Dream Theater Interview (Jordan Rudess)

Hi Jordan, how are you?

I’m fine, thank you, everything is fine.

The first thing I want to ask you is about this last year and a half, the pandemic, a difficult, strange period, something unprecedented in our lives. How has the pandemic affected you as a band, and I don’t just mean the new album, in general the relationships between you and everything about Dream Theater?

This period has definitely been challenging for anyone. The great thing is that even during this period we were able to go into the studio and make an album. It wasn’t easy because of the situation, because of everybody’s different opinions about what was going on, but we did it. Once we got into the studio we immediately felt inspired to get to work, to create new music. I think COVID-19 created a situation where there is simply a lot of music that people can listen to, because bands can’t go on tour, and we also had the opportunity to record a lot. As you probably know we had to postpone our North American tour; that was unfortunate and not an easy decision to make. The pandemic certainly put a strain on the band’s organization.

Speaking of the new album, “A View From the Top of the World” is your 15th album, a number of records that few bands can boast. After so many albums, how difficult, or easy, is it to write new music that satisfies you? Because obviously it’s not just about writing music that works, it’s about writing music that you are satisfied with and that you feel comfortable releasing under your own name.

Of course, you’re right. It’s always difficult, I think, when you start a new project to imagine where it might go. You have this feeling, “I’ve done it before but... can I do it again?” The thing with us is that when we get into the studio and start working... things just happen! That’s what we are [laughs] we speak the language of music: we go into the studio and work on individual ideas, but then we inspire each other. I think it’s very nice, maybe Mike Mangini starts playing a pattern and I’m like, “Oh my God, this makes me think of this!” and I play something, then maybe John Petrucci comes in and plays over it. A lot of times it takes very little to start a musical conversation between us. From that point of view, I have to say that we never run out of ideas or inspiration, and we get exhilarated because we like what we do, and once we start the process in no time we are in the midst of recording and the classic Dream Theater organization.

What is the quality control process like in Dream Theater? I mean, do you only consider the opinion of the five of you or are there other people who give you feedback and help you decide how to move forward with an album?

We rely mainly on the opinion of the five of us, and sometimes there is then a final judgment from John Petrucci, because he was the producer. He’s good at giving everyone the space for everyone to do their own thing, but sometimes he also gives direction to take a song in a more cohesive direction that he thinks will work well. It definitely helps to have someone who is in charge of keeping things in the right shape, who has an idea of the overall vision.

Did you have any specific goals with this album, like writing a heavier album, or trying new sounds, or new musical solutions, or things like that?

We wanted an album that was a little more open, without giving ourselves too many limitations. With the previous album, “Distance Over Time,” we wanted an album that was a little more polished, with shorter songs that were straight to the point. With this one we wanted to give ourselves more breathing room to do absolutely everything we wanted to do. That’s why there are longer songs, you can also hear longer riffs, extended exchanges between me and John Petrucci; we allowed ourselves more freedom to let the songs breathe better. Then we also felt inspired by the fact that we had just taken on tour all of “Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory,” so thinking back to that time, what we had done with that record, and seeing the response from the audience, we tried to capture some of that energy in this album. That’s kind of what we were thinking when we set to work.

Do you openly discuss these things out loud, do you say to each other, “I want an album that is so-and-so and so-and-so,” or is it just the way things developed?

No, we discuss these things, definitely, before we get to work we always do. In each album we do it differently, but it’s known that we have a big blackboard where we mark all the ideas, kind of like in school! [Laughs] In the old days we would even mark what influences we wanted on the album, what records we wanted to take inspiration from. We are a band that is very self-aware; we make plans, concepts, and only then do we get to work on the music.

One thing that struck me immediately when I first listened to the record was Mike Mangini’s drums, very interesting and enjoyable. Was there something different with him, did you ask him to play in a particular way or, again, is it how the songs naturally developed?

I think sonically, we’ve tried different things with drum sounds over the years. Mike was definitely instrumental in the development of the drum sound to what it is today; he and our fantastic, young and incredibly talented sound engineer Jimmy T [James Meslin] who did a wonderful job recording the drums. I personally think the drums have never sounded so good. As far as the content of what Mike played, I think he now feels a little bit freer to play as he wants in the studio, he presented us with a lot of his rhythmic ideas and so we’ve – I don’t know how else to say it – let Mangini’s spirit free [laughs]. It’s like we told him, “Play something cool and we’ll make sure we use it,” and we used his rhythmic ideas as the basis for a lot of the songs and it’s great because it’s something he does very well.

Being on lockdown you certainly had a lot more time to work on the album than you normally have in the breaks between tours. Did you change the recording or writing process in any way compared to the past?

We recorded the album in our headquarters and that was very cool. When you’re in your own space you have no time constraints, you can just let things develop in the time you need without anyone throwing you out of the studio. This kind of experience allowed us to handle the whole process of creating the album differently. Personally, another thing that I did differently is that I brought my keyboards into the control room and Jimmy T and I played a lot with the sound; we took our time to get the best sounds possible. I had my vintage instruments, my Minimoog, state-of-the-art software to make the orchestral sounds... It was the kind of experience where you take your time to do everything really well, and I think it shows in the final product.

Speaking of the songs, are there any that you have a greater attachment to, or that have a particular meaning for you?

When I was creating the album with the guys every day I felt attachment to a different song [laughs]. I alternate because with this album I can’t decide on a favorite song. But I have to tell you that I’m very proud of the title track, which is a really epic song, for many reasons: one of them is that I was able to use some really great orchestral sounds with the software I mentioned. Then from my point of view, the thing is that in the middle part of the song I played an app called GeoShred, an app developed by my company Wizdom Music. It’s one of our apps and it’s used on the iPad. The cello sound that you can hear in the middle of the song is me using that app on an iPad; so, it was really fun to be able to use that instrument and allow it to speak, so to speak, in the title track.

So is this the first time you’ve used your own app in the studio? Because I remember the last time we talked we discussed just how you had already introduced the iPad in your concerts.

No, I had used my apps in the past in the studio, but this is the first time that... you know, we recently did a big update to introduce orchestral sounds, this is a new thing, so I hadn’t used this app possibility in the studio before. So now I used it here, and when we go on tour I plan to use it in concerts as well.

Here, speaking of concerts I wanted to ask you: when you write new music do you also think about how to bring the new songs to the stage, or is that something you only think about later?

The keyboard world is an interesting one because you can play all these different sounds, so many times I do orchestral sounds, things that sound like special effects, piano, organ, so many different things. So being able to translate that into the live dimension can be a challenge, because what happens if you have a piano, strings, horn or whatever, is that it can be difficult to do all that live. Part of my job is being able to get exactly the sounds I want in the studio, and the next step is figuring out how to bring those sounds to the stage. It’s something I’m aware of while I’m in the studio, recording track after track and meanwhile thinking, “How the heck am I going to play this stuff live?” I’m happy to say that [in the past] I’ve been successful in bringing a lot of what I recorded in the studio to stages, live. What I don’t like is having prerecorded tracks, I want to get my hands on the keyboards and really be able to play whatever the audience hears.

Original text

Intervista Dream Theater (Jordan Rudess)

Di Davide Sciaky

22 Ottobre 2021

Truemetal vive grazie al suo pubblico. Quando compri qualcosa dai nostri link, potremmo guadagnare una commissione. Scopri di più

Ciao Jordan, come stai?

Sto bene, grazie, va tutto bene.

La prima cosa che ti voglio chiedere è su quest’ultimo anno e mezzo, la pandemia, un periodo difficile, strano, qualcosa di senza precedenti nella nostra vita. In che modo la pandemia vi ha influenzati come band, e non intendo solo il nuovo album, in generale i rapporti tra voi e tutto quello che riguarda i Dream Theater?

Questo periodo è stato sicuramente sfidante per chiunque. La cosa fantastica è che anche in questo periodo siamo riusciti ad andare in studio e a realizzare un album. Non è stato facile a causa della situazione, a causa delle diverse opinioni di tutti su quello che stava succedendo, ma ce l’abbiamo fatta. Una volta entrati in studio ci siamo sentiti subito ispirati a metterci al lavoro, a creare nuova musica. Credo che il COVID-19 abbia creato una situazione dove c’è semplicemente un sacco di musica che la gente può ascoltare, perché le band non possono andare in tour, e anche noi abbiamo avuto l’opportunità di registrare molto. Come probabilmente saprai abbiamo dovuto rimandare il nostro tour nordamericano, quello è stato un peccato e una decisione non semplice da prendere. La pandemia sicuramente ha messo in difficoltà l’organizzazione della band.

Parlando del nuovo album, “A View From the Top of the World” è il vostro quindicesimo album, un numero di dischi che poche band possono vantare. Dopo così tanti album, quanto è difficile, o facile, scrivere nuova musica che vi soddisfi? Perché ovviamente non si tratta solo di scrivere musica che funzioni, ma di scrivere musica di cui siate soddisfatti e che vi sentiate di pubblicare con il vostro nome.

Certo, hai ragione. È sempre difficile, penso, quando inizi un nuovo progetto immaginare dove possa arrivare. Hai questa sensazione, “L’ho fatto prima ma… posso farlo di nuovo?”. La cosa con noi è che quando entriamo in studio e cominciamo a lavorare… le cose semplicemente succedono! Questo è quello che siamo [ride] parliamo la lingua della musica: entriamo nello studio e lavoriamo su idee individuali, ma poi ci ispiriamo l’un l’altro. Penso che sia molto bello, magari Mike Mangini comincia a suonare un pattern e io mi dico, “Oh mio dio, questo mi fa pensare a questa cosa!” e suono qualcosa, poi magari entra John Petrucci a suonarci sopra. Tante volte basta poco per dare il via ad una conversazione musicale tra di noi. Da quel punto di vista devo dire che non siamo mai a corto di idee o di ispirazione, e ci esaltiamo perché ci piace quello che facciamo e una volta iniziato il processo in meno che non si dica siamo in mezzo alle registrazioni e all’organizzazione classica dei Dream Theater.

Com’è il processo di controllo della qualità in casa Dream Theater? Voglio dire, considerate solo l’opinione di voi cinque o ci sono altre persone che vi danno feedback e vi aiutano a decidere come muovervi con un album?

Ci affidiamo principalmente all’opinione di noi cinque, e a volte c’è poi un giudizio finale di John Petrucci, perché ha fatto da produttore. Lui è bravo a lasciare a tutti lo spazio perché ognuno faccia le proprie cose, ma a volte dà anche indicazioni per portare una canzone in una direzione più coesa che pensa possa funzionare bene. Sicuramente aiuta avere qualcuno che sia incaricato di mantenere le cose nella giusta forma, che abbia un’idea della visione d’insieme.

Avevate qualche obiettivo specifico con questo album, tipo scrivere un album più pesante, o provare nuovi suoni, o nuove soluzioni musicali, o cose del genere?

Volevamo un album un po’ più aperto, senza darci troppi limiti. Con l’album precedente, “Distance Over Time”, volevamo un album un po’ più limato, con delle canzoni più brevi e dritte al punto. Con questo volevamo concederci più respiro per fare assolutamente tutto quello che volevamo. Per questo ci sono canzoni più lunghe, puoi anche sentire riff più lunghi, degli scambi estesi tra me e John Petrucci; ci siamo concessi più libertà per far respirare meglio le canzoni. Poi ci siamo anche sentiti ispirati dal fatto che avevamo appena portato in tour tutto “Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory”, quindi ripensando a quei tempi, a quello che avevamo fatto con quel disco, e vedendo la risposta del pubblico, abbiamo cercato di catturare un po’ di quell’energia in questo album. Questo è più o meno quello che pensavamo quando ci siamo messi al lavoro.

Discutete apertamente ad alta voce di queste cose, vi dite, “Voglio un album che sia così, così e così”, o è semplicemente il modo in cui si sono sviluppate le cose?

No, discutiamo di queste cose, sicuramente, prima di metterci al lavoro lo facciamo sempre. In ogni album lo facciamo in modo diverso, ma è noto che abbiamo una grossa lavagna dove ci segniamo tutte le idee, un po’ come a scuola! [Ride] Ai vecchi tempi ci segnavamo addirittura che influenze volevamo sull’album, da quali dischi volevamo prendere ispirazione. Siamo una band che è molto consapevole di sé stessa; facciamo piani, dei concept e solo dopo ci mettiamo al lavoro sulla musica.

Una cosa che mi ha colpito subito la prima volta che ho ascoltato il disco è la batteria di Mike Mangini, molto interessante e godibile. C’è stato qualcosa di diverso con lui, gli avete chiesto di suonare in modo particolare o, di nuovo, è come si sono naturalmente sviluppate le canzoni?

Penso che dal punto di vista sonoro, negli anni abbiamo provato cose diverse con i suoni della batteria. Mike è stato sicuramente strumentale allo sviluppo del sound della batteria fino a giungere a quello che è oggi; lui e il nostro fantastico, giovane e incredibilmente talentuoso ingegnere del suono Jimmy T [James Meslin] che ha fatto un lavoro meraviglioso nel registrare la batteria. Personalmente penso che la batteria non abbia mai suonato così bene. Per quanto riguarda il contenuto di quello che ha suonato Mike, penso che lui ora si senta un po’ più libero di suonare come vuole in studio, ci ha presentato molte delle sue idee ritmiche e quindi abbiamo, non saprei come dirlo diversamente, lasciato libero lo spirito di Mangini [ride]. E’ come se gli avessimo detto, “Suona qualcosa di figo e faremo in modo di usarlo”, abbiamo usato le sue idee ritmiche come base per molte canzoni ed è fantastico perché è qualcosa che fa molto bene.

Essendo in lockdown sicuramente avete avuto molto più tempo a disposizione per lavorare all’album di quanto avete normalmente nelle pause tra i tour. Avete cambiato in alcun modo il processo di registrazione o di scrittura rispetto al passato?

Abbiamo registrato l’album nel nostro quartiere generale e questo è stato molto figo. Quando sei nel tuo spazio non hai limiti di tempo, puoi semplicemente lasciare che le cose si sviluppino nel tempo necessario senza che nessuno ti butti fuori dallo studio. Questo tipo di esperienza ci ha permesso di gestire diversamente tutto il processo di creazione dell’album. Personalmente, un’altra cosa che ho fatto diversamente è che ho portato le mie tastiere nella control room e io e Jimmy T abbiamo giocato molto con il sound, ci siamo presi il nostro tempo per ottenere i suoni migliori possibili: avevo i miei strumenti vintage, il mio Minimoog, dei software all’avanguardia per fare i suoni orchestrali... E’ stata il tipo di esperienza in cui ti prendi il tuo tempo per fare tutto davvero bene, e penso che si senta nel prodotto finale.

Parlando delle canzoni, ce n’è qualcuna per cui hai un attaccamento maggiore, o che ha un significato particolare per te?

Mentre creavo l’album con i ragazzi ogni giorno sentivo attaccamento per una canzone diversa [ride]. Mi alterno perché con questo album non riesco a decidermi su una canzone preferita. Ma devi dirti che sono molto fiero della title-track, una canzone davvero epica, per molti motivi: uno di questi è che ho potuto usare dei suoni davvero fantastici di orchestra con il software che ti accennavo. Dal mio punto di vista, poi, la cosa è che nella parte centrale della canzone ho suonato un’app chiamata GeoShred, un’applicazione sviluppata dalla mia compagnia Wizdom Music. È una delle nostre applicazioni e si usa sull’iPad. Il suono di violoncello che puoi sentire nel mezzo della canzone sono io che uso quell’app su un’iPad; quindi, è stato davvero divertente poter usare quello strumento e permettergli di parlare, per così dire, nella title-track.

Quindi è la prima volta che usi una tua app nello studio? Perché mi ricordo che l’ultima volta che abbiamo parlato abbiamo discusso proprio di come tu avessi già introdotto l’iPad nei vostri concerti.

No, avevo già usato nel passato le mie app nello studio, ma questa è la prima volta che… sai, abbiamo recentemente fatto un grosso update per introdurre i suoni orchestrali, questa è una cosa nuova, quindi non avevo mai usato prima questa possibilità dell’app in studio. Quindi ora l’ho usata qui, e quando andremo in tour ho in programma di usarla anche nei concerti.

Ecco, parlando di concerti ti volevo chiedere: quando scrivete nuova musica pensate anche a come portare sul palco le nuove canzoni, o è qualcosa a cui pensate solo in un secondo momento? 

Il mondo delle tastiere è un interessante perché puoi suonare tutti questi suoni diversi, tante volte faccio suoni orchestrali, cose che sembrano effetti speciali, piano, organo, tante cose diverse. Quindi, riuscire a tradurre tutto ciò nella dimensione live può essere una sfida, perché quello che succede se hai un piano, degli archi, un corno o altro ancora, è che può essere difficile fare tutto questo dal vivo. Parte del mio lavoro è riuscire ad ottenere esattamente i suoni che voglio in studio, e il passo successivo è capire come portare questi suoni sul palco. E’ qualcosa di cui sono consapevole mentre sono i studio, registro tracce su tracce ed intanto penso, “Come diamine farò a suonare queste cose dal vivo?!”. Sono felice di poter dire che [in passato] ho avuto successo nel portare molto di quello che ho registrato in studio sui palchi, dal vivo. Quello che non mi piace è avere tracce preregistrate, voglio mettere le mani sulle tastiere e poter suonare davvero tutto quello che il pubblico sente.