I don’t mean having played on a lot of famous albums, but above all having played with so many top-notch musicians. I don’t care how well-known the artist I play for is; I’ve worked with exceptional musicians who, for one reason or another, didn’t become as famous as they deserved. As a musician, I’m interested in playing great music, alongside other great musicians, and I’ve been lucky enough to do that for a long time. Then the fact that many of these albums have also become famous and have been listened to by so many people is definitely something special, I’m happy about that. But if you think about what I do with Liquid Tension Experiment or King Crimson, you can understand that I’m not the kind of person who spends time saying, ‘Oh, I played with Pink Floyd.’ That’s not part of my way of being; I’m a musician, I’m a bass player, I play with other people, I listen to their music and try to understand and appreciate it and create bass lines that can enrich what I listen to. That’s what I did on those albums, and I’m lucky to still be here, continuing to do so today.

CP: What are you working on now? Is there anything new you’d like to share with us?

TL: Yes, I’m constantly busy in the studio recording bass parts for numerous artists, but aside from that, I just finished work on a different project: a photo album I’ve been working on for a year. It’s called Images From A Life On The Road. It features photographs from all my tours, starting in the ‘70s, and including everyone we’ve ever worked with. It wasn’t easy to gather all the material – we’re talking tens of thousands of photos – and summarize it in a meaningful book. Now we’ve completed everything, and I can focus on writing and recording new music.

CP: Having concluded this brief overview of your career, let’s return to Liquid Tension Experiment for one last question. Do you remember how the first meetings with the rest of the band went? What were your thoughts when you first found yourself playing with this trio of metalheads?

TL: It’s been a long time now, so I have to test my memory... If I’m not mistaken, we first met at Mike Portnoy’s house. At the time, he and John Petrucci were playing in Dream Theater, while Jordan wasn’t yet. I remember being impressed by everyone’s technical ability when we started playing together to see if things could work. I remember we were in his basement, not a rehearsal room, and we were playing really loud! We realized we were a good fit, so shortly thereafter we went into the studio to record our first album, giving us more time to get to know each other, write music together, and see where it would take us. The working method was in some ways very similar to what we do now, but there were also some differences, because at the beginning we hadn’t yet decided what direction this project would take: we tried very different things, including jazz and Latin music. It’s not that we didn’t like the result, but we quickly realized it wouldn’t work that way, and we quickly settled on the style that now comes so naturally to us. In that sense, it’s easier today, because we no longer find ourselves wasting time on solutions that would lead nowhere, but all in all, even then it was a very rapid process, thanks also to that speed of learning I mentioned earlier. We simply hit a few dead ends before hitting that highway known as the Liquid Tension Experiment. Once we got there, we were going 150 miles an hour!

Original text

Liquid Tension Experiment – Un poker d’assi

da Carlo Paleari

Pubblicato il 13/04/2021

Il ritorno in studio dei Liquid Tension Experiment dopo vent’anni è senza dubbio una delle notizie che hanno fatto più scalpore nell’ambiente prog metal in questo momento di stasi da pandemia. LTE3 conferma in pieno lo stile del quartetto, consegnandoci una band con qualche ruga in più ma ancora carica e desiderosa di dimostrare a tutti di essere in grado di riprendere il discorso interrotto vent’anni fa come se il tempo non fosse mai passato. Con molto piacere, quindi, abbiamo raggiunto telefonicamente il bassista Tony Levin, per fare il punto su questo atteso ritorno ed approfittandone per andare a ripercorrere con lui una carriera semplicemente stellare, che l’ha visto registrare veri e propri capolavori al fianco di Peter Gabriel, King Crimson e tanti altri.

Carlo Paleari: Iniziamo quest’intervista partendo dalla domanda piu’ naturale: dopo vent’anni abbiamo di nuovo tra le mani un nuovo album dei Liquid Tension Experiment. Abbiamo letto diverse vostre dichiarazioni in cui avete detto molto chiaramente come, in un certo senso, tutto questo sia stato possibile proprio a causa del lockdown, che vi ha permesso di far combaciare agende fittissime. Ti va di raccontarci come e’ avvenuto questo primo passo? Chi di voi ha preso l’iniziativa?

Tony Levin: Certo, tutto è partito da Jordan Rudess, durante il lockdown. Credo fosse lo scorso maggio o giugno, fu lui a contattare in prima battuta Mike Portnoy proponendogli di farlo. E’ una cosa che avevamo in mente di fare più o meno da sempre, sapevamo che prima o poi ci saremmo trovati di nuovo per fare un album, ma è stato Jordan a dire: “hey, perché non lo facciamo adesso?”. A quel punto Mike si è messo contatto con me e John e noi siamo stati subito d’accordo. Ci sono volute giusto poche settimane prima di entrare in studio e abbiamo composto l’album direttamente lì, praticamente in contemporanea con le registrazioni. Siamo molto contenti del risultato finale: c’è molto materiale, qualcosa di speciale, memorabile, che credo rimarrà impresso nella mente dei fan. E’ stato tutto molto naturale, davvero, l’unica cosa complicata nell’intero processo siano stati i dettagli logistici, ovvero tutto quello che ci ha permesso di entrare in studio con il massimo della sicurezza ai tempi del Covid-19. Abbiamo fatto tutti controlli necessari e poi abbiamo vissuto per tutto il tempo necessario in una ‘bolla’, in modo da non mettere a repentaglio la salute di nessuno. Per il resto ci siamo ritrovati ed è stato come se non ci fossimo mai separati.

CP: Ecco, Tony, hai appena anticipato la mia prossima domanda. Quindi nessuna fatica nel ritrovarsi assieme? Nemmeno una fase iniziale di assestamento? Praticamente ‘plug and play’...

TL: Sì, esatto, forse avremmo dovuto chiamare l’album così: “Plug And Play” (ride, ndR)! No, è stato davvero semplice, perché, certo, se guardi semplicemente al concetto di band, allora sì, sono passati vent’anni, ma in questo tempo abbiamo suonato insieme in diverse combinazioni, ci siamo incontrati, siamo rimasti amici. Io ho registrato due album con Jordan Rudess, ho suonato dal vivo con Mike Portnoy. Anche Mike, ad esempio, solo un paio di settimane prima delle nostre sessioni aveva suonato la batteria nell’album solista di John Petrucci… Insomma, abbiamo suonato tanto assieme, quindi non c’è stato bisogno di alcun aggiustamento per ricominciare. Al limite quello che ero curioso di vedere è come si sarebbero evolute le composizioni: sarebbero nate facilmente, con naturalezza? Perché quello sì, non lo facevamo da tanto tempo. Per fortuna su questo siamo stati sorpresi positivamente noi per primi, perché il tutto è venuto fuori con grande spontaneità, esattamente come era in passato. Uno di noi suggeriva un riff, o un piccolo frammento che aveva in mente, a quel punto si aggiungeva qualcun altro a dire, “e se provassimo ad aggiungerci questo?”. In questo modo, in breve tempo, una sessione di due minuti si evolveva, si espandeva, prima in cinque minuti, poi dieci, poi quindici… Ci siamo trovati così tra le mani queste lunghe sessioni, con quegli arrangiamenti complicati che amiamo suonare. Abbiamo anche improvvisato molto, una cosa che ci viene naturale e che per noi ha sempre funzionato e anche questa volta sono molto rimasto soddisfatto perché la qualità della musica è buona, in primo luogo, ma anche per un altro fattore molto importante: io ho sempre amato quelle formazioni dotate di una personalità ben definita, di un suono riconoscibile. Devono anche fare bella musica, certo, ma devono essere riconoscibili. Credo che questo ci riesca bene, quello che fanno i Liquid Tension Experiment è diverso da quello che fanno gli altri ed è diverso anche da quello che facciamo noi in tutti i nostri altri progetti.

CP: Se dovessi paragonare i Liquid Tension Experiment di oggi ai quattro musicisti che hanno registrato il primo album, quali differenze troveresti?

TL: La domanda è molto interessante, mentre la risposta non lo sarà altrettanto: io non ci vedo nessuna differenza, siamo probabilmente cresciuti come musicisti, ma in questo contesto abbiamo semplicemente suonato la miglior musica che siamo riusciti a creare. E’ cambiato un po’ il sound, John suona delle chitarre diverse e usa altri amplificatori, io in generale suono più distorto rispetto al passato, e Jordan ha tutto un arsenale di nuovi suoni e tastiere che prima non aveva, ma essenzialmente la musicalità è rimasta la stessa: questo non è uno di quegli album in cui potrei dire ‘oh sì, ci siamo mossi in una direzione completamente diversa’. Abbiamo intrapreso più o meno la stessa direzione.

CP: Ci sono alcune composizioni su cui ci piacerebbe avere un tuo commento. La prima e’ “Key To The Imagination”, questa lunga suite come e’ nata? E’ frutto di jam session o in generale avete un approccio piu’ tradizionale alla composizione?

TL: No, non avviene sempre allo stesso modo. Non ricordo il caso specifico, credo che qualcuno abbia proposto a Jordan di iniziare da solo, suonando qualcosa alle tastiere: è una cosa che gli viene molto bene e può farlo senza problemi in diverse occasioni. Poi da lì abbiamo iniziato a lavorare tutti assieme, a volte questo occupa qualche ora, altre volte pochi minuti. Non ricordo chi abbia dato vita alle singole sezioni del brano, ma personalmente amo molto il fatto che il brano parta in maniera delicata con il pianoforte e dopodiché si trasformi in qualcosa di molto heavy. Anche nelle mie parti di basso ho usato una tecnica con cui ho poca familiarità, in cui uso anche le unghie sulle corde, una tecnica che crea un bell’accompagnamento ritmico su cui gli altri si sono potuti sbizzarrire. Si tratta di composizioni in cui ognuno prende una direzione in maniera libera, non siamo il genere di gruppo che passa il tempo ad agonizzare su quale specifico accordo usare in questo passaggio e via dicendo. Semplicemente ciascuno propone qualcosa e, se piace, gli altri gli vanno dietro, imparandolo molto velocemente. Anzi, devo dire che questi ragazzi hanno una velocità di apprendimento nella musica che è prodigiosa: personalmente mi considero uno che impara piuttosto in fretta, anche rispetto ad altri musicisti, ma rispetto a questi tre io sono in assoluto il più lento! A loro basta sentire qualcosa una volta e sono già in grado di suonarla e questo rende tutto estremamente più semplice e veloce.

CP: Ovviamente non posso fare a meno di chiederti qualcosa su “Chris & Kevin’s Amazing Odyssey”, il duetto tra te e Mike Portnoy che sembra voler dare seguito a quella “Chris & Kevin’s Excellent Adventure” del primo album.

TL: Ci capita di improvvisare qualcosa all’interno delle registrazioni, ma in generale è una cosa piuttosto rara. Di solito la parte di improvvisazione avviene prima: suoniamo qualcosa e se ci piace ci fermiamo, la studiamo, la impariamo e quella diventa una sezione di un brano. Siamo metodici, ci siamo posti una sorta di routine: iniziamo alle dieci di mattina e smettiamo alle dieci di sera. Non andiamo oltre, perché continuare ad oltranza sarebbe negativo, finiremmo per impazzire, e diventerebbe ancora più difficile ricominciare il giorno dopo. Capita, però, che ci siano giornate particolarmente produttive, dove magari abbiamo già raggiunto l’obiettivo della giornata in anticipo e ci rimane un po’ di tempo. In queste occasioni restiamo in studio, semplicemente a suonare ed improvvisare, a volte tutti assieme, a volte in coppia. Una sera John e Jordan erano impegnati per qualcosa e quindi siamo rimasti in studio io e Mike: io avevo portato un contrabbasso elettrico, che è lo strumento meno adatto di tutti per suonare con i Liquid Tension, perché non è veloce e non è uno strumento metal, l’avevo portato così giusto per averlo a portata di mano in caso mi venisse qualche idea folle. Quella sera l’ho preso in mano, al posto dei miei abituali strumenti, e ho iniziato a suonare con Mike, giocando con gli effetti che avevo a disposizione e lasciandoci guidare da quello che stavamo facendo. Ne è venuto fuori un pezzo strano, un po’ fuori di testa, ma anche profondo. Mike ha registrato il tutto e poi si è occupato lui di editarlo nella forma che potete ascoltare (in origine si trattava di una jam session molto lunga, sarà durata un’intera ora). Anche il titolo è stata opera di Mike, per me era semplicemente la session del martedì. E’ una cosa tipica, passiamo tutte le lavorazioni riferendoci alle varie canzoni con dei nomi provvisori: ‘Canzone 1’, ‘Canzone 2’ e così via. Poi quando alla fine vengono scelti i nomi diventa difficile usarli, perché siamo troppo abituati con quelli vecchi. Per me quel pezzo rimarrà semplicemente “Mike And Tony Jam”, mi sembra un titolo anche migliore!

CP: Infine vorrei chiederti qualcosa circa la decisione di riarrangiare un pezzo storico della musica americana come la “Rapsodia In Blu” di Gershwin. E’ una cosa che avevate gia’ fatto in passato, dal vivo, nel tour del 2008. Come vi siete posti di fronte ad un’opera fondamentale del novecento, che ormai e’ ascrivibile al mondo della musica classica?

TL: Esatto, è un brano di musica classica ed è l’unica cover che abbiamo mai fatto. Come hai detto è una cosa che facevamo già nel 2008: poco prima del tour Mike era venuto fuori con questa idea di imparare e riarrangiare “Rhapsody In Blue”. Una cosa folle, ma noi siamo un po’ pazzi, quindi l’abbiamo fatto. Sono stato molto contento quando qualcuno ha proposto di registrarla anche per questo disco, in primo luogo perché mi piace e poi per una questione personale: molti miei fan non sono dei grandi estimatori di musica metal, non riescono ad entrare in sintonia con i Liquid Tension Experiment. Ecco, questo brano, secondo me potrebbe essere il biglietto da visita perfetto per questa categoria di ascoltatori, una sorta di porta, attraverso cui avvicinarsi alla musica della band. Mi piacerebbe che cogliessero come le parti heavy e veloci vadano a dare spessore ad altre parti della composizioni. Vedremo quando l’album uscirà cosa ne penseranno, so che a me piace molto. E poi c’è un’altra cosa che amo molto: anche la composizione originale è inusuale nel panorama della musica classica: nasce come un concerto per pianoforte, ma poi si è evoluta con delle sezioni molto diverse tra loro. Credo che i Liquid Tension Experiment siano la band ideale per suonare questa partitura, perché anche noi siamo molto eclettici, ci piace suonare jazz, honky tonk, possiamo suonare parti eteree, quasi ambient, poi possiamo accelerare e suonare heavy metal e poi aggiungere una sezione enfatica e trionfale, con quelle tastiere di Jordan che sono in grado di suonare quasi come una vera orchestra.

CP: Tu hai suonato in un numero incredibile di album, spesso diversissimi tra loro, dal progressive al pop. I Liquid Tension Experiment hanno questi passaggi molto veloci, un sound metal, molto diverso dal resto della tua produzione. Lo stile che utilizzi in questo contesto ti viene naturale e si tratta di adattare la tua musicalita’ a quella dei tuoi compagni?

TL: Questa è un’ottima domanda, quello che dici è vero, non è questo lo stile a cui sono più abituato e in questo senso si tratta di una sfida, per me. Non posso dire di essermi dovuto adattare: non saprei dirti esattamente qual è il mio stile, quando suono cerco semplicemente di seguire quello che sento, provando a realizzare delle linee di basso che possano funzionare in quel contesto. Qui mi trovo a suonare molto velocemente, così come fanno gli altri, e di certo si tratta di qualcosa di sfidante da un punto di vista tecnico. Mi piacciono i passaggi intricati, non deve essere necessariamente l’intero pezzo, magari solo una sezione, in cui posso mettermi alla prova con un aspetto diverso del suonare il basso. Suoniamo pesante e veloce, ma facciamo anche molto altro ed è questa varietà a dare qualità alla musica e a spronarmi sempre di più come bassista.

CP: Noi siamo un portale dedicato a tutti i sottogeneri del metal. Immagino che tu abbia avuto modo di ascoltare quantomeno i Dream Theater, ma ci sono altre formazioni metal che hai apprezzato o che ascolti abitualmente?

TL: Purtroppo devo dire di no, non ho molta familiarità con questo genere musicale. E’ colpa mia, ma spero che possa essere comprensibile: passo davvero tanto tempo a suonare, esercitandomi, suonando con i King Crimson, o in numerosi album di altri artisti. Non mi rimane davvero molto tempo da dedicare all’ascolto della musica, non solo metal, ma anche di tanti altri generi che vorrei conoscere. Non è una cosa di cui vado fiero, ma ci scherzo su dicendo di avere almeno questa scusante: passo così tanto tempo a suonare che alla sera non avrei nemmeno le forze mentali per dedicarmi con la giusta attenzione all’ascolto.

CP: Non possiamo fare a meno di accennare anche al resto della tua vastissima carriera, che ti ha visto affiancare delle vere e proprie leggende come Peter Gabriel o i King Crimson di Robert Fripp. Ti va di raccontarci come ti poni quando ti trovi a suonare con l’uno e con l’altro?

TL: Tu pensa a volte l’ironia della sorte: nel 1976 ho conosciuto nella stessa giornata sia Peter Gabriel che Robert Fripp, durante le sessioni per la realizzazione del primo album solista di Peter Gabriel. E’ incredibile come oggi dopo tanti anni io abbia avuto la fortuna di diventare loro amico e di suonare così tanto con entrambi. Per tornare alla tua domanda, suonare con Peter è qualcosa di eccitante ed una continua fonte di ispirazione: lui non ti dice come devi fare qualcosa, è molto aperto, sempre pronto a guardare un arrangiamento da una prospettiva diversa. Questo ti spinge a fare lo stesso e io per primo ho iniziato ad approcciarmi al basso, fin dal 1976, in maniera sempre nuova, cercando di portare soluzioni inusuali, soluzioni che magari nessuno aveva ancora provato fino a quel momento. Inoltre bisogna aggiungere che Peter è un incredibile performer dal vivo ed essere sul palco con una personalità di questo tipo ti fa crescere. Non ti aiuta ad essere un performer migliore in prima persona, perché quella è una dote naturale, ma accresce comunque la tua musicalità, sera dopo sera. Sono fortunato ad aver preso parte a così tante performance dal vivo eccezionali grazie a lui. Parlando dei King Crimson, invece, mi sono unito alla band nel 1981, anche se prima avevo avuto già modo di lavorare con Robert, sull’album solista di Peter, come dicevo, ma anche nel suo album solista “Exposure” (del 1979, ndR) che non era uscito a nome King Crimson, pur avendo molte caratteristiche del sound della band. Robert è un leader molto interessante, perché anche lui non ti dice esattamente cosa devi fare, però è bravissimo nello scegliere le persone più adatte a portare i King Crimson nella direzione da lui scelta in quel momento. Anche lui mi ha ispirato molto e se pensi a quella formazione dei King Crimson, con lui, Adrian Belew e Bill Bruford, avrai notato come all’epoca cercavamo di essere progressive e di sperimentare il più possibile con i nostri strumenti, cercando di fare le cose in maniera completamente diversa rispetto a quanto fatto fino a quel momento. Questo approccio è rimasto inalterato ancora oggi, una forza trainante che ha guidato i King Crimson nelle sue diverse forme.

CP: Certo, basterebbe citare l’ultima incarnazione della band, con addirittura tre batterie. Assistere a quei concerti e’ stata un’esperienza incredibile. Vuoi raccontarci qualcosa su questa scelta?

TL: Il concetto è sempre il medesimo: una sfida continua nel cercare di fare qualcosa di diverso e di personale, ‘progressive’ nel vero senso della parola. Nel 1981 non volevamo suonare come una band dell’epoca, ma cercavamo di portare la nostra musica un passo più avanti. Questa è sempre stata la sfida che ci lanciava Robert, spingerci sempre più in là, per essere all’altezza del nome dei King Crimson. Quando Robert mi ha presentato la sua idea di suonare con tre batterie, ho pensato che sarebbe stato estremamente difficile, che non avrei avuto spazio per suonare le mie parti con un muro del genere. In realtà mi sbagliavo, perché i tre batteristi suonano in maniera così coordinata e sincronizzata da non sembrare più nemmeno tre persone, sembrano piuttosto un unico incredibile batterista con un arsenale di elementi incredibile. Pensavo che mi sarei semplicemente fatto da parte, lasciando tutto lo spazio a loro, invece, gradualmente, man mano che prendevo confidenza con questo sound, mi sono accorto di suonare con più facilità rispetto a quando suonavo con DUE batteristi, negli anni Novanta (riferito ai tour successivi all’album “Thrak” del 1995, con la formazione dei King Crimson denominata ‘double trio’, con due chitarre, due bassi e due batterie ndR). Quando Robert ha un’idea per una nuova incarnazione dei King Crimson non sappiamo dove andrà a parare, dove ci guiderà, ma sicuramente avrà scelto le persone giuste per creare il sound che ha in mente.

CP: Anche visivamente e’ stato inpressionante, con le tre batterie in prima linea e il resto della band sullo sfondo. Anche quella e’ stata un’inversione di ruoli molto interessante.

TL: Sì, è stata un’altra idea radicale (Robert non ha mai paura di fare scelte radicali!): non solo avere tre batterie, ma averle anche davanti a tutti, come se fossero il ‘cantante’ della band. Ma anche questa scelta ha funzionato, perché ha permesso al pubblico, come dicevi anche tu, di seguire i continui scambi tra i tre batteristi, vedere la musica rimbalzare dall’uno all’altro. Ed è estremamente interessante anche per noi che stiamo dietro, su una pedana rialzata, perché anche noi rimaniamo affascinati da questo spettacolo. La tipica essenza dei King Crimson: essere sempre diversi da chiunque altro. Non so nemmeno dirti se, quando finalmente riprenderemo il tour in Europa, sarà ancora così, oppure no.

CP: A proposito di Fripp, ultimamente e’ diventato una specie di fenomeno su YouTube, per via di queste cover folli che suona assieme a sua moglie toyah. Ti e’ capitato di vederli? Cosa ne pensi?

TL: (ridacchia, ndR) Aspetta, questa me la segno: “fenomeno di YouTube”! No, ho visto solo qualche spezzone, non li guardo abitualmente, so che li fa ma niente di più…

CP: Si’, ci sono questi video che hanno milioni di visualizzazioni, piu’ dei brani dei King Crimson. E’ incredibile!

TL: Ecco, esatto, sono d’accordo che le parole esatte che hai detto. E’ incredibile...

CP: Nel corso della tua carriera hai ricoperto spesso anche il ruolo di session man all’interno di tantissimi lavori entrati nella storia. La lista sarebbe lunghissima: Pink Floyd, Alice Cooper, Lou Reed, Paul Simon e Tanti Altri. Ti va di dirci qualcosa anche di questo aspetto del tuo lavoro?

TL: Sono stato davvero fortunato nel corso della mia carriera e quando dico fortunato non intendo per il fatto di aver suonato in un sacco di album famosi, ma soprattutto per aver suonato assieme a tanti musicisti di altissimo livello. A me non interessa quanto sia conosciuto l’artista per cui suono, ho lavorato con musicisti eccezionali che per un motivo o per un altro non sono diventati famosi quanto avrebbero meritato. Come musicista mi interessa suonare bella musica, assieme ad altri bravi musicisti, e io ho avuto la fortuna di farlo a lungo. Poi il fatto che molti di questi album siano anche diventati celebri e siano stati ascoltati da tante persone è sicuramente qualcosa di speciale, ne sono felice. Ma se pensi a quello che faccio coi Liquid Tension Experiment o con i King Crimson, puoi capire che non sono il tipo di persona che passa del tempo a dirsi ‘oh, ho suonato con i Pink Floyd’. Non fa parte del mio modo di essere, sono un musicista, sono un bassista, suono con altre persone, ascolto la loro musica e cerco di capirla e apprezzarla e di creare delle linee di basso che possano arricchire quello che ascolto. Questo ho fatto in quegli album e ho la fortuna di essere ancora qui, continuando a farlo ancora oggi.

CP: Ora, invece, a cosa stai lavorando? C’e’ qualche novita’ che vuoi condividere con noi?

TL: Sì, sono costantemente impegnato in studio per registrare parti di basso per numerosi artisti, ma a parte questo ho appena concluso i lavori su un progetto diverso: un album fotografico su cui ho lavorato per un anno, si intitolerà “Images From A Life On The Road” e raccoglie fotografie provenienti da tutti i miei tour, fin dagli anni Settanta, passando per tutti i nomi che abbiamo fatto finora. Non è stato facile raccogliere tutto il materiale, si parla di decine di migliaia di foto, e riassumerle in un libro che abbia un senso. Ora abbiamo completato il tutto e potrò dedicarmi a scrivere e registrare nuova musica.

CP: Chiuso questo parziale excursus sulla tua carriera, torniamo ancora ai Liquid Tension Experiment per un’ultima domanda. Ti ricordi come sono andati i primi incontri con il resto della band? Cosa pensavi quando ti sei trovato per la prima volta a suonare con questo trio di metallari?

TL: Ormai è passato tanto tempo, quindi devo mettere alla prova la mia memoria… Se non erro, la prima volta ci siamo incontrati a casa di Mike Portnoy. All’epoca lui e John Petrucci suonavano nei Dream Theater mentre Jordan ancora no. Ricordo di essere rimasto impressionato dall’abilità tecnica di tutti quanti, quando abbiamo iniziato a suonare qualcosa assieme per vedere se le cose avrebbero potuto funzionare. Ricordo che eravamo nel seminterrato di casa sua, non in una sala prove, e stavamo suonando davvero ad alto volume! Ci siamo accorti che assieme funzionavamo bene e quindi poco tempo dopo ci siamo chiusi in studio per registrare il primo album, avendo a disposizione più tempo per conoscerci, scrivere musica assieme e vedere dove ci avrebbe portato. Il metodo di lavoro per certi versi era molto simile a quello di adesso, però c’erano anche delle differenze, perché all’inizio non avevamo ancora deciso che direzione avrebbe preso questo progetto: abbiamo provato cose molto diverse, compreso del jazz, o musica latina. Il risultato non è che non ci piacesse, però ci siamo resi conto in fretta che così non avrebbe funzionato e siamo approdati velocemente allo stile che adesso ci viene così naturale. In questo senso oggi è più facile, perché non ci troviamo più a perdere tempo su soluzioni che non finirebbero da nessuna parte, ma tutto sommato anche allora fu un processo molto rapido, complice anche quella velocità di apprendimento di cui ti parlavo prima. Semplicemente abbiamo imboccato qualche vicolo cieco, prima di imboccare quell’autostrada che risponde al nome di Liquid Tension Experiment. Una volta presa, siamo andati a 150 all’ora!